El puerto de Cádiz visto desde la estación de FFCC en el siglo XIX. Se puede ver la Puerta del Mar
Episodio nacional cómico-lírico-dramático en dos actos.
Libro de Javier de Burgos.
Música de Federico Chueca y Joaquín Valverde Durán.
Se estrenó el de 20 noviembre de 1886, en el Teatro Apolo de Madrid.
La acción se desarrolla en Cádiz en 1812, durante el asedio de las tropas francesas, y las Cortes redactan la primera Constitución Española.
Argumento
Es una historia de amor entre dos jóvenes y el intento de un viejo ridículo de enamorar a la muchacha.
Acto I.
Mientras los gaditanos se preparan para defender la ciudad ante el inminente ataque de las tropas napoleónicas, algunos personajes, Lorenzo y el Rubio entre otros, discuten sobre las posibilidades que tiene la ciudad de sobrevivir al ataque francés.
Al tiempo, la joven y acaudalada Carmen tiene que soportar el asedio de Angustias y don Cleto, que pretenden disuadirla de su intención de casarse con Lorenzo, especialmente el tutor, que desea ser él quien despose a la muchacha.
Aparece el Marqués dando noticias sobre los preparativos de la ciudad: todo el pueblo colabora en preparar fortificaciones y barricadas. Don Cleto reacciona pretendiendo llevarse a Carmen a una casa de campo que posee en las afueras, de esta manera se librará de los avatares y peligros de la batalla.
Mientras Curra y el Rubio mantienen una simpática escena de amor, don Cleto abandona Cádiz en una calesa para organizar la huida de Carmen, quien se ve obligada a buscar refugio en casa del Marqués, tío de Lorenzo, que trata de disuadirla de que no se marche.
La llegada de soldados de refuerzo a la ciudad es providencial, con ellos viene Fernando; don Cleto, que no ha llegado muy lejos porque el Rubio, sospechando lo que tramaba, ha hecho volcar la calesa, es detenido y el pueblo celebra con alegría la aparición de los soldados.
Acto II.
Los gaditanos celebran que las fuerzas de Napoleón no pueden ni siquiera acercarse a la ciudad. A los festejos asisten las tropas inglesas a las que los gaditanos agradecen su apoyo. Don Cleto continúa pensando en su plan de escapar, mientras Fernando y Lorenzo comentan sus respectivas intervenciones en la guerra.
La desaparición de Carmen y su tutor inquieta a todos los protagonistas que se lanzan en su busca, mientras el pueblo, en un vistoso cuadro, canta a la recién proclamada Constitución, conocida como “La Pepa”.
Lorenzo y Fernando encuentran a don Cleto y a Carmen, éste intenta convencerla de que acepte su ofrecimiento de escapar, porque según él, la suerte de la ciudad está decidida: será invadida por los franceses. Pero se equivoca; Fernando y Lorenzo detienen a don Cleto, mientras el pueblo celebra y festeja su victoria sobre los invasores.
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¡Vaya una Jarana! (Introducción y diana de Cádiz) | Canción de la Resistencia Anti-Napoleón en Cádiz
Pasodoble de Cádiz - Federico Chueca
Para los lectores que les guste la zarzuela, y gocen de tiempo, en el siguiente vídeo la pueden ver completa.
DOÑA FRANCISQUITA " DE ROMERO Y FERNANDEZ SHAW. MÚSICA DE AMADEO VIVES.
La zarzuela surgió como género musical típicamente español a mediados del siglo XIX. Con un claro contenido nacionalista, buscaba presentar una alternativa al teatro cantado en italiano. También en los argumentos se buscaba un contenido típicamente español, lo que tenía similitud con lo que había intentado Lope de Vega con el teatro durante el Siglo de Oro. Uno de los mejores exponentes del género fue el compositor catalán Amadeo Vives que, deseando dar nuevos bríos a un género que daba muestras de falta de vitalidad, decidió utilizar el teatro de Lope para crear varias zarzuelas.
La romanza "Por el humo se sabe"... de Doña Francisquita está considerada como una página lírica de singular calidad, que cobra excelencia en la privilegiada voz del tenor lírico español Alfredo Kraus, versión que ofrecemos aquí.
Basada en la comedia "La discreta enamorada", de Lope de Vega, está considerada por sus características una ópera cómica. Es, en todo caso, un modelo del género grande.
La música es del maestro Amadeo Vives y la letra de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw.
Se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 17 de octubre de 1923 y desde entonces no ha dejado de representarse y de ser aplaudida como un fiel retrato del Madrid romántico, pleno de viveza, frescura y colorido. Sus autores no dejaron caer la obra en la mera recreación histórica.
La acción se sitúa en el Madrid del siglo XIX, durante el carnaval.
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Doña Francisquita: Act II, Romanza - Por El Humo se sabe donde está el fuego
La romanza "Por el humo se sabe"... de Doña Francisquita está considerada como una página lírica de singular calidad, que cobra excelencia en la privilegiada voz del tenor lírico español Alfredo Kraus, versión que ofrecemos aquí.
La idea de que los celos nacen del humo que el amor produce al arder procede del pensamiento de Marsilio Ficino, autor que considera que el alma conserva la imagen del ser amado, lo que vincula los celos al recuerdo.
Por el humo se sabe
donde está el fuego;
del humo del cariño
nacen los celos:
Son mosquitos que vuelan
junto al que duerme
y zumbando le obligan
a que despierte.
¡Si yo lograra,
de verdad para siempre,
dormir el alma!
Y, en la celdilla del amor aquél,
borrar el vértigo
de aquella mujer.
Por una puerta
del alma va saliendo
la imagen muerta.
Por otra puerta llama
la imagen que podría
curarme el alma.
Se me entra por los ojos
y a veces sueño
que ya la adoro.
Cariño de mi alma
recién nacido,
la llama extingue,
¡ay! de aquel cariño.
¡Vana ilusión!
En amores no vale
matar la llama,
si en las cenizas muertas,
queda la brasa.
El amor se aletarga
con los desdenes
y parece dormido,
pero no duerme.
¡Ay, quién lograra
de verdad para siempre
dormir el alma!
Y, en la celdilla del amor aquel,
borrar el vértigo
de aquella mujer
fatal. ¡Ah! fatal.
Impresiones del Maestro Prawy en referencia al Maestro Kraus. .. fue un autoregalo confesaría en posteriores declaraciones, Kraus no podía faltar.... cuando escuché por el humo se sabe quedé maravillado, tenía un antiguo disco ,aquellos de acetato y la escuchaba tantas veces que ya no se podía aguantar, de hecho tengo el disco aún guardado y me produce tanta nostalgia el saber que yo mismo fui quien lo rayó, exclamaba entre risas en una entrevista en 1992, pero la cuestión es que no quedaba ahí, también se la hacía cantar cada vez que teníamos la ocasión de compartir. ...." Alfredo ,yaaaa, me decía¿ Qué quieres? ... tú sabes, tu sabes, la romanza, y ahí iba otra vez. Era tan noble que siempre me la cantaba. Eso sí, era mi intención escuchársela una y otra vez. Siempre notabas que como el buen vino se crecía en calidad interpretativa y podías encontrar algo nuevo y mejorado a pesar de no ser un niño como yo, (remataba jocosamente). Están cosas son las por las que merece la pena vivir. He sido muy afortunado.
Pueden escucharla en la voz de otro gran tenor, esta vez dramático, Plácido Domingo.
Es una canción exigente para el tenor que la interpreta
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Aunque no se trata de una Zarzuela, este sortxico (canción popular vasca), la colocamos hoy para nuestros amigos y amigas, por su extraordinaria belleza. Es una canción sentimental y tierna con una curiosa historia. Quienes escuchen 'Maitetxu mía' especialmente los migrantes, no pueden evitar sentir una profunda e intensa emoción y recordar con nostalgia el terruño, el lugar donde pertenece su alma, donde la luz y el corazón trazaron las coordenadas de la dicha.
Se asocia al país vasco y Navarra por la variante euskérica más común del nombre Maite, aunque también es muy popular en el resto de España.
Breve biografía del compositor
Francisco Alonso López (Granada, 9-5-1887- Madrid 18-5-1948). Su música es graciosa, alegre, de fácil melodía y acento popular. Destacaba en los pasodobles y chotis a los que imprimía garbo y desenfado. Muchas de sus obras continúan siendo muy apreciadas, como el pasacalle Los nardos, el chotis, El Pichi, ambas de la Revista Musical, Las Leandras.
Escribió igualmente dos pasodobles para las fiestas de la ciudad de Alicante, "Les Fogueres de Sant Joan", titulados La festa del poble, que se estrenó en 1934, y La Nit de San Joan, pasodoble foguerer para banda, coro y bajo solista y la canción Maitetxu mía. Llegó a presidir la Sociedad General de Autores de España.
El Maestro Alonso, en sus estancias en Fuenterrabía captó el sentir de las gentes de los caseríos y pueblos vascongados y llevarlos a sus pentagramas, creando una de las canciones más populares y célebres de su repertorio. Tan célebre, que siendo su compositor andaluz supo captar el espíritu vasco y hoy día podemos decir que no tiene patria.
Maitetxu mía ha sido interpretada y grabada por los más eminentes tenores de habla hispana, como Miguel Fleta, Juan García, Plácido Domingo, Alfredo Kraus, José Carreras, Luis Mariano y por grupos populares como Los Xeys, Mocedades y otros.
El origen de Maitetxu mía está en una apuesta. En Fuenterrabía, unos amigos vascos le juzgaban incapaz de componer música vasca. El Maestro Alonso, picado en su orgullo, pidió a su amigo y colaborador Emilio González del Castillo una letra de ambiente vasco para ponerla música. Cuando la tuvo, el compositor granadino se sentó al piano y, en sólo una hora, creó esta impresionante y maravillosa canción.
La interpretan de forma magistral Plácido Domingo y el grupo Mocedades.
Buscando hacer fortuna como emigrante
Se fue a otras tierras
Y entre las mozas una
Quedó llorando por su querer
Vuélvete al caserío
No llores más mujer
Que dentro de unos años
Muy rico he de volver
Y si me esperas
Lo que tú quieras
De mí conseguirás
Maitechu mía
Maitechu mía
Calla y no llores más
Yo volveré a quererte con toda el alma Maitechu mía
Y volveré a cantar sortxicos al pasar
Y volveré a decirte las mismas cosas que te decía
Por oro cruzo el mar
Y debes esperar
Luchó por el dinero
Y al verse rico volvió por ella
Saltó a tierra el primero
Porque soñaba con su querer
Ya llego al caserío
Voy a volverla a ver
No sale a recibirme
¿Qué es lo que pudo ser?
Murió llorando y suspirando…
Si la han leído o escuchado con atención, el dolor es tal que se propone quitarse la vida.
El título emplea la palabra vasca 'maitetxu' -escrita a la española- con un posesivo, de modo que viene a significar, 'amor mío'. No quiere decir 'Maite mía', pues maitechu no es diminutivo de María Teresa ni equivale a Maite o Mari Tere. Suenan igual 'maite' y Maite por pura coincidencia.
Txu en euskera es un diminutivo cariñoso. que se añade a los nombres propios.
La zarzuela surgió como género musical típicamente español a mediados del siglo XIX. Con un claro contenido nacionalista, buscaba presentar una alternativa al teatro cantado en italiano. También en los argumentos se buscaba un contenido típicamente español, lo que tenía similitud con lo que había intentado Lope de Vega con el teatro durante el Siglo de Oro. Uno de los mejores exponentes del género fue el compositor catalán Amadeo Vives que, deseando dar nuevos bríos a un género que daba muestras de falta de vitalidad, decidió utilizar el teatro de Lope para crear varias zarzuelas.
La romanza "Por el humo se sabe"... de Doña Francisquita está considerada como una página lírica de singular calidad, que cobra excelencia en la privilegiada voz del tenor lírico español Alfredo Kraus, versión que ofrecemos aquí.
Basada en la comedia "La discreta enamorada", de Lope de Vega, está considerada por sus características una ópera cómica. Es, en todo caso, un modelo del género grande.
La música es del maestro Amadeo Vives y la letra de Federico Romero y Guillermo Fernández-Shaw.
Se estrenó en el Teatro Apolo de Madrid el 17 de octubre de 1923 y desde entonces no ha dejado de representarse y de ser aplaudida como un fiel retrato del Madrid romántico, pleno de viveza, frescura y colorido. Sus autores no dejaron caer la obra en la mera recreación histórica.
La acción se sitúa en el Madrid del siglo XIX, durante el carnaval.
Romanza de Fernando, canta Alfredo Kraus. Hacer clic sobre la imagen para visualizar el vídeo
La romanza "Por el humo se sabe"... de Doña Francisquita está considerada como una página lírica de singular calidad, que cobra excelencia en la privilegiada voz del tenor lírico español Alfredo Kraus, versión que ofrecemos aquí.
La idea de que los celos nacen del humo que el amor produce al arder procede del pensamiento de Marsilio Ficino, autor que considera que el alma conserva la imagen del ser amado, lo que vincula los celos al recuerdo.
Por el humo se sabe
donde está el fuego;
del humo del cariño
nacen los celos:
Son mosquitos que vuelan
junto al que duerme
y zumbando le obligan
a que despierte.
¡Si yo lograra,
de verdad para siempre,
dormir el alma!
Y, en la celdilla del amor aquél,
borrar el vértigo
de aquella mujer.
Por una puerta
del alma va saliendo
la imagen muerta.
Por otra puerta llama
la imagen que podría
curarme el alma.
Se me entra por los ojos
y a veces sueño
que ya la adoro.
Cariño de mi alma
recién nacido,
la llama extingue,
¡ay! de aquel cariño.
¡Vana ilusión!
En amores no vale
matar la llama,
si en las cenizas muertas,
queda la brasa.
El amor se aletarga
con los desdenes
y parece dormido,
pero no duerme.
¡Ay, quién lograra
de verdad para siempre
dormir el alma!
Y, en la celdilla del amor aquel,
borrar el vértigo
de aquella mujer
fatal. ¡Ah! fatal.
Impresiones del Maestro Prawy en referencia al Maestro Kraus. .. fue un autoregalo confesaría en posteriores declaraciones, Kraus no podía faltar.... cuando escuché por el humo se sabe quedé maravillado, tenía un antiguo disco ,aquellos de acetato y la escuchaba tantas veces que ya no se podía aguantar, de hecho tengo el disco aún guardado y me produce tanta nostalgia el saber que yo mismo fui quien lo rayó, exclamaba entre risas en una entrevista en 1992, pero la cuestión es que no quedaba ahí, también se la hacía cantar cada vez que teníamos la ocasión de compartir. ...." Alfredo ,yaaaa, me decía¿ Qué quieres? ... tú sabes, tu sabes, la romanza, y ahí iba otra vez. Era tan noble que siempre me la cantaba. Eso sí, era mi intención escuchársela una y otra vez. Siempre notabas que como el buen vino se crecía en calidad interpretativa y podías encontrar algo nuevo y mejorado a pesar de no ser un niño como yo,(remataba jocosamente.) Están cosas son las por las que merece la pena vivir. He sido muy afortunado.
Pueden escuchar en la voz de otro gran tenor, esta vez, dramático, Plácido Domingo.
Es una canción exigente para el tenor que la interpreta
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Con libro de Manuel de Góngora y Luis Manzano. Música del maestro Jacinto Guerrero
Estrenada el 2 de octubre de 1931 en el Teatro Lope de Vega, de Valladolid
Argumento
Es un romance andaluz sobre la época de la ocupación francesa, que se desarrolla en un pueblo de la provincia de Cádiz, esa ciudad blanca, con altos muros donde el tiempo se detuvo: Vejer de la Frontera.
Alrededor de la figura de Juan León gira toda la trama del romance. Él y Blanca, la hermosa muchachita de Vejer, se sienten atraídos entre sí. La diferencia de edad hace posible que Juan León pudiera ser el padre de Blanca. Y algo por el estilo se murmura por el pueblo. El tío Latines es, entre todos, quien dice saber más sobre la vida de Juan León, cuya juventud fue un tanto azarosa.
Se dice también que la madre de Blanca pudo ser una dama principal de la Corte, que más tarde murió en accidente de carretera, en el que no estuvo ajeno Juan León, el famoso tartanero que ahora pone su valor y su tartana al servicio de las tropas españolas que luchan contra los franceses.
Currillo es el novio de Blanca, que siente celos de Juan León. No concibe que el cariño que el tartanero pueda sentir por Blanca sea distinto al suyo. Ha de ser el tiempo y la ocasión quienes demuestren a Currillo toda la hombría de bien y la nobleza que se encierran en la persona de Juan León
El capitán don Luis de Aguilar, amigo de Juan León, se encapricha de Blanca. Ignorando lo que para el tartanero pueda significar la muchacha, pone en conocimiento de éste su proyecto de raptar a la joven. Para ello necesita la colaboración de Juan. El plan propuesto por el capitán es aceptado por el tartanero, que ve en el mismo la manera de salvar a Blanca de las malas intenciones del militar.
Currillo también ha sufrido las consecuencias al querer defender a su novia del acoso del capitán Aguilar, quien ha ordenado su encarcelamiento.
Ha llegado la noche designada para llevar a efecto los planes del capitán. Blanca está encerrada en casa del tío Latines en espera de que Juan León la recoja y la lleve en su tartana a reunirse con don Luis de Aguilar. Y el tartanero, fiel a su promesa hecha al amigo y a sus deseos de salvar a la joven, se hacer cargo de ella y se la lleva en su tartana a lugar seguro, lejos del alcance de quien intentaba llevar a efecto tan mala acción.
Por otra parte, el capitán don Luis de Aguilar espera impaciente en su habitación la llegada de su presa sin darse cuenta de que ha quedado prisiones a su vez del propio Juan León, que ha cerrado la habitación con llave.
Ha pasado el tiempo y la guerra sigue. Juan León y Luis de Aguilar no se han vuelto a ver. Blanca quedó a salvo y Currillo logró huir de su prisión. Ahora el muchacho vuelve a encontrase con Blanca, reprochándole algo de lo que ella no es culpable. Hablan los celos, como siempre, y Juan León lo sabe. Por eso logra, al fin, la libertad definitiva de Currillo, a cambio de la salvación, de manos de los franceses, de la mujer e hijos del capitán don Luis de Aguilar, efectuada por el mismo Juan León.
Al final todo vuelve a su cauce. Blanca sabe que Juan León es su padre. La alegría de la noticia en la joven es la gran alegría de Juan León.
Don Luis de Aguilar pide perdón a su amigo, el famoso tartanero, por el mal que por ignorancia pudo hacerle.
Blanca y Currillo ahora bendicen un nombre, que siempre ha sido venerado por todo el pueblo: Juan León. Él hombre generoso y valiente, leal y abnegado, que tuvo que entregar medio tiempo de su vida para lograr una felicidad…
Romanza “Mentira, mentira piadosa”, la canción de Blanca “Soy de Vejer”
Los interesados en escucharla completa. Pulsen en el siguiente vídeo
La influencia del primer Romanticismo en España fue prácticamente nula. La férrea censura instituida por Fernando VII impidió que llegara hasta España la música de Beethoven o Schubert. Aunque llegó la de los compositores más conservadores, sobre todo la de Rossini, que contó con buen número de admiradores en España.
La música española del XIX tuvo como base el estilo italiano, todavía cercano al Clasicismo, que se aprecia en la obra operística y sinfónica de Ramón Carnicer (1789-1855).
Ramón Carnicer y Batlle - Pot-purri de aires característicos españoles (ca. 1837)
Fue tras la muerte del rey Fernando VII (1808-1833), último monarca representante del absolutismo en España y la llegada al poder de los liberales cuando comenzó una mayor difusión de la música europea y se puso mayor cuidado en su enseñanza. Para ello fue fundamental la creación, en 1834, del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid que comenzó así una labor educativa que dio sus mejores frutos ya en el último tercio del siglo.
El predominio de lo italiano en la música de comienzos del XIX tuvo pronto voces en contra, sobre todo en lo que al género operístico se refiere. La pugna contra el teatro cantado en italiano tuvo como resultado la resurrección de la zarzuela popular, creada a finales del XVIII por don Ramón de la Cruz y olvidada posteriormente.
En España, la influencia del nacionalismo en la música se manifestó de forma especial en el terreno del teatro musical y en dos vertientes distintas: la de aquellos que defendieron la zarzuela como forma española frente a la ópera, considerada espectáculo extranjero, y la de quienes defendieron la necesidad de crear una ópera española que permitiera aminorar la influencia italiana, que ellos consideraban excesiva.
Durante el periodo Barroco, España y Portugal permanecieron aislados de influencias foráneas, de modo que surgieron y prosperaron tradiciones musicales particulares y locales. Las formas remiten con frecuencia a modelos precedentes, sobre todo a la imitación y a la variación renacentistas, que se utilizan de un modo bastante flexible. Sobrevive una gran cantidad de música sacra de la época en formas muy variadas: misas en latín con uno o más coros y contrapunto imitativo. Pero es el villancico la forma más popular de música sacra. Se trata de obras vocales cortas de textos sagrados en lengua vernácula, con acompañamiento instrumental o no, destinados a una celebración religiosa. Suelen ser estróficos – la misma música se repite en cada estrofa -, e incluyen elaborados estribillos.
Casi todos los compositores barrocos españoles compusieron villancicos, que se hallan depositados en los archivos catedralicios de Burgos, Salamanca, Segovia, Valladolid y Valencia.
Ojos, pues me desdeñáis, José Marín, Raquel Andueza soprano.
Las canciones profanas y teatrales del Barroco español, en concreto los Tonos Humanos y las Tonadas, se basan en textos de los mejores poetas de la época. Gran parte de las partituras de estas canciones, se perdieron en el incendio, de 1734, acaecido en el Alcázar de Madrid. Muchas de esas canciones se habían escrito para acompañar obras musicales estrenadas en la corte de Madrid. El arpa, el laúd y la guitarra eran los instrumentos de acompañamiento más usuales.
Resultaba prácticamente imposible imaginarse un teatro lírico de características nacionales. No obstante, como se sentía la necesidad de crear algo que fuera, al menos, un sucedáneo de lo que se echaba en falta, los valores propios buscaron refugio en un género menor que surgió para alcanzar, en breve tiempo, una extraordinaria difusión: La Tonadilla escénica.
La Tonadilla:
Pieza escénica de corta duración que alterna la música, el canto y el baile, de pura raigambre española, nacida del pueblo como viva y eficaz protesta contra las costumbres y los gustos extranjeros dominantes en la época, que admitía toda clase de asuntos y, que antes de italianizar su estilo, triunfaba porque, sobre todo, había logrado recoger el aire de la calle, incorporando a la escena personajes y elementos populares con los que la sociedad de la época se identificaba. La Tonadilla no era otra cosa que un simple coro a cuatro voces llamado un siglo antes “Cuatros de empezar”, conocidos también como “Tonos humanos”- para diferenciarlos de los Tonos Divinos que se cantaban en la iglesia - con los que daba comienzo la representación de la comedia. Estos Tonos eran cantados por cuatro mujeres ataviadas con trajes señoriles, e iban acompañados de instrumentación musical compuesta por cuatro violines, dos trompas, dos oboes y un contrabajo. La tonadilla escénica se difundió por toda la península y contribuyó a la formación de un lenguaje musical español que más tarde hallaría un campo más amplio en el desarrollo de un género genuinamente español: La Zarzuela.
La Zarzuela:
Obra escénica entre el drama y la ópera que en la parte declamada alterna con el canto, constituyendo un género teatro-musical semejante al francés “ópera comique”, al italiano “opereta”, al “musical play” inglés y al “singspiel” alemán, aunque conservando, a través de su evolución, el sello propio y fisonomía del elemento tradicional literario y musical que le caracteriza. El abolengo de este género no puede ser más antiguo e ilustre, pues nuestro teatro lírico tiene sus orígenes en las Églogas de Juan de la Encina (1468-1529), en las Farsas de Lucas Fernández (1474-1542), y en los Autos del dramaturgo portugués Gil Vicente (1465-1537).
El nacimiento de la zarzuela puede asignarse con exactitud a 1629, fecha en la que, por primera vez, en el Real Sitio de la Zarzuela, se representó ante los reyes la égloga pastoril La selva sin amor, texto de Lope de Vega y música del boloñés Filippo Piccini, considerada como la primera zarzuela, que no ópera, dándose desde entonces el nombre de Fiestas de la Zarzuela, a los eventos que allí se celebraban, y por ende al género de la nueva composición musical: Zarzuela.
Todo induce a creer que es la zarzuela el espectáculo lírico predilecto por los españoles del siglo XVII, y que zarzuelas fueron, y no óperas, aquellas producciones que los eruditos consideraban óperas.
Algunos de los representantes más significativos de la Zarzuela son:
Manuel Bretón de los Herreros (1796-1863)
En colaboración con Basilio Basili, músico italiano emprendió con denuedo la lucha contra la influencia musical italiana y, en 1839, con el estreno de El novio y el concierto, renace la zarzuela. Esta obra, en la que predominaban aires españoles también dejaba ver la influencia italiana, obtuvo un gran éxito y, con ella, la zarzuela entró en su mejor época.
La tempestad; El milagro de la Virgen; Mujer y reina; La revoltosa; Las hijas del Zebedeo; El tambor de granaderos; El “puñao” de rosas;La patria chica; La venta de Don Quijote; El barquillero…
Amadeo Vives (1871-1932)
Don Lucas del Cigarral; Bohemios; Doña Francisquita; La gatita blanca; El arte de ser bonita; La generala; La villana; Talismán; El señor Pandolfo; Los flamencos; El duquesito o la corte de Versalles…
Federico Moreno Torroba (1891-1982)
Luisa Fernanda; La Marchenera; La ilustre moza; Los laureles; Polonesa; La niña del polisón; La Caramba y María Manuela…
Jacinto Guerrero (1895-1951)
La rosa del azafrán; La alsaciana; Los gavilanes; El huésped del sevillano;Las mujeres de Lacuesta; El país de los tontos; La orgía dorada; El ama; Don Quintín el Amargao; La sombra del Pilar; Las alondras, Martierra…
Pablo Sorozabal (1897-1988)
La del manojo de rosas; La tabernera del puerto; Katiuska; Los burladores; La guitarra de Fígaro; Black, el Payaso; Adiós a la bohemia; Don Manolito y la eterna canción; La isla de las perlas; Entre Sevilla y Triana y Brindis.
Para orquesta:
Capricho español; Mendian y Txistulariak; Suite vasca; Variaciones sobre un canto popular y La casa de las tres muchachas.
La música de los siglos XIX y XX en la historiografía musical española, que ninguna persona persona interesada por cultura musical debería ignorar.
Fuente: Música española siglos XIX y XX La música en España (comp.) Justo Fernández López www.hispanoteca.eu
Nació en Salamanca, en una familia de origen humilde, hijo de Antonio Bretón Hernández, panadero, y de Andrea Hernández Rodríguez. Quedó huérfano de padre a los tres años y comenzó sus estudios musicales en la Escuela de Nobles y Bellas Artes de San Eloy. Estudió con Ángel Piñuela solfeo y violín. Pronto comenzó a tocar en cafés, bailes e iglesias y también en el Teatro del Hospital de la calle de la Alegría, a cuya orquesta se incorporó con sólo doce años, acompañando en las zarzuelas y óperas y en dos años llegó a ser concertino.
En 1865, el director del Teatro Variedades, en una función en Salamanca, conoció a Bretón y reconociendo su enorme talento aconsejó a su familia que se trasladaran a Madrid, para que su hijo estudiara en el conservatorio de la ciudad. Ese mismo año se mudó Tomás a Madrid, junto con su madre y su hermano, y entró a formar parte de la orquesta del Teatro Variedades, mientras proseguía los estudios de música.
El mayor interés de Bretón era la creación de una ópera nacional española, pero la ruptura de Chapí con los empresarios del Teatro Apolo a principios de 1894 le hizo acercarse al “género chico”, que en su día había criticado muy duramente. La obra nacida de este encargo del Apolo, sobre libreto de Ventura de la Vega, fue La verbena de la Paloma, y así, una obra compuesta en unos pocos días y sin darle mayor importancia se convirtió en el mayor éxito de Bretón. Desde su estreno, el 17 de febrero de 1894, este sainete se ha representado sin interrupción por toda España y América Hispana. Uno de los méritos de esta obra se encuentra en que hay una gran diversidad de estilos, desde el más cercano a la ópera hasta músicas nacionales, pasando también por números cómicos o danzas populares urbanas.
Esta obra es prácticamente un paréntesis entre los estrenos de Bretón; sólo unos días después de haberse presentado La verbena, la Sociedad de Conciertos, dirigida por el propio compositor, presentaba sus Escenas andaluzas, donde profundizaba en el estilo andalucista sinfónico de corte pintoresquista.
En el terreno de la zarzuela, el acierto de la Verbena de la Paloma, no ha sido superado por ninguna otra.
Soleá "En Chiclana me crie" de "La Verbena de la Paloma"
Es suficientemente conocido que en la más popular de las obras del llamado "género chico" -la zarzuela de un único acto-, es decir, "La verbena de La Paloma", suena una nostálgica soleá: "¡Ay! En Chiclana me crié,/ que me busquen en Chiclana/ si me llegara a perder". Es la primera estrofa que entona en el café de Melilla, en pleno corazón del Madrid castizo -el barrio de La Latina-, una cantaora anónima mientras que las hermanas Casta y Susana tratan de convencer a su barbiana tía Antonia, con la que viven, de que no vaya a la verbena.
También en la música sinfónica, en un momento en el que el sinfonismo español era inexistente, ayudo a Barbieri y creó varias composiciones sinfónicas de un pintoresco nacionalismo que no llega a la altura de Albéniz pero que, en algunas obras como el Concierto para violín y orquesta, se acerca al sinfonismo europeo de su época. En la música de cámara destaca la calidad de su Cuarteto de cuerda nº3, que debería ser de obligado repertorio, al menos, en España.
String Quartet No. 3 in E minor. 1909.
Pero su principal atención seguía centrada en la creación de un repertorio operístico nacional, y ahora el tema elegido fue La Dolores. Él mismo escribió el libreto, basado en un drama rural de Feliú y Codina.
Esta obra, a diferencia de las anteriores de corte romántico, está cargada de un tono realista, cercano al verismo de sus contemporáneos. La Dolores se estrenó en el Teatro de la Zarzuela el 16 de marzo de 1895, ya que el propio compositor renunció a estrenarla en el Teatro Real para evitar los problemas de las dos obras anteriores. Tuvo un gran éxito, se representó en este teatro durante más de dos meses y ese mismo verano fue al Teatro Tívoli de Barcelona, donde se ofreció durante ciento doce funciones. La misma compañía viajó a América e incluso se realizó una traducción al italiano que se estrenó en Río de Janeiro y en Milán. También se hicieron versiones alemana e inglesa. El éxito fue tal que finalmente se representó en los teatros de gran repertorio, primero el Teatro Real de Madrid, en 1915, y después en el Liceo de Barcelona en 1916. En 1923, poco antes de la muerte del compositor, volvió al Teatro Real con un cartel en el que aparecían las grandes figuras del momento en la lírica internacional, Hipólito Lázaro, Miguel Fleta y Ofelia Nieto
Texto original de E. GONZÁLEZ DEL CASTILLO y MANUEL M. ALONSO
Música de PABLO SOROZÁBAL
Estrenada el 27 de enero de 1931 en el Teatro Victoria de Barcelona
La acción transcurre en Ucrania
ARGUMENTO
Interior de una posada. Es el momento de la expatriación de los ucranianos. En la posada, las mujeres rezan. Boni, el joven posadero, su tía Tatiana y su novia Olga se lamentan de que el Soviet haya incendiado el palacio del joven príncipe Sergio, que suponen muerto. Llega el comisario del Soviet de Kiev para incautar las tierras y resulta ser Pedro, que ante el asombro de todos dice ser el comisario que viene para prender al príncipe Sergio, milagrosamente salvado y huido. Los campesinos le desprecian porque ven en él un enemigo, pero les dice que cumple una misión y les promete volver.
De pronto llega el príncipe Sergio y los campesinos lo vitorean. Viene con Katiuska, que viste el traje de aldeana que utilizó para salvarse. Quieren socorrer al príncipe y éste les advierte del peligro que corren pues han puesto precio a su cabeza. Pide que socorran a Katiuska, a quien encontró en la confusión de la huida. Ella le dice haber perdido su familia y sus bienes.
El príncipe al marchar entrega monedas de oro al posadero para que cuiden a la joven. Llegan los soldados del ejército rojo e intentan acercarse a la atemorizada Katiuska. Aparece Pedro, defiende a la joven y ella le dice que ignora quién es, si bien recuerda que su abuela le decía que era diferente.
Llegan los campesinos dispuestos a linchar a Pedro Stakoff pero Katiuska lo protege escondiéndole en su habitación.
El segundo acto transcurre en la misma posada. Los campesinos suponen que Pedro pudo escapar pero quizá herido. Llega un vagabundo viejo y mal vestido con un acordeón. Pide asilo y le dejan dormir al lado de la lumbre.
Katiuska creyéndose sola entona una canción que el mendigo dice conocer y le pregunta donde la aprendió, al describir ella algunos detalles del lugar y de las costumbres donde vivió, el viejo le ayuda a recordar dándole datos concretos que demuestran el conocimiento exacto de la familia de Katiuska.
Más tarde, aparecen los soldados mandados por Pedro. Traen prisionero a Sergio. A preguntas de Katiuska, el comisario responde que cumple con su deber. Pedro supone que Katiuska le odia por haber prendido a su salvador de quien la cree enamorada. Katiuska le revela que es a él a quien quiere. Entran los soldados rojos que traen prisionero al conde Iván que dice que él es sólo un músico vagabundo, pero el príncipe Sergio al saludarle le descubre sin querer. Katiuska le reconoce entonces como el amigo más fiel del Zar y el viejo le dice que ella es Katiuska Ivanov, hija de la soberana rusa. El asombro es general. Pedro les tiende un salvoconducto para que todos puedan pasar la frontera, incluida Katiuska. La princesa sin embargo no quiere abandonar a Pedro.
El comisario del pueblo deja partir a los prisioneros menos al príncipe y a Katiuska le da la opción de abandonar Rusia o vivir en ella como una mujer del pueblo. La decisión es quedarse con Pedro.
Estudió piano, armonía, música de cámara, composición, órgano y violoncelo. Pero se dedicó al canto después de pasar por el aula de Lola Rodríguez Aragón.
Nunca renunció a su estilo madrileño de la vida. Nació en la calle San Isidro de Madrid, como no podía ser de otra manera.
Por deseo de la artista no habrá velatorio ni entierro público. Nuestro homenaje será recordarla en toda su plenitud y seguir disfrutando de ella a través de sus interpretaciones para recordarla siempre”.
Deja un inmenso vacío que llena la historia de la ópera. De pocas personas se podía aprender tanto lo que es saber mantener alta la dignidad de su arte.
El blog “Desde mi rincón del arte” la quiere recordar con esta:
Canción española «De España vengo», de la zarzuela El niño judío (1918), música de Pablo Luna y libreto de Antonio Paso y Enrique García Álvarez. Teresa Berganza, mezzosoprano.
De España vengo, soy española,
en mis ojos me traigo luz de su cielo
y en mi cuerpo la gracia de la Manola.
De España vengo, de España soy,
y mi cara serrana lo va diciendo,
y mi cara serrana lo va diciendo que
he nacido en España por donde voy...
Perdonen la brevedad de la noticia por la urgencia, peromerecía la pena.
Estrenada el 2 de octubre de 1931 en el Teatro Lope de Vega, de Valladolid.
Argumento
Es un romance andaluz sobre la época de la ocupación francesa, que se desarrolla en un pueblo de la provincia de Cádiz, esa ciudad blanca, con altos muros, donde el tiempo se detuvo: Vejer de la Frontera.
Alrededor de la figura de Juan León gira toda la trama del romance. Él y Blanca, la hermosa muchachita vejeriega, se sienten atraídos entre sí. La diferencia de edad hace posible que Juan León pudiera ser el padre de Blanca. Y algo por el estilo se murmura por el pueblo. El tío Latines es, entre todos, quien dice saber más sobre la vida de Juan León, cuya juventud fue un tanto azarosa.
Se dice también que la madre de Blanca pudo ser una dama principal de la Corte, que más tarde murió en accidente de carretera, en el que no estuvo ajeno Juan León, el famoso tartanero que ahora pone su valor y su tartana al servicio de las tropas españolas que luchan contra los franceses.
Currillo es el novio de Blanca, que siente celos de Juan León. No concibe que el cariño que el tartanero pueda sentir por Blanca sea distinto al suyo. Ha de ser el tiempo y la ocasión quienes demuestren a Currillo toda la hombría de bien y la nobleza que se encierran en la persona de Juan León
El capitán don Luis de Aguilar, amigo de Juan León, se encapricha de Blanca. Ignorando lo que para el tartanero pueda significar la muchacha, pone en conocimiento de éste su proyecto de raptar a la joven. Para ello necesita la colaboración de Juan. El plan propuesto por el capitán es aceptado por el tartanero, que ve en el mismo la manera de salvar a Blanca de las malas intenciones del militar.
Currillo también ha sufrido las consecuencias al querer defender a su novia del acoso del capitán Aguilar, quien ha ordenado su encarcelamiento.
Ha llegado la noche designada para llevar a efecto los planes del capitán. Blanca está encerrada en casa del tío Latines en espera de que Juan León la recoja y la lleve en su tartana a reunirse con don Luis de Aguilar. Y el tartanero, fiel a su promesa hecha al amigo y a sus deseos de salvar a la joven, se hacer cargo de ella y se la lleva en su tartana a lugar seguro, lejos del alcance de quien intentaba llevar a efecto tan mala acción.
Por otra parte, el capitán don Luis de Aguilar espera impaciente en su habitación la llegada de su presa sin darse cuenta de que ha quedado prisiones a su vez del propio Juan León, que ha cerrado la habitación con llave.
Ha pasado el tiempo y la guerra sigue. Juan León y Luis de Aguilar no se han vuelto a ver. Blanca quedó a salvo y Currillo logró huir de su prisión. Ahora el muchacho vuelve a encontrase con Blanca, reprochándole algo de lo que ella no es culpable. Hablan los celos, como siempre, y Juan León lo sabe. Por eso logra, al fin, la libertad definitiva de Currillo, a cambio de la salvación, de manos de los franceses, de la mujer e hijos del capitán don Luis de Aguilar, efectuada por el mismo Juan León.
Al final todo vuelve a su cauce. Blanca sabe que Juan León es su padre. La alegría de la noticia en la joven es la gran alegría de Juan León.
Don Luis de Aguilar pide perdón a su amigo, el famoso tartanero, por el mal que por ignorancia pudo hacerle.
Blanca y Currillo ahora bendicen un nombre, que siempre ha sido venerado por todo el pueblo: Juan León. Él hombre generoso y valiente, leal y abnegado, que tuvo que entregar medio tiempo de su vida para lograr una felicidad…
