El Enigma Eterno del 'Canon' de Pachelbel

Johann Pachelbel fue un destacado compositor, clavicembalista y organista alemán del periodo barroco. Se encuentra entre los más importantes músicos de la generación anterior a Johann Sebastian Bach, de cuyo padre fue amigo. Entre sus numerosas composiciones hay que mencionar su célebre Canon en re mayor, escrito para tres violines y bajo continuo, obra que ha sido objeto de numerosas grabaciones. Además de componer una gran cantidad de obras sacras y seculares, contribuyó al desarrollo del preludio de coral y fuga, lo que le granjeó un lugar entre los compositores más importantes de la era barroca.​ La música de Pachelbel gozó de mucha popularidad en su época, gracias a la cual obtuvo muchos alumnos y logró convertirse en un modelo para los compositores del sur y del centro de Alemania. 

La obra más conocida de Pachelbel, Canon en re mayor, fue el único canon que escribió —aunque, en realidad, el término es relativamente inexacto porque la pieza no es estrictamente un canon sino, más bien, una chaconne o una passacaille. Es un tema atemporal, impecable, escucharlo te llena el alma. 

Además de esta pieza, su obra más conocida, se incluyen entre sus composiciones la 𝘊𝘩𝘢𝘤𝘰𝘯𝘢 𝘦𝘯 𝘧𝘢 𝘮𝘦𝘯𝘰𝘳, la 𝘛𝘰𝘤𝘤𝘢𝘵𝘢 𝘦𝘯 𝘮𝘪 𝘮𝘦𝘯𝘰𝘳 𝘱𝘢𝘳𝘢 ó𝘳𝘨𝘢𝘯𝘰 y el 𝘏𝘦𝘹𝘢𝘤𝘩𝘰𝘳𝘥𝘶𝘮 𝘈𝘱𝘰𝘭𝘭𝘪𝘯𝘪𝘴, una serie de variaciones musicales.

Pachelbel · Canon en Re mayor · Pachelbel's Canon in D major

El Enigma Eterno del Canon de Pachelbel", encierra secretos y enigmas que han intrigado a músicos, historiadores y amantes del arte durante siglos.

¿Por qué esta obra, concebida en el siglo XVII, sigue resonando en la cultura contemporánea con un poder casi hipnótico? ¿Esconde su estructura armónica algún mensaje oculto? ¿Qué relación guarda con las creencias de su tiempo y con la espiritualidad que marcó la Europa barroca?

Descubra las teorías, las curiosidades históricas y los misterios que rodean a esta pieza inmortal en un programa que entrelaza música, historia y reflexión. Desde su conexión con la matemática divina hasta su influencia en la música moderna, Alberto Guzmán le guiará por los caminos menos transitados de esta obra que trasciende lo humano para rozar lo divino.

Prepárese para escuchar, aprender y, sobre todo, asombrarse. "El Enigma Eterno del Canon de Pachelbel" le espera con respuestas… y nuevas preguntas. 

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El Enigma Eterno del 'Canon' de Pachelbel - EDENEX - 

Fuente:"El Enigma Eterno del Canon de Pachelbel"

Wikepedia

Gonzalo Díaz-Arbolí

El coro de Aleluya de El Mesías HWV 56, de Georg Friedrich Haendel.

Durante el tiempo de Adviento, que es el primer periodo del año litúrgico cristiano, los creyentes tienen diversas costumbres y prácticas que giran en torno al nacimiento de Cristo. Una de ellas es escuchar el coro más insigne: el celebérrimo “Aleluya” de Händel, el cual hemos adoptado como un canto indisolublemente ligado a la Navidad.

El majestuoso coro marca la cumbre del drama coral, es la celebración de la soberanía suprema de Cristo sobre los reyes y señores terrenales y es, aparte de patrimonio de la humanidad, la obra navideña por excelencia.

Se trata de una obra eminentemente sacra, que narra el nacimiento, pasión, muerte y resurrección de Jesús, utilizando textos del Antiguo y Nuevo Testamento, capturando la profundidad de la narrativa bíblica a través de la música, en un estilo que combinaba el Barroco con la expresión emotiva del período clásico.

Pertenece a su oratorio El Mesías -Un oratorio es una sucesión de arias, coros y recitativos escrita para cantantes solistas, coro y orquesta-.

Según la tradición hebrea y cristiana, la palabra aleluya del coro de la canción remite a un canto o señal de júbilo. En las primeras estrofas de la canción se alude al rey David y, la simbología judeocristiana habla de la felicidad y el dolor que provoca el amor.

La mayor parte de los textos pertenecen al antiguo testamento. Haendel concibió el oratorio en tres partes, como los actos de una ópera barroca. La primera parte cubre la anunciación del nacimiento y la llegada de Cristo realizada por varios profetas, donde, tras una sinfonía musical, el tenor canta una pieza fundamental que expresa las buenas nuevas del futuro nacimiento del Mesías. Después comienza la segunda parte, que refleja los sufrimientos que pasó Jesús antes de su pasión y su muerte y, tras varias piezas, el segundo acto termina con el “Aleluya” que proclama la resurrección de Jesús. La tercera parte, la más breve de todas, celebra la redención y la promesa de la vida eterna, que concluye con un extenso “Amén”.

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Con la salud quebrantada, Haendel estaba a punto de dejar Inglaterra cuando el gobernador de Irlanda lo invitó a dar una serie de conciertos en Dublín. Mientras planeaba su viaje, escribió un nuevo oratorio: El Mesías, en sólo 23 días, a veces sin dormir ni comer. Esta rapidez en la composición era normal en su dinámica de trabajo. 

Cuando terminó el coro de Aleluya, dijo a su asistente: "Creo que he visto el cielo delante de mí, y también a Dios." El estreno de este oratorio, que se llevó a cabo el 13 de abril de 1742 en Dublín, estuvo dedicado a obras de caridad y tuvo un éxito rotundo. Fue representado en el Covent Garden de Londres y dirigido por Haendel todos los años en la época de Pascua hasta el día de su muerte. 

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El vídeo es una representación del Mesías completo en la Ópera de Sidney.

George Friederic Handel ,(Halle, Brandeburgo-Prusia; 23 de febrero de 1685 - Londres; 14 de abril de 1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado británico, considerado una de las figuras cumbre de la historia de la música, especialmente la barroca, y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal.​ En la historia de la música, es el primer compositor moderno​ en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.

Su legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 42 óperas, 24 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.

Es esencial tener en cuenta el contexto histórico en el que Händel creó esta obra para comprender con exactitud la magnitud de la misma. El siglo XVIII fue una época de efervescencia cultural en Europa y la música desempeñaba un papel fundamental en la vida de la sociedad.  

Está considerado uno de los compositores de música clásica más oídos hoy en día y el Mesías, una de las obras más famosas y difundidas de la música clásica.

Gonzalo Díaz-Arbolí

Madrigal el cielo, la tierra y el viento de Claudio Monteverdi.

Claudio Giovanni Antonio Monteverdi

Breve datos biográficos:

Claudio Monteverdi (Cremona, actual Italia, 1567 - Venecia, 1643) Compositor italiano. La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre la estética renacentista y la nueva expresividad barroca es la del cremonés Monteverdi. Educado en la tradición polifónica de Tomás Luis de Victoria, Orlando di Lasso y Palestrina, este músico supo hacer realidad la nueva y revolucionaria concepción del arte musical surgida de las teorías de la Camerata Fiorentina, que, entre otras cosas, supuso el nacimiento de la ópera

Hijo de un médico de Cremona, Claudio Monteverdi se dio a conocer en fecha bastante temprana como compositor: publicó su primera colección de motetes en Venecia cuando sólo contaba quince años. Su maestría en el arte de tañer la viola le valió entrar en 1592 al servicio del duque Vincenzo Gonzaga de Mantua, a la sazón una de las cortes más prósperas de Italia.

La música de Claudio Monteverdi es un exponente de un proceso de asimilación de la tradición musical de su momento y de adaptación de la misma al nuevo estilo musical surgido principalmente en Florencia. No es, por tanto, una ruptura incondicional, si no que recoge lo mejor de la tradición, aquello que sirve a sus propósitos y lo adapta a sus necesidades.    

Su máxima  es que la música debe ser gobernada por la palabra y no al revés. Bajo esta premisa, es fácil justificar el uso de las disonancias de un modo mucho más libre que lo establecido por la tradición, ya que estas disonancias se usan para potenciar el significado del texto, añadiendo las tensiones adecuadas para representar las pasiones descritas por el texto.

Además, Monteverdi se considera el inventor del stilo concitato, el uso de notas cortas repetidas con el mismo tono (generalmente interpretadas por los instrumentos de cuerda) para expresar ira o la emoción de la guerra).

A medida que pasen los años, la música de Monteverdi irá evolucionando en esta línea, como es fácilmente observable en sus libros de madrigales: el madrigal tiende a la monodia, y aparece el bajo continuo (acompañamiento musical formado por la parte del bajo, la armonía del cual se construye improvisando).

Hor ch'el ciel e la terra (A la hora en la que el cielo y la tierra) es un madrigal del octavo libro de madrigales de Claudio Monteverdi, basado en un célebre soneto de Francesco Petrarca.

Está dividido en dos partes, la primera correspondiente a los dos cuartetos del soneto de Petrarca, y la segunda a los dos tercetos. Cada parte está a su vez subdividida en tres secciones.

La estructura tripartita de la primera parte se ajusta a las tres pasiones principales y su corolario musical según describe el mismo Monteverdi en el Prefacio del libro octavo: el estilo la 'Molle' (estilo calmo o tranquilo), el 'Temperato' (estilo temperamental) y el 'Concitato' (estilo agitado o belicoso).

Las primeras dos frases son cantadas al unísono sobre un único acorde grave y oscuro en la menor, produciendo un efecto majestuoso y misterioso que subraya la tensión y anticipación. Este efecto se mantiene en los dos versos siguientes, donde la armonía cambia por primera vez a mi mayor, concluyendo en una cadencia en la mayor. En la parte siguiente, las largas y lánguidas frases de la poesía se reemplazan por palabras de dos sílabas (en italiano) con staccato, sobre dos acordes y un silencio. Estos elementos musicales contrastan con los del comienzo, y subrayan la antítesis que expresa el texto, entre la calma y la serenidad inicial, y la angustia de esta segunda parte (pienso, sufro, lloro, …). Finalmente, aparece el estilo agitado, con repeticiones de veloces ritmos sobre la palabra guerra..

La Segunda Parte es más sentimental y dramática, y termina en forma apacible luego de un solo de tenor respondido en imitación por el coro.

Letra: A la hora en la que el cielo y la tierra

Ahora que cielo y tierra y viento calla,

y en sueño, fiera o ave alguna suena,

la Noche que su carro salga ordena,

y en su lecho sin onda el mar se halla;

lloro y me abraso así; y quien me avasalla

veo ante mí para cebar mi pena;

guerra es mi estado, de ira y daño llena,

y calmo sólo en ella mi batalla.

Así, de sólo un mismo abrevadero,

cuanto es dulce y amargo bebo:

abre y restaña el mal la misma mano;

y, porque mi martirio no se acabe,

mil veces cada día nazco y muero,

tanto me estoy de mi salud lejano.

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Claudio Monteverdi, "Hor che 'l ciel e la terra" texto de Francesco Petrarca tomado de "Madrigali guerrieri et amorosi, libro VIII" Concerto Italiano, dir. Rinaldo Alessandrini. 

Fuente: el blog de Maac, Wikipedia, Biografías y vida on line, 

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Gonzalo Díaz Arbolí

Sebastián Durón Picazo. Brihuega (Guadalajara), 19.IV.1660 baut. – Cambo les Bains (Francia), 3.VIII.1716. Compositor y organista.

El blog "Desde mi rincón del arte" en su afan por reconocer y divulgar la música de los ignorados grandes músicos españoles publica hoy la obra del compositor: Sebastián Durón Picazo una de las figuras más sobresalientes de la música barroca española, especialmente por su contribución a la música escénica.

Biografía

Nacido en Brihuega (Guadalajara) pocos días antes del 19 de abril de 1660, fecha de su bautizo, sus padres fueron Sebastián Durón y Margarita Picazo. Poco conocida es la primera etapa de Sebastián Durón y no se sabe exactamente con qué maestro adquirió los primeros conocimientos musicales. Lo cierto es que la primera noticia de su actividad musical está localizada en Zaragoza en 1679, en calidad de ayudante de Andrés de Sola, organista del Santo Templo del Salvador, lo cual evidencia que desde un tiempo anterior habría permanecido en dicha ciudad estudiando con Andrés de Sola, aunque permanece la duda sobre si éste fue su primer maestro.

Poco tiempo permaneció Durón en Zaragoza, pues a comienzos de 1680 se trasladó a Sevilla para opositar al puesto de organista segundo de la catedral de Sevilla, oposición que tuvo lugar el 18 de marzo de 1680. El hecho de que Durón, con apenas veinte años, lograse tal cargo demuestra la sólida preparación musical que recibió de Andrés de Sola durante sus años zaragozanos. Durón permaneció en Sevilla durante cinco años y medio.

Su labor como organista segundo no se limitaba a sustituir al primero (ejercido por Francisco de Medina), como era usual en otras catedrales, sino que ambos se repartían el trabajo, dado el alto número de ceremonias que se celebraban en la catedral hispalense. Ejercía por entonces como maestro de la catedral Alonso Xuárez, con quien Durón perfeccionó sus conocimientos de composición. Una prueba de que ya por aquellos años había comenzado a componer viene dada por el hecho de que en diferentes archivos catedralicios españoles se encuentran obras que se remontan a sus años sevillanos.

Su postura a favor de los Austrias, una vez desatada la Guerra de Sucesión, determinó su exilio en 1706, año en que los partidarios del archiduque Carlos entraron en Madrid y lo proclamaron Rey en un acto, en el que participó la Real Capilla, dirigida por Durón.

De su extensa producción destaca ante todo la obra en latín, todas ellas dotadas con bajo continuo, predominando las obras a ocho voces en dos coros, dotación vocal típica en la música española de la época, en las que demuestra un gran dominio del contrapunto y del tratamiento policoral, dentro del más puro estilo barroco. La instrumentación se limita al continuo y violines, con el añadido en algunas obras de clarín, oboes y flautas.

CATEDRAL DE LA NATIVIDAD DE NUESTRA SEÑORA DE BAEZA

Sebastián Durón: Pelli meae a 8 con violines | Íliber Ensemble & Coro Tomás Luis de Victoria

Por lo que respecta a su producción teatral, cabe citar otras características, pues en este campo se siente Durón más libre y menos atado a los convencionalismos del pasado. De 1696 data la zarzuela Salir el amor del mundo, con libreto de José de Cañizares. Un año después se estrena la comedia en tres jornadas Muerte en amor es la ausencia, con texto de Antonio de Zamora. Le siguen la zarzuela Selva encantada de amor y la Ópera escénica deducida de la Guerra de los Gigantes, compuesta ésta última en honor del conde de Salvatierra y es la primera obra en la historia musical española con el título de ópera: sin duda se trata de su obra más ambiciosa y compleja.

AUDITORIO MANUEL DE FALLA, Granada

Sebastián Durón: La guerra de los gigantes - 26. Suenen, y al dulce hechizo | OBG & Íliber Ensemble

Las siguientes obras son la zarzuela Apolo y Dafne, cuyo libreto se debe a Juan de Benavides; la comedia El imposible mayor en amor, le vence amor, y la zarzuela Las nuevas armas de amor. De localización más reciente es el manuscrito de la zarzuela Veneno es de amor la envidia, estrenada el 22 de enero de 1711 en el teatro madrileño de la Cruz.

Grabación en directo, 12.06.22 I Festival de Teatro Clásico de Cáceres "Cristal apacible”, además de ser uno de los números principales de la zarzuela Apolo y Dafne, es conocida a través del “arreglo” conservado en el Manuscrito 2618 de la Biblioteca Nacional de España (Manuscrito Lera), el cual no posee la parte de bajo y omite la parte del coro.

En definitiva, la música de Sebastián Durón ocupa un lugar destacado en la historia de la música española y europea al figurar como uno de los compositores más representativos del barroco musical español de la segunda mitad del siglo XVII y comienzos del XVIII, que contribuye a renovar de manera decisiva el panorama del teatro musical en nuestro país.

 

Sebastián Durón falleció en Cambo les Bains, pequeño pueblo del sur de Francia, el 3 de agosto de 1716, tal como recogió el párroco de Cambo: “El año de mil setecientos dieciséis y el tercer día del mes de agosto, ha muerto hacia las nueve y media de la noche [...] el Sr. Maestro Sebastián Durón, de unos cincuenta y seis años de edad, sacerdote español de la villa de Brihuega, [...] después de haber confesado y recibido la extremaunción”.

Fuente: Resumen de su biografía de la Real Academia de la Historia

Gonzalo Díaz-Arbolí