Gustav Klimt (1862–1918) fue uno de los grandes representantes del modernismo vienés y del simbolismo europeo. Nacido cerca de Viena, recibió una formación artística tradicional, pero pronto rompió con el academicismo para desarrollar un estilo personal basado en la ornamentación, el simbolismo, la sensualidad y la figura femenina.
En 1897 participó en la creación de la Secesión Vienesa, un movimiento que buscaba renovar el arte y alejarse de las normas académicas. La obra de Klimt provocó en ocasiones escándalo por su tratamiento del desnudo y de la sexualidad.
El período dorado
Su etapa más famosa fue el Período Dorado, entre 1905 y 1909. Klimt incorporó pan de oro a sus pinturas, inspirado especialmente por los mosaicos bizantinos que contempló en Rávena. El resultado fueron obras suntuosas, llenas de formas geométricas, motivos florales y superficies brillantes.
Entre sus obras más conocidas destacan Retrato de Adele Bloch-Bauer I, Dánae y, sobre todo, El beso: amor y erotismo.
Danae
Pintado entre 1907 y 1908, El beso representa a una pareja abrazada en un momento de profunda intimidad. El hombre besa a la mujer mientras ambos quedan envueltos en una gran superficie dorada.
Una de las características más llamativas es el contraste entre los patrones de las vestimentas: predominan las formas rectangulares en la figura masculina, mientras que en la femenina aparecen círculos, espirales y motivos más orgánicos.
Aunque los cuerpos están cubiertos, la obra transmite una intensa sensualidad. Klimt demuestra que el erotismo no depende necesariamente de mostrar la desnudez: también puede surgir del gesto, la cercanía, el abrazo y aquello que permanece oculto.
El fondo dorado, inspirado en el arte bizantino, hace que la pareja parezca encontrarse fuera del mundo cotidiano, en un espacio casi mágico e intemporal.
El Beso
Una obra universal
El beso reúne muchos de los elementos que caracterizan a Klimt: el oro, la decoración, el simbolismo, la belleza y el erotismo. La obra transforma un sencillo gesto de amor en una imagen cargada de emoción y misterio.
Pero la mayor fascinación la ejerce el tema central de Klimt: La belleza de la mujer. De carácter reservado, cultivó su obsesión por la mujer en todas sus facetas artísticas. Tuvo más de 14 hijos, reconocidos, de sus amantes que eran sus modelos, a las que pintaba desnudas, y de relación con damas de su entorno que retrataba. Nunca pinto a un hombre.
Klimt murió en Viena en 1918, pero su influencia continúa presente en el arte, el diseño y la cultura contemporánea. El beso, conservado en el Belvedere de Viena, se ha convertido en una de las imágenes más reconocibles de la historia del arte y en un símbolo universal del amor y la sensualidad.
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Gustav Klimt (1862-1918) fue un pintor que nació cerca de Viena, el segundo de siete hijos de un grabador y cincelador, un artesano meticuloso, pero pobre. Pero esas dos características familiares las conoció muy bien y las utilizo en sus creaciones. Su hermano Erns, más joven que él, se convertiría también en grabador y trabajaría ( hasta su muerte en 1892) a menudo con Gustav.
Con apenas 14 años de edad ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de Viena Durante siete años, aprendieron, junto a su hermano Ernst y con Franz Mats, las mas diversa técnicas, desde mosaico, hasta el fresco, pasando por la pintura. El trío era tan bueno que su profesor Laufberger le procesionaria encargos de decoración.
La Viena de Gustav Klimt( ( la Belle Epoque de fin de siglo) se enclava en una de las mas fascinantes épocas de la Historia del arte y de la cultura. En esta ciudad, con sus dos millones de habitantes era entonces la cuarta ciudad mas grande de Europa. Allí florecía la cultura como en ninguna otra parte. Nombres como Sigmund Freud, Otto Wagner, Gustav Mahler y Arnold Schoemberg dan testimonio de ello. La burguesía como clase social dominante ( temida por su afición a la pompa, sus suntuosos banquetes y su enfermiza adicción al placer ) actúa como catalizador en este florecimiento cultural.
Venus y cupido
En realidad este lienzo (sí, aunque tenga esa forma es un lienzo…!) se llama Quattrocento florentino porque Gustav Klimt quiso representar esa época fundamental de la historia en las enjutas de las escaleras principales del Museo de Historia del Arte de Viena. ¡Y qué mejor motivo para plasmar el Quattrocento que la diosa del amor acompañada del pequeño dios alado!
De este “laboratorio” brota también el arte de Klimt. Sus visiones de su mundo están preñadas de vida, y, al mismo tiempo , están siempre presente conscientes de la muerte. Se trata de un ensamblaje de tradición y modernidad, el compromiso de un mundo que caduca y uno que se anuncia. El espectador se siente cautivado por la voluptuosidad del dibujo, , el trazado caleidoscopico de los trabajos, la belleza del ornamento y el gusto por descifrar los secretos del cuadro. Cuando se ve un cuadro o trabajo suyo estas características están siempre presentes
Pero la mayor fascinación la ejerce el tema central de Klimt: La belleza de la mujer. De carácter reservado, cultivó su obsesión por la mujer en todas sus facetas artísticas. Tuvo mas de 14 hijos , reconocidos, de sus amantes que eran sus modelos , a las que pintaba desnudas , y de relación con damas de su entorno que retrataba. Nunca pintó a un hombre.
Sin embargo , El erotismo no disimulado de sus trabajos choca no pocas veces en la Viena decadente de una época marcada por la hipócrita represión victoriana , con el rechazo más enconado.El emperador Francisco José concede a Klimt la Cruz de Oro al Merito. Pero se deniega tres veces a concederle el nombramiento de profesor titular de la Academia . Klmt se siente ofendido. Se propone ser independiente de los grandes encargos del Gobierno y concentra su trabajo en retratos burgueses y paisajes . En estos retratos se las arregla para pintar, bajo la apariencia de respetabilidad, lo que le interesa casi exclusivamente : El erotismo enloquecedor de las mujeres y la presencia universal del Eros. Para conservar las apariencias viste a las mujeres que no puede pintar desnudas con opulentos atuendos que cubren su desnudez, y, sin embargo, llama la atención sobre esa desnudez, oculta a ojos vistas antes de cubrirlas . Ya no se reduce a la expresión de una sociedad decadente, sino que su estilo gráfico es apreciado hoy como precursor de la modernidad .
Danae
El periodo dorado es el que le dio mas fama a KLIMT. Klimt pintó El Beso (1908) durante su fase dorada. Durante esta época, también pintó varios retratos de mujeres vienesas de moda, como Adele Bloch-Bauer I (1907). Klimt trató las figuras humanas de estos cuadros como bidimensionales, y las rodeó de una decoración plana, de composición brillante y muy ornamental.
El retrato de Adele Bloch Bauer I, pintado por Gustav Klimt en 1907, es una obra maestra del período de la Secesión de Viena y una de las pinturas más famosas del mundo. El retrato muestra a Adele Bloch Bauer, una mujer austríaca de la alta sociedad, sentada en una silla con los brazos cruzados y con una mirada penetrante. La pintura está realizada con una técnica de pan de oro, que Klimt utilizó en muchas de sus obras, lo que le da un brillo dorado y una calidad única.
Klimt tardó tres años en completarlo y lo presentó en la Séptima Exposición de la Secesión de Viena en 1907. La pintura recibió críticas favorables y fue muy elogiada por su originalidad y su técnica. Pero lo más llamativo de la obra eran los detalles decorativos, inspirados en el arte bizantino y egipcio, que se pueden ver en los fondos y en la ropa de Adele.
En 1938, cuando los nazis tomaron el control de Austria, los Bloch Bauer huyeron del país y todas sus propiedades fueron confiscadas. Entre ellas se encontraba el retrato de Adele Bloch Bauer I, que fue adquirido por el Museo Austriaco de Arte Moderno. Después de la Segunda Guerra Mundial, los herederos de los Bloch Bauer intentaron recuperar la propiedad del cuadro, pero el gobierno austriaco se negó a devolverlo. La lucha legal duró décadas, hasta que en 2006, después de una larga batalla legal, la justicia finalmente decidió que el cuadro debía ser devuelto a la familia Bloch Bauer.
El retrato de Adele Bloch-Bauer I se encuentra actualmente en el Museo Neue Galerie en Nueva York, Estados Unidos. Fue adquirido por el museo en 2006 después de que la familia Bloch-Bauer llegara a un acuerdo con el gobierno austriaco para devolverles la obra a cambio de una compensación económica. Desde entonces, ha sido una de las principales atracciones del museo, y ha sido objeto de muchas exposiciones y eventos especiales.
Medicina
EL BESO
Es una amalgama de diferentes estilos artísticos. Este cuadro es sin duda uno de los más famosos y celebrados. No sólo es uno de los cuadros más venerados de Klimt, sino también un célebre ejemplo del movimiento Art Nouveau. No es de extrañar que El Beso siga siendo uno de los cuadros más queridos de todos los tiempos.
Los mosaicos de los bizantinos inspiraron a Klimt el uso extensivo de pan de oro en esta época.
El estilo bizantino también influyó en el uso por parte de Klimt de formas bidimensionales que hacen resaltar el oro. Se cree que la composición de esta obra está inspirada en las estampas japonesas. Esta influencia también es evidente en muchos de los primeros cuadros impresionistas.
El Beso
Klimt rara vez incluía figuras masculinas en sus composiciones, prefiriendo centrarse en el erotismo de la forma femenina. La inclusión de un hombre, a pesar de su rostro oculto, es una característica inusual en este cuadro.
Podemos ver una clara dualidad entre lo masculino y lo femenino en este cuadro. La composición de las dos figuras, con el hombre de pie por encima, capta la fuerza masculina dominante, a veces prepotente. Los bloques geométricos afilados y bastante pesados de la túnica del hombre se hacen eco de esta fuerza. La figura femenina, arrodillada y rendida, y su túnica fluida y más orgánica, suavizan la composición y destacan la dualidad.
La túnica del hombre está adornada con un patrón geométrico de rectángulos, intercalado con los suaves remolinos que aparecen en muchos de los cuadros de Klimt. De hecho, muchos de los patrones utilizados en «El Beso» son motivos que Klimt emplea en toda su obra. La increíble atención de Klimt a los detalles se pone de manifiesto en el uso de bloques rectangulares y anillos radiantes, así como de cuadrados concéntricos y espirales.
Los suaves círculos que giran y las líneas onduladas de la túnica de la mujer recuerdan al Árbol de la Vida de Klimt. Aunque los cuerpos desnudos de ambas figuras están ocultos por las túnicas, este cuadro está impregnado de una sensación de erotismo y sensualidad.
Pero la mayor fascinación la ejerce el tema central de Klimt: La belleza de la mujer. De carácter reservado, cultivó su obsesión por la mujer en todas sus facetas artísticas. Tuvo más de 14 hijos, reconocidos, de sus amantes que eran sus modelos, a las que pintaba desnudas, y de relación con damas de su entorno que retrataba. Nunca pinto a un hombre.
Gustav Klimt murió el 6 de febrero de 1918, a los 55 años, víctima de una apoplejía. Durante su vida fue controvertido: admirado por algunos como visionario, rechazado por otros como subversivo. Hoy es reconocido como una de las figuras más importantes del arte moderno europeo. Su influencia se extiende desde la pintura hasta el diseño gráfico, la moda y la cultura popular contemporánea. Sus obras son exhibidas en los museos más prestigiosos del mundo y continúan generando debates sobre la modernidad, la belleza y el significado en el arte.
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El poeta Francisco Basallote Muñoz (Vejer de la Frontera, 1941 - murió en Tomares, Sevilla, el 15 de julio 2015), tras toda una vida dedicada a la literatura.
Hoy quiero recordar al poeta-pintor y gran amigo por su hermosa y delicada carpeta, "Sendas del aire”, que tan generosamente me envió por correo, inmediatamente después de su publicación y con ella realice el vídeo que podrán visualizar en esta entrada.
Pulcramente editada, contiene una docena de acuarelas, precedidas de otros tantos haikus, un arte nada fácil, dada su extrema densidad expresiva, del que ofrece el poeta una cuidada muestra. Los haikus de Basallote son un canto a la sensibilidad.
Un haiku es una estrofa poética originaria de la literatura japonesa clásica que pretende expresar en sólo tres versos un sentimiento breve y sincero. El tradicional consta de 17 sílabas, dispuestas en tres versos de 5, 7 y 5 sílabas, sin rima y trata de conjugar el sentimiento poético y el artístico.
El haiku es concisión y síntesis, una de las composiciones más difíciles que existen, nacida según los maestros japoneses, en un momento de gracia. La esencia espiritual del haiku está conectada con la ambición del poeta de fundirse con la naturaleza, de vivirla intensamente. Su técnica es un arte difícil cuyo dominio ayuda a sacarle al lenguaje su máxima expresividad.
A veces, un poema, un libro, un cuadro o un arpegio son suficientes para alumbrar la sombra y devolver al tedio cotidiano el brillo y el temblor de lo primigenio.
El haiku debe describir el momento, pensad en la luminosidad de este:
Tras las espigas
la sierra y los pinares,
el azul del mar.
¿No os parece que el poeta se inspiró en la carretera que une Barbate y los Caños de Meca, cuando casi al final surge y se funde de repente el azul del mar?
Sendas del aire eterniza lo efímero y convierte lo eterno en momentáneo, porque así es la belleza, un destello, un chispazo, que nos permite vislumbrar cuánto de perdurable habita en cada ser. Y la mirada, un flash, sencillamente, que renace en la imagen de versos y acuarelas. Árboles, flores, ríos, muestran su plenitud o se adelgazan hacia su propia idea en nubes de color.
En el arriate
entre lo verde erguido,
rojo alhelí
En este vídeo que realicé, vamos a ver la fuerza que tienen las palabras, es algo misterioso, tanto que parecen obedecer a un orden interior desconocido. A veces surgen desde un profundo cráter como un manantial riquísimo, otras se niegan, huidizas hasta umbrías impenetrables…
Por esta razón concebí a los versos arrastrando a las imágenes como tiradas por una cuerda, otorgándole así el predominio a la palabra.
La banda sonora que lo acompaña se titula "Nocturno". Es una canción del dúo Secret Garden que ganó el Festival de la Canción de Eurovisión 1995 representando a Noruega.
Pulsen sobre la imagen para visualizar el vídeo.
Galardonado con el “Premio Internacional de Poesía Soledad Sonora” por su obra "La sombra de Euclides".
Tiene entre otros premios el Premio Internacional “Odón Betanzos”, el Premio “Antonio Machado”, el internacional “Juan Alcaide”, “Ciudad de Ronda” y el “Premio Hojas de Bohemia” etc. Su obra está recogida en algunas antologías, como la Colección de Soleares dirigida por A. L. Baena, Emilio Durán y F. Vélez Nieto, Sevilla, 2000, Los poetas cantan al olivo. Una Antología. Fundación Lara. Sevilla, 2006, Poesía viva de Andalucía. Universidad de Guadalajara. México. etc.
Los interesados en escuchar la conferencia pronunciada por el editor de esta entrada, pueden pulsar sobre la imagen en negro para visualizar el vídeo. Su duración es de 26 minutos, emotiva y reveladora del amor de un vejeriego por su pueblo.
Alberto Barea Tejada será el nuevo académico de Santa Cecilia.
Dentro de la Programación del XXV Ciclo de los Martes de la Academia 2026, este martes 18 de agosto tendrá lugar el acto de toma de posesión como académico de Alberto Barea Tejada, músico y director de orquesta, que será recibido por el académico Pedro Salvatierra Velázquez, pianista y profesor de Conservatorio.
El acto irá acompañado por 'La voce del tempo', grupo vocal e instrumental formado por los músicos Alberto Barea, Carmen Hidalgo y Álvaro Garrido, especializado en la recuperación y recreación de música histórica de los siglos XII al XVI, que interpretará 'Marco Polo: Un viaggio per il Trecento', concierto de música antigua y medieval.
El acceso al acto será libre hasta completar el aforo, y al término del acto se ofrecerá una copa de vino.
Alberto Barea Tejada es músico, compositor, director de coros y especialista en música antigua. Aunque nació en Ronda (Málaga), se trasladó a El Puerto de Santa María durante su infancia donde le une un fuerte vínculo formativo y profesional.
Inició sus estudios en la Academia de Bellas Artes Santa Cecilia y completó sus estudios superiores en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, obteniendo el título de Profesor Superior. Realizó también estudios de especialización en Dirección de Coro y Orquesta, Música Antigua e Ingeniería de sonido.
Profesor de Informática Musical en el Conservatorio Profesional de Música Francisco Guerrero, en Sevilla, es experto en repertorio medieval, renacentista y barroco, gregorianista e intérprete de instrumentos históricos como el organeto, el crumhorn, la espineta (çinfonia) y el clavicémbalo.
Ejerce como director de agrupaciones corales y lidera el grupo de música antigua Riches d’Amour y complementa su faceta artística con competencias técnicas en producción y grabación de audio.
Su faceta como compositor es ampliamente reconocida en el ámbito de la Semana Santa andaluza, donde cuenta con un extenso catálogo de marchas procesionales para banda de música.
Alberto Barea Tejada toma posesión como académico de Santa Cecilia en El Puerto
Será en una sesión solemne en el Castillo de San Marcos este martes a las 20:30 horas
Alberto Barea Tejada será el nuevo académico de Santa Cecilia.
Dentro de la Programación del XXV Ciclo de los Martes de la Academia 2026, este martes 18 de agosto tendrá lugar el acto de toma de posesión como académico de Alberto Barea Tejada, músico y director de orquesta, que será recibido por el académico Pedro Salvatierra Velázquez, pianista y profesor de Conservatorio.
El acto irá acompañado por 'La voce del tempo', grupo vocal e instrumental formado por los músicos Alberto Barea, Carmen Hidalgo y Álvaro Garrido, especializado en la recuperación y recreación de música histórica de los siglos XII al XVI, que interpretará 'Marco Polo: Un viaggio per il Trecento', concierto de música antigua y medieval.
El acceso al acto será libre hasta completar el aforo, y al término del acto se ofrecerá una copa de vino.
Alberto Barea Tejada es músico, compositor, director de coros y especialista en música antigua. Aunque nació en Ronda (Málaga), se trasladó a El Puerto de Santa María durante su infancia donde le une un fuerte vínculo formativo y profesional.
Inició sus estudios en la Academia de Bellas Artes Santa Cecilia y completó sus estudios superiores en el Conservatorio Superior de Música de Sevilla, obteniendo el título de Profesor Superior. Realizó también estudios de especialización en Dirección de Coro y Orquesta, Música Antigua e Ingeniería de sonido.
Profesor de Informática Musical en el Conservatorio Profesional de Música Francisco Guerrero, en Sevilla, es experto en repertorio medieval, renacentista y barroco, gregorianista e intérprete de instrumentos históricos como el organeto, el crumhorn, la espineta (çinfonia) y el clavicémbalo.
Ejerce como director de agrupaciones corales y lidera el grupo de música antigua Riches d’Amour y complementa su faceta artística con competencias técnicas en producción y grabación de audio.
Su faceta como compositor es ampliamente reconocida en el ámbito de la Semana Santa andaluza, donde cuenta con un extenso catálogo de marchas procesionales para banda de música.
Félix Rubén García Sarmiento nació el 18 de enero de 1867 en Metapa, Nicaragua, en una familia de escasos recursos, y desde niño destacó como poeta precoz, ganándose el apodo de "el poeta niño". A los 15 años viajó a El Salvador, acogido por el presidente Rafael Zaldívar, donde conoció al poeta salvadoreño Francisco Gavidia, gran conocedor de la poesía francesa, bajo cuya influencia intentó por primera vez adaptar el verso alejandrino francés a la métrica castellana.
En 1888 publicó en Valparaíso su poemario Azul, considerado el punto de partida del Modernismo hispanoamericano. En 1896 publicó en Buenos Aires Prosas profanas y otros poemas, y en 1905, ya en plena madurez, Cantos de vida y esperanza, su obra más reflexiva e introspectiva. Murió en León, Nicaragua, en 1916, dejando una huella decisiva en toda una generación de poetas en lengua española.
El verso alejandrino: origen y resurgimiento
El alejandrino es un verso de catorce sílabas, dividido en dos hemistiquios de siete separados por una cesura. Llegó al castellano en el siglo XIII de la mano de Gonzalo de Berceo, dentro del mester de clerecía, en la forma estrófica llamada cuaderna vía (cuatro alejandrinos monorrimos). A partir del siglo XV cayó en desuso casi total durante varios siglos.
Fue Rubén Darío quien, ya adulto y profundamente influido por la poesía francesa del siglo XIX (parnasianismo, simbolismo), rescató este verso olvidado y lo convirtió en uno de los grandes vehículos rítmicos del Modernismo, renovando su acentuación interna y dándole una musicalidad que el castellano apenas había explorado con esa intensidad. Gracias a Darío, el alejandrino volvió a la poesía en español y llegó, a través de su influencia directa, a poetas como Antonio Machado, Juan Ramón Jiménez y Federico García Lorca.
Ejemplo de verso alejandrino
Primer verso de "Sonatina" (Prosas profanas, 1896), con la cesura marcada tras la séptima sílaba:
La princesa está triste... / ¿Qué tendrá la princesa?
7 sílabas + 7 sílabas = 14 sílabas, con cesura tras "triste..."
El legado: tres poetas herederos del alejandrino dariano
Antonio Machado — "Retrato" (Campos de Castilla, 1912)
Mi infancia son recuerdos de un patio de Sevilla,
y un huerto claro donde madura el limonero;
Nueve cuartetos de alejandrinos con rima alterna, en los que Machado construye su propio autorretrato poético.
Federico García Lorca — "Sueño" (Libro de poemas, 1919)
Mi corazón reposa junto a la fuente fría.
(Llénala con tus hilos, araña del olvido.)
De su etapa juvenil, de clara influencia modernista y simbolista, antes de encontrar su voz propia en el Poema del cante jondo.
Juan Ramón Jiménez — alejandrino polirrítmico
En una barca de blancura de azucena
entre la lluvia y la arboleda los balcones...
Juan Ramón llevó el alejandrino hacia la experimentación rítmica, incluyendo variantes como el alejandrino ternario (trece sílabas en tres grupos de cuatro), heredando de Darío el metro pero renovándolo .
Finalizamos con un poema del Dr. Antonio Rguez. Zarallo
Mí mismo
Versión alejandrina (14 sílabas, cesura 7+7, rima ABAB)
Me consuela todavía mi antigua dejadez,
me abraza lo ya sabido, y no alcanzo lo cierto,
Por mí mismo ya dudo, en mi propia timidez,
mis pasos fatigados hoy cruzan un desierto.
Para mí ya no quiero tantas viejas prebendas,
que querer siempre menos también es descansar,
desde mí ya no cuido de mis viejas leyendas,
algo quedó en mí mismo sin saber despertar.
He quedado en mí mismo, del todo abandonado,
hablando un raro idioma que solo yo comprendo,
por eso ya conmigo yo mismo, ensimismado,
en mi silencio a solas cada día voy cayendo,
mas hoy yo quiero abrirme, aunque tanto ya me cueste,
dejar entrar en mí ya lo que antes no dejaba,
pues toda puerta, aunque esté cerrada, bien se preste,
Cómo homenaje, el blog “Desde mi rincón del arte” quiere participar, en el recuerdo del dolor y la pérdida que causó esta dantesca catástrofe para honrar así, a quienes en su día no pudieron ejercer ni siquiera el derecho a la protesta.
El 18 de agosto de 2026 se cumplen 79 años de la Explosión de Cádiz, en negrita, como hay que escribirlo; una fecha trágica e inconfundible que sigue presente en el recuerdo de todos los gaditanos y que nunca olvidaremos.
La noche en la que la explosión negligente de un polvorín de la Armada que, según las cifras oficiales, probablemente menores que las reales: mató a 152 personas, dejó más de 5,000 heridos, y en torno a 2,000 edificios dañados de los cuales 500 quedaron completamente destruidos, devastó media ciudad y tiñó el cielo de un intenso rojo infernal. Y como cuenta el historiador José Antonio Aparicio Florido: La inseguridad del almacenaje era tal que, en julio de 1943, el teniente coronel Manuel Bescós emitió un informe que ya advertía que “la carga podía explotar en cualquier momento” y que, cuando eso ocurriese, “provocaría una verdadera catástrofe nacional”. Cuatro años después, su peor vaticinio se hizo realidad, aunque su informe nunca llegó a usarse ni citarse en la posterior investigación de las causas del siniestro. El suceso no tardó en envolverse de un halo de misterio, alentado por el propio franquismo.
Epicentro de la explosión
No era lo que los gaditanos esperaban de esa noche del 18 de agosto de 1947. Más allá de las murallas de Puerta Tierra, en la que hoy es la zona nueva de la ciudad, la vida bullía. Unos disfrutaban al fresco de sus lujosas villas de verano, otros trabajaban en el turno nocturno de los astilleros y otro tanto se disponía a cenar en sus humildes casas de la barriada obrera de San Severiano.
Así quedó la Casa Cuna
Los niños de la cercana Casa Cuna dormían cuando, en lo que era el Almacén n.º 1 de la Base de Defensas Submarinas de Cádiz, 1.600 cargas armadas con el inestable explosivo trilita saltaron por los aires. Fue a las 21:45, sonaban las señales de Radio Nacional del parte cuando la ciudad se quedó a oscuras, tan solo iluminada por el inmenso hongo rojo que dibujó la explosión en el cielo.
Fue una noche terrible. Había cuerpos por todos sitios, gente llorando, buscando a sus familiares. Centenares de familias quedaron rotas para siempre en un suceso que pronto quedaría envuelto en el oscurantismo del régimen franquista.
Así quedaron las puertas de la Catedral en intramuros a pesar de las murallas
La potencia de la deflagración fue tal que dejó un cráter de dos metros de profundidad y fue audible desde Huelva o Sevilla y visible desde Ceuta. El centro histórico se salvó de la onda expansiva gracias a las murallas, pero la zona de extramuros resultó devastada con casi 2.000 edificios dañados. “Para hacernos una idea, las 200 toneladas que explotaron equivalen en 18 veces a la madre de todas las bombas, la GBU-43, que Estados Unidos lanzó sobre Afganistán en abril de 2017”.
Los archivos clasificados
La desclasificación de los archivos militares relacionados con la Explosión de Cádiz y su acceso libre para los investigadores es otro de los objetivos y reivindicaciones para este señalado aniversario. La investigación no ha acabado aún, continúa muy viva y existen algunas lagunas, pequeños vacíos de la historia que faltan por cubrir y que requiere una revisión exhaustiva de la documentación original. Sabemos quién la tiene, dónde se conserva, los números de los legajos y cajas; es justo que se nos abra la llave. Es el mayor ejercicio de transparencia que se nos podría ofrecer y que tanto tiempo llevamos reclamando sin éxito.
Conozcan la opinión del investigador D. José Antonio Aparicio Florido: AQUÍY AQUÍ.
Ya todo está prescrito, pero sería simbólico, un descanso, que la Armada reconociese lo ocurrido. Al fin y al cabo, la deuda moral no prescribe nunca y un simple gesto puede ser el comienzo de la ansiada reconciliación y la definitiva asunción de un desastre irreversible.
Minas submarinas que no llegaron a explotar, gracias a la intervención de Pascual Pery Junquera y un grupo de marineros
En 1986, la corporación municipal había nombrado hijos predilectos o adoptivos a los únicos héroes reconocidos: Pascual Pery Junquera y a un grupo de marineros; en 2011, y después de mucho insistir, a otro de los héroes olvidados: Antonio Ristori Fernández.
Mis recuerdos de aquel trágico día: la explosión ocurrió a las 21:45, yo tenía entonces nueve años y vivía con mis padres en Vejer de la Frontera, en esos días y según la tradición se celebran las fiestas en honor de la Patrona Ntra. Sra. de la Oliva y en mis juegos infantiles no me percaté de nada especial, pero sí mi padre que observó como todo el cielo se cubrió de un intenso rojo de fuego, momentos después escuchó un estruendo lejano; impresionado y estremecido llegó a casa para saber de nosotros, entonces éramos 7 hermanos.
Hasta el día siguiente no supimos de la terrible tragedia, mis padres, con familiares en Cádiz, querían desplazarse para donar sangre pero el transporte no era fácil lo que les imposibilitó cumplir sus deseos.
Quiero que conste este comentario de mi sobrina Carol Díaz-Arbolí Jiménez:
Estamos vivos gracias al tío de Carlos Pery (Pascual Pery Junquera) que desactivó las bombas jugándose la vida y, mi bisabuelo materno (el cirujano José Jiménez Lebrón) que estuvo atendiendo a los heridos mientras su mujer fallecía.
Rezamos todos los días por su alma.
Fuente: Los exhaustivos artículos y entrevistas del investigador gaditano, D. José Antonio Aparicio Florido.
Por la pérdida de sus libros primitivos, y de los libros de actas con anterioridad a 1892, no se sabe a ciencia exacta la fecha fundacional de la Hermandad de Ntra. Sra. De la Oliva, los primeros indicios se remontan al año de 1595, cuando D. Lorenzo Patiño, clérigo de la Iglesia Parroquial del Salvador, como Hermano Mayor de la Cofradía de Ntra. Sra. de la Oliva, de su pecunio particular, encargó la talla de una nueva imagen de Nuestra Señora De la Oliva al insigne escultor sevillano Martín Alonso de Mesa y Villavicienso, (Así consta en las escrituras de propiedad de fecha el 17 de Octubre de 1595).
Transcripción del Documento nº 2. A.P.N.S, Of, 16, Libro I, año 1596, Fol. 702r.
" Sepan quantos esta carta vieren como yo, Martín Alonso de Mesa escultor vezino de esta ciudad de Sevilla en la collaçion de la Magdalena, otorgo e conosco que me doy por contento e pagado de Francisco de Truxillo vezino de la villa de Veger, en nombre de Lorenço Patiño vecino de la dicha villa que esta ausente de quarenta ducados de a honse reales que me paga de su quenta de mayor suma que el dicho Lorenzo Patiño me a de pagar por la hechura de una ymagen de escultura de Nuestra Señora de la Oliba que para el estoy fasciendo conforme la escriptura de concierto que de ello ay que paso ante dicho De la Barrera Farfan escrivano publico de Sevilla a que me refiero, por quanto los dicho quarenta ducados los e reçebido de el dicho Francisco Truxillo en reales de contado de que me doy pñor contento e pagado a toda mi boluntad escritura de el reçcino e paga de ellos, renuncio la esesçion de los derechos de la pecunia de prueva de la paga como en ellas se contiene. Fecha la carta en Sevilla a dies e nueve dias del mes de Febrero año de mil e quinientos e nobenta de seis y el dicho otorgante lo firmo de su nombre a el qual yo el escrivano publico yususcripto doi fe que conosco. Diego de Vera e Domingo Fernandez escrivanos de Sevilla".
Texto conseguido por el historiador local, Rafael Vite Fernández. Gracias Rafael, por tus trabajos de investigación, tan valiosos para nuestro patrimonio. Te echamos de menos.
Escultura de bulto redondo, en madera de pino de Segura, policromada y estofada.
Estilo y época: Primer barroco sevillano/1596
Propiedad y titular de la Hermandad de Nuestra Señora de la Oliva en virtud de las escrituras. Su primitiva cofradía ya existía a finales del S. XV, antes de la imagen actual, con sede en la ermita de su advocación.
La Virgen con expresión dulce pero mayestáticamente porta sobre su brazo izquierdo al Niño, que transmite la responsabilidad de llevar sobre su brazo al Hijo de Dios, mientras con el brazo derecho sujeta un ramo de olivo, el símbolo más antiguo de la historia de la humanidad, que representa el emblema de la paz y de la vida. La túnica se recoge hacia el lado derecho con pliegues sencillos pero que consiguen el efecto de ensanchar la figura y acentuar la majestad. Propio de la estética manierista. La imagen deja caer su peso en la pierna izquierda en un gracioso contrapposto. Como obra de transición se mueve entre el idealismo del final del gótico y renacentista y el naturalismo del barroco. Los ojos de cristal que se le colocaron en el S. XIX contribuyen a un mayor realismo.
La imagen ha sido objeto de varias restauraciones.
La devoción popular de esta imagen en su santuario se remonta a la Edad Media, si bien las romerías se inician en el S. XVII.
Fue declarada Patrona de Vejer de la Frontera por León XIII en 1885.
Coronada Canónicamente, en 1996.
Este es el bien más preciado que tenemos, no solo los vejeriegos, sino en toda la comarca de la Janda, por el valor sentimental, espiritual, devocional y religioso que de generación en generación le hemos profesado a esta Santísima Virgen; también el orgullo por el valor histórico y artístico de esta bella imagen de la Virgen María que, en este año de celebraciones por el 425 aniversario de su talla y el 25 de su Coronación Canónica.
*Año Jubilar que el Papa de Roma concede a los católicos en ocasiones especiales. Es decir, se podrá ganar Indulgencia plenaria visitando el Santuario de la Virgen de la Oliva desde el 10 de agosto 2021 a 24 agosto 2022.
Fuentes:
Patrimonio Cultural de Vejer de la Frontera. Autor: Antonio Muñoz Rodríguez
La Madre es ese ser que ama a su hijo tal como es, aunque no sea como ella quisiera
León Tolstoi. Escritor ruso, 1828-1910
Nació el 17 de junio de 1909, en Chipiona, hija de José Arbolí Navarro y de Ana María Romaríz García. Tuvieron tres hijos, fue la más pequeña, siempre la llamaron "La chica". Murió el 27 de diciembre de 1979, en Cádiz.
Llegó a Vejer en 1923 con 14 años, su padre había sido destinado como secretario en propiedad del Ayuntamiento de Vejer de la Frontera.
Cuentan las crónicas sociales de aquella época que, la señorita Luisita Arbolí con sus 18 primaveras, tenía muchos admiradores, pero en contra de la voluntad de sus padres, se enamoró locamente de Pepito Díaz; las razones: sus ojos verdes y unas larguísimas pestañas negras que parecían pintadas, buen deportista, futbolista profesional y un buen pianista.
Con 22 años contrajo matrimonio con José Díaz Muñoz de 26 años, el 12 de enero de 1932 en Vejer. Tuvieron nueve hijos. En realidad fueron más, uno llamado Servando que murió con cinco meses y un aborto de mellizos. Después nombraron a otro Servando ya que por tradición en todas las familias Arbolí se repite este nombre.
Nunca podré, queridos padres, agradeceros el regalo de la vida. Gracias a ello he podido conocer a 4 hijos y 6 nietos maravillosos. ¡Merece la pena vivir!
Y hoy, me arrepiento, en lo más hondo de mi alma, de no haberte dicho más veces te quiero, de no abrazarte, de no besarte, de no ayudarte lo suficiente; de no haberte valorado, de no haberme dado cuenta de la entrega y del sacrificio extremo que hiciste por tus nueve hijos; de no contarte mis sueños, de no haberte preguntado por los tuyos, de tantas preguntas y ansiadas respuestas que se quedaron demoradas en el sendero de mi adolescencia y juventud. Y siento con intensidad y tristeza, no haber sido consciente de mi responsabilidad y que, mi más sentido y ardoroso último beso ya no pudieras percibirlo.
Hoy, llegado el momento en que ya no hace daño la vida que se pierde, sigo añorando tu dulzura y tus caricias, ya irremediablemente perdidas.
Su manera de querer y, sobre todo, de amar a su familia nos enseñó lo que de verdad importa. Ahora sus hijos estamos unidos por ella. Y a sus 31 nietos le quedan tantos momentos de cariño que les recordarán cuanto los quiso.
Su amor seguirá siendo nuestro refugio y nuestra fuerza. Y todo lo que nos dio seguirá uniéndonos, porque mientras permanezca en nuestros corazones, ella seguirá estando con nosotros.
Recuerdos los olores: El aroma de la alhucema automáticamente me transporta a la infancia, me recuerda tu ternura, cuando me bañabas y el rezo del “bendita sea tu pureza…”ese olor que lo impregnaba todo como no creo que exista otro igual.
También el olor del jazmín de la maceta del balcón del comedor de nuestra casa en Vejer, especialmente en las tardes de primavera y verano cuando permanecía abierto todo el día. El recuerdo del aroma que llenaba aquella mesa grande para nueve hermanos, la abuela Ana y una de sus hermanas, Tití, que nos visitaba con mucha frecuencia. Papá esperaba a las dos en punto para que todos estuviésemos sentados alrededor de la mesa, solo Servando era capaz de llegar tarde y después de la reprimenda su respuesta le arrancaba una sonrisa cómplice, Manolo, el Cid Campeador como le llamaban mis hermanas y, con el ánimo por las nubes por el título, bajaba todos los días al portal la basura en la oscuridad de la noche, a cambio pedía siempre para comer a mediodía patatas fritas con huevos. También en las peleas entre hermanos, sobre todo M.Carmen y Servando. M.Carmen tenía una frase mágica que utilizaba en casos extremos: "Servando como te pareces a Omar Sharif". Y se producía el milagro: "de verdad hermana". Discusión resuelta y vuelta a las risas...Desde aquel balcón vimos un día, asombrados, a Javier con ocho años, a lomos de un enorme elefante anunciando un circo que por aquellos días actuaban en el pueblo. ¡Cuántos recuerdos!
Mientras hice el servicio militar, llegaba los viernes por la tarde, en el "coche de la hora" a pasar el fin de semana en casa, cuanto más me acercaba al hogar, el olor del puchero que a diario hacía mamá, se acrecentaba y al subir la escalera lo inundaba todo.
Mis hermanas haciendo las tareas de la casa, -nunca aprendí a hacer una cama-. Las sacrificadas y heroínas jóvenes de entonces. Eran otros tiempos, felizmente hoy superados.
Uno de los miembros de la tertulia "Los Cántaros", Antonio Rodríguez Zarallo nos manda este poema, por su calidad lo publicamos.
Hilo de oro
Vuela la imagen en la mente
renace la luz cuando estás en cercanía
viven los recuerdos presentes
pienso ya en verte otro día.
Llenas mis espacios vacíos
con tu imagen y con tu sombra
siente tú misma mis anhelos..!
sabiendo que quien te nombra
muere de hambre y de celos.
Si bien el tiempo pasado
ya se llenó de ilusión,
luchemos por el devenir
qué es muy importante sentir
y vivir con el corazón .
Esta noche estarás más a mi lado
ese hilo de oro es más fuerte
me consolaré con mi suerte
qué nunca me has abandonado.
Besaré tus cálidos labios
te atare a mi con fuerte lazo
y en mis sueños ya de sabio
te estrecharé con dulce abrazo.
Comentario del autor.
Cuando dos almas se unen en una experiencia
inolvidable , pasado el tiempoy
separados le echa de menos y le manifiesta que un hilo de oro les une para
siempre. Pretende dormir soñando con ella y sus deseos...
Finalmente me pregunto ... De verdad en nuestra dilatada
existencia temporal no hemos tenido en algún momento esa experiencia
inolvidable con otra persona, excepcional,unidos ya para siemprepor un
fuerte hilo invisible que no rompe el tiempo,y que sabes que estará ahí si la necesitas por ese fuerte lazo? Te queda el recuerdoy recomponerlo en sueños perecederos...
Piensa desde tu juventud y seguro encuentras algo.
Compositor alemán, nace y muere en Múnich, (1895-1982). Comenzó a estudiar piano, órgano y violonchelo apenas tenía cinco años. Al acabar el bachiller estudió composición en la Academia de Música de Múnich, graduándose en 1914. Como el plan de estudios era muy conservador, se dedicó a explorar, por su cuenta, el repertorio musical contemporáneo que era lo que realmente le interesaba. Orff se sentía descontento con las clases de composición recibidas en la Academia por lo que, en 1920, reanudó sus estudios con el distinguido profesor Kaminski. En la búsqueda de un estilo musical propio, descubrió la música del Barroco temprano.
¿Qué es Cármina Burana?
Cármina Burana es una cantata que utiliza como texto algunos cantos medievales de los goliardos de los siglos XII y XIII, inspirada en las óperas de Monteverdi, con representación escénica opcional que el compositor alemán Carl Orff (1895-1982) escribió para dos coros, tres cantantes solistas (soprano, tenor y barítono) y orquesta sinfónica basado en 23 poemas sobre amor libre, naturaleza, placer, vino y engaño creados por monjes benedictinos del siglo XII que se fugaron de un convento de Beuern (Alemania) para desnudarse en público, frecuentar prostíbulos y robar comida.
Habla sobre cómo el destino de las personas está regido por los caprichos de la fortuna. Por lo tanto, ante un futuro tan impredecible, lo más inteligente es disfrutar mientras se pueda.
La obra se estrenó con éxito el 8 de junio 1937 en Fráncfort y conforma la parte inicial de Trioinfi, trilogía de cantatas escénicas que se completa con Catulli Cármina (1943) y Trionfo di Afrodite (1953). Destaca también su abundante y espléndida percusión.
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El nombre de la obra Cármina burana procede del latín cármĕn -inis: ‘canto, cántico o poema’ (no confundir con la palabra árabe carmén: ‘jardín’), y burana es el adjetivo gentilicio que indica la procedencia: ‘de Bura’ (el nombre latino del pueblo alemán de Benediktbeuern). El significado del nombre es, por tanto, ‘Canciones de Beuern’.
Aunque generalmente se encuentra escrito Carmina (sin tilde, como en el original latín) se pronuncia /kármina/. Para evitar que un hispanohablante pronuncie la palabra erróneamente (lo cual sucede con mucha frecuencia entre músicos y locutores), la RAE sugiere que a las palabras latinas se les coloque la tilde (en casos como este en que la ortografía latina no coincide con la española).
El códice recoge un total de 300 rimas, escritas en su mayoría en latín (aunque no con metro clásico), algunas partes en un dialecto del alto alemán medio, y del francés antiguo.
Fueron escritos hacia el año 1230, posiblemente en la abadía benedictina de Seckau o en el convento de Neustift, ambos en Austria.
Letra del poema "O fortuna"
Oh Fortuna,
como la Luna
variable de estado,
siempre creces
o decreces;
Vida detestable
ahora oprime
después alivia
como un juego,
a la pobreza
y al poder
derrites como al hielo.
Suerte monstruosa
y vacía,
tu rueda gira,
perverso,
la salud es vana
siempre se difumina,
sombrío
y velado
también a mí me mortificas;
ahora en el juego
llevo mi espalda desnuda
por tu villanía.
La Suerte en la salud
y en la virtud
está contra mí,
me empuja
y me lastra,
siempre esclavizado.
En esta hora,
sin tardanza,
toca las cuerdas vibrantes,
porque la Suerte
derriba al fuerte,
llorad todos conmigo.
Para los interesados en escuchar la obra completa, pulsen sobre la imagen
