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27.9.25

Amenábar se siente Cervantes: entre la libertad artística y la memoria histórica


Alejandro Fernando Amenábar Cantos (Santiago de Chile, 1972), uno de los grandes nombres del cine español, confesó que en cierto instante de su carrera llegó a sentirse, en carne propia, como “Cervantes”. A partir de esa intuición se abrió para él un camino de ocho años de pesquisa y desvelo, indagando en la vida del escritor. Todo comenzó con el germen de Cautivo: la voluntad de narrar el encierro y, en ese gesto, enfrentarse al mismo enigma que persiguió al autor del Quijote: cómo hablar de la libertad desde las cadenas, cómo explorar la identidad desde el territorio áspero de la represión.

Constantino López Sánchez-Tinajero, amante de las letras y miembro de la noble Sociedad Cervantina de Alcázar de San Juan, aguardaba con respetable paciencia la llegada de la tan anunciada película. Y he aquí que, al fin, tuvo ocasión de contemplarla. Mas, al abandonar la sala, pronunció con llaneza y verdad estas breves palabras: “Esperaba más”.

A su juicio, “la obra se muestra densa, de caminar lento, como si sus pasos apenas avanzasen en el polvo del camino”. Con estilo claro y pluma generosa, ha dejado constancia de su parecer en un extenso y brillante escrito que el curioso lector podrá ver en El Semanal de La Mancha: https://www.elsemanaldelamancha.com/articulo/opinion/cautivo-pelicula-que-esperaba-mas/20250925140957233664.html

Cervantes, que conoció las cadenas en Argel tras la batalla de Lepanto, convirtió la experiencia del cautivo en un espejo del alma humana y sus batallas invisibles. Amenábar, al imaginar Cautivo, halló un eco personal: para él, el encierro no era solo físico, sino también metáfora de la homosexualidad vivida en una sociedad que durante años le obligó a ocultarse.
Esa conexión íntima con la experiencia de sentirse “otro” frente a lo normativo lo llevó a reconocerse como heredero de la tradición cervantina: dar voz a quienes no la tienen y mostrar dignidad allí donde otros solo perciben silencio.
Uno de los aspectos más discutidos del filme es la hipótesis de la posible homosexualidad de Cervantes y su relación con Hasán Bajá. Amenábar admite que lo presenta no como certeza, sino como recurso dramático, un modo de iluminar su propia sensibilidad creadora y de enriquecer la narrativa.
No hay pruebas históricas concluyentes, aunque algunos críticos han señalado la ambigüedad de ciertos pasajes y la empatía cervantina hacia personajes marginados. Más que un hecho, se trata de una lectura cultural, un modo de conectar a Cervantes con la diversidad y la disidencia desde la mirada contemporánea.

Cervantes, CAUTIVO y la polémica sobre la película de Amenábar

Como advierte José Manuel Lucía Megías, catedrático de Filología Románica de la Universidad Complutense de Madrid y autor de La madurez de Cervantes. Una vida en la corte (2012); La plenitud de Cervantes (2013), El Quijote en imágenes (2021), Cervantes íntimo. Amor y sexo en los Siglos de Oro (2025): “Amenábar es un artista, no un historiador. Tiene derecho a plantear su visión del mundo a través de la ficción, pero no podemos presentar como certeza lo que no pasa de ser una conjetura”.
Esta advertencia señala un riesgo real: que el espectador medio —que no siempre distingue entre lo histórico y lo ficcional— termine tomando como verdad lo que es únicamente hipótesis.

El propio recorrido del director confirma esta búsqueda. En Tesis (1996) cuestionó la fascinación por la violencia; en Abre los ojos (1997) exploró el límite entre realidad y deseo; en Los otros (2001) convirtió el secreto en metáfora de la represión; en Mar adentro (2004) abordó la libertad frente a las normas impuestas; en Ágora (2009) mostró la urgencia de convivir en armonía; en Mientras dure la guerra (2019) retrató una España fracturada entre fe, razón y miedo. Su filmografía, aún breve en comparación con las cumbres de la literatura universal, revela una coherencia en su manera de interrogar lo íntimo y lo político.

Pero aquí es necesario poner las cosas en su sitio. Miguel de Cervantes, padre del Quijote, no es solo un autor: es el mayor escritor universal, el creador que inventó la novela moderna y cuyo genio literario ha trascendido todos los tiempos. Su legado es insuperable y no tiene parangón. Alejandro Amenábar, en cambio, es un director talentoso con una obra más reducida, capaz de plantear debates necesarios desde la pantalla, pero aún con un camino artístico por recorrer.
Y tal vez ahí esté el reto de futuro: que su próxima película no se quede solo en las sombras del cautiverio, ni en conjeturas biográficas, sino que celebre al Cervantes verdadero: al narrador prodigioso, al fabulador sin límites, al mejor escritor del mundo. Mostrar sus virtudes literarias —su imaginación inagotable, su capacidad de fabular y su genio narrativo— sería la mejor manera de rendirle homenaje.
Porque si algo sigue pendiente es esto: el cine aún le debe a Cervantes la gran película que lo muestre no como prisionero, ni como hipótesis, sino como lo que realmente fue y será siempre: el escritor más grande de todos los tiempos.

Publicado en "El semanal de la Mancha" 27-09-2025
Antonio Leal Jiménez
Académico de Santa Cecilia



Cervantes, CAUTIVO y la polémica sobre la película de Amenábar

La nueva película Cautivo de Alejandro Amenábar ha reavivado un debate inesperado: la supuesta homosexualidad de Miguel de Cervantes, autor de Don Quijote de la Mancha. En este vídeo analizamos los hechos históricos, las pruebas (o su ausencia) y la fascinante vida del genio que cambió la literatura para siempre: su infancia difícil, su paso por la batalla de Lepanto, su cautiverio en Argel y los amores que sí conocemos.  Historia, polémica y verdad en un solo vídeo. ¿Mito moderno o realidad oculta? Descúbrelo aquí. #Cervantes #Amenábar #Cautivo #Historia #Literatura #DonQuijote #Polémica #España #Misterio #Biografía

12.7.24

Una canción irlandesa. Balada celta : Wild Mountain Thyme (Tomillo de montaña salvaje)


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Conservo en mi ordenador una balada popular celta titulada: Wild Mountain Thyme (Tomillo de montaña salvaje), que por su belleza la había guardado, incluso había traducido la letra al español de la versión en inglés.

Oh, el verano está llegando
y los árboles están floreciendo,
y el tomillo salvaje de montaña crece alrededor del brezo floreciente,
¿Irás, niña, irás?
E iremos todos juntos
para derramar el tomillo de montaña salvaje.
Si mi verdadero amor no me aceptara
seguramente encontraré otro,
para derramar el tomillo de montaña salvaje.
Oh, el tiempo de verano se acerca
y los árboles están floreciendo dulcemente
y el tomillo salvaje de montaña crece alrededor del brezo floreciente

La melodía actual de "Wild Mountain Thyme" probablemente se basó en un aire tradicional escocés, como se encuentra en la Colección de melodías de las tierras altas e islas de Escocia del capitán Simon Fraser (1816). Otros eruditos sugieren que la canción está basada en una vieja melodía tradicional escocesa "The Three Carls". 
"Wild Mountain Thyme" fue adaptada y grabada por primera vez por el músico de Belfast, Francis McPeake, en 1957 para una serie de la BBC. Esta adaptación creó la confusión de su origen. Me atrevería a calificarla como Escocesa/Irlandesa.

Pero los hados estaban a mi favor: Hace unos días vi una película titulada: “Una canción irlandesa” y de nuevo escuché la balada, me entusiasmó y quiero compartirla con vosotros mis lectores que, con seguridad,  vais a disfrutar, sobre todo, de la música.

Sinopsis de la película: 
No hay palabras para describirla. Es singular, excéntrica y presenta una complicada historia de amor. Una historia sencilla, con hermosos paisajes irlandeses y sobre todo la canción, que da título a la película, interpretada magistralmente en una parte de la cinta.
En los bucólicos paisajes de la Irlanda rural, podemos disfrutar de los más bellos paisajes de la ruta costera del Atlántica, con sus campos de cultivo en todo su esplendor y el majestuoso verdor de un paisaje enclavado bajo las montañas Nephin del condado de Mayo, donde aún se habla la antigua lengua gaélica; es sin duda uno de los mejores lugares para experimentar las tradiciones y la cultura irlandesa que hace que los espectadores caigan rendidos ante el increíble espectáculo del oeste de Irlanda. Es otro mundo. Es un cuento de hadas. 

Narra la historia de una pareja de amantes cuyas familias rurales se ven envueltas en un conflicto por un terreno muy disputado que separa sus dos granjas.
La obstinada granjera Rosemary Muldoon siempre ha amado a su tímido y especial vecino Anthony Reilly, pero este permanece impasible ante su hermosa admiradora. Todo se complica cuando el padre de Anthony amenaza con vender la granja de la familia a su sobrino estadounidense, en lugar de a su propio hijo.

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En un giro inesperado de los acontecimientos hablan de su situación en los exuberantes campos irlandeses. Termina llamándola la flor más hermosa que jamás haya visto. Sin embargo, Anthony lamenta haber perdido el anillo de su madre, razón por la cual no merece casarse con ella. Pero Rosemary es terca y se niega a renunciar a Anthony sin luchar. Entonces le revela que encontró el anillo y que lo ha tenido desde entonces. Se lo da a él, pero le dice que se lo quede porque siempre estuvo destinado a ser suyo. Los dos amantes se besan y terminan casándose.
En el montaje final todos los personajes se ven cantando el tema principal con los protagonistas ya casados.

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Gonzalo Díaz-Arbolí

 

13.9.23

Las películas que odiaba la censura:Rojo y negro

 

En 1951 la censura se endureció con el nombramiento como ministro de Información y Turismo de Gabriel Arias Salgado. “Diga usted lo que quiera”, afirmó en un periódico italiano, “pero le voy a hacer una revelación: antes de que implantásemos estas nuevas normas de orientación el 90% de los españoles iba al infierno. Ahora, gracias a nosotros, solo se condena el 25%”.

Quizá Buñuel, Berlanga, Fernán-Gómez, Picazo, Miró, Saura, Bardem, Grau o De La Iglesia fuesen al infierno por inmorales, pero se merecían el cielo por la creatividad con la que sacaron adelante sus obras maestras. Con motivo de la restauración de la copia original de Rojo y negro, retirada por la dictadura, recordemos las anécdotas más esperpénticas e injustas de la censura y celebremos el ingenio de los cineastas para seguir haciendo gran cine a pesar de la falta de libertad.


¿Por qué Rojo y negro es una película maldita? Estrenada en 1942, duró tres semanas en cartel. El título hace referencia a los colores de la bandera de la Falange, que también son los de la CNT. En los albores de la guerra civil, una chica se alista en la Falange mientras que su novio se afilia a un partido de izquierdas. Rojo y negro acusa a la derecha burguesa de mirar para otro lado y, en una alegoría surrealista, muestra a un grupo de diputados y filósofos con los ojos vendados. El director de la película, el falangista Carlos Arévalo, evitó caer en heroísmos o caricaturas: su retrato salvaje, desesperanzado y nada patriótico de la contienda espantó a Franco. Rosa Añover, en su libro Censura y guerra civil en el cine español, especula con que todas las copias de Rojo y negro desaparecieron misteriosamente porque “el protagonista, miliciano del Frente Popular, es una persona normal, capaz de enamorarse y de tener arranques heroicos; admitir eso significaba reconocer que la guerra civil había sido una lucha entre personas y no una contienda entre Dios y el diablo”. Arturo Pérez-Reverte la considera una de sus películas favoritas. “Hija bastarda del cine franquista, modernísima para su tiempo y técnicamente osada en algunas escenas —esos planos de la checa de Fomento abierta como el 13 de la Rue del Percebe—. La mujer protagonista es una heroína atípica para el cine español de su tiempo, donde lo correcto eran las abnegadas madres y esposas”, admira el escritor.




15.10.22

"Nuovo Cinema Paradiso", una historia que rinde homenaje al amor y al propio cine.


Oscar de Holywood 1988, premio especial del jurado en Cannes y del festival de Berlín 1990 a la mejor película extranjera. Del realizador italiano Giuseppe Tornatore.

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...pero me dice el corazón que nos queda algo que vivir no sé cuando, nunca se pierde la esperanza, porque esta historia de amor y este abrazo no puede terminar en el olvido, hasta siempre estarás en mi mente y mi corazón. 

Es una película hecha para divertir y emocionar y se consigue sin olvidar que el cine es arte y en esta película se habla y se muestra destellos de espíritu artístico, es una de esas películas que te hacen reconciliarte con el cine, es una película que rezuma amor por el cine por los cuatro costados. Una relación de amor primero. Otra relación entre Madre e hijo lo suficientemente fuerte para que no sea necesario comentar las cosas para que ambos sepan lo que pasa por la mente de cada uno. Habla de la amistad, remitiéndonos a una historia casi paterno-filial entre Salvatore (Totó) y Alfredo, en esta relación el cariño es tan grande que uno de los personajes está dispuesto a renunciar al otro para que este pueda ser todo lo que potencialmente es capaz.

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Pero también habla de sentimientos y lo hace de una forma bella y positiva. La magia del primer amor, la relación entre Elena y Totó, del enamoramiento con mayúsculas, puro, sin ideas preconcebidas. Es una sensación que ningún adulto volverá a tener, una experiencia irrepetible, el momento en que el niño descubre lo que supone enamorarse, cuando el amor no es racional.

Era octubre...celebraba tu santo. Antes de la nueve de la mañana fui a la Iglesia, me senté en el banco que había al fondo del crucero del sagrario junto a la puerta del campanario y esperé a que llegaras. Terminada la misa me acerqué tímidamente y diciendo felicidades te entregué mi regalo. Con tus gracias, tu sonrisa, tus zapatos planos y tus 14 años, saliste corriendo para tu casa como si flotaras. ¡Que tiempos! fueron a veces tristes, pero siempre intensos y repletos de amor y ternura. “Los hermosos días perdidos de la adolescencia”.

La vida es ese rastro de recuerdos que deja
el estallido del amor primero,
cuyo resplandor se va acumulando en el alma.

Pasa el implacable tiempo que quisiera detenido,
más a pesar de la memoria culpable,
es imposible el olvido.

En el siguiente corte de la segunda versión, podrán ver la secuencia del reencuentro con los sueños de niñez y juventud, donde se confiesan sus íntimos sentimientos disimulados durante tanto tiempo, atravesados en la noche de los sueños, ningún destino adverso podrá arrebatarles esa dicha, los deleites donde se refugian en el encuentro de la reconciliación con su pasado.

Nos lo debía el destino.  ¡Tus manos tus manos! Mis manos que no supieron acariciar las tuyas, aquella suave insinuación, apenas fue un beso.
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Un día Salvatore recibe el aviso de que Alfredo ha muerto y que el Cinema Paradiso será derribado. Su maestro le ha legado algo muy especial, un carrete de película sin etiqueta y el viejo taburete que Totó utilizaba para operar el proyector. Cuando regresa a Roma, proyecta el carrete y descubre que contiene una película que empalma todos los besos que el sacerdote censuró, que nunca pudieron proyectar. La visiona en privado, un viaje a los secretos de la infancia y a los sueños de un niño imaginando lo que es el amor. Salvatore finalmente hace las paces con su pasado con lágrimas en los ojos.

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Cinema Paradiso 1988 Película completa español en Almería Plató de Cine y Teatro

En definitiva hablamos de la vida y de la lucha por vivir y de cómo las circunstancias no se deben interponer en la consecución de aquello que hemos sido capaces de imaginar para nosotros mismos, pero las circunstancias son tenaces y firmes...y la realidad vence.

La realidad, quizás gastada por el tiempo, las circunstancias, nos obliga a caminar por los senderos de las ausencias, del secreto y de la amistad, y así van pasando los año pero...Te he vuelto a ver y, otra vez he contemplado la imagen de la joven de 17 años.
En la despedida observé, que el oro de tus suaves brazos habían perdido el resplandor de aquellos lejanos tiempos y, lentamente, temeroso, mis manos se han acercado a acariciarlos con emocionada ternura..
Estarás conmigo hasta el final de mis días espero que poco a poco se irá apagando esta llama como mis días "Polvo seré , mas polvo enamorado. 
Cuando pienso que el destino nos había elegido para estar juntos…
Nuestras vidas han transcurridos paralelas: también lloré cuando adolescente te recordaba con el alma apretada, también esperando verte y, cuando coincidíamos, todo el amor se me venía de golpe. 

Gonzalo Díaz Arbolí
Escuchen la banda sonora, pulsar AQUÍ
La música confiere un cuerpo etéreo a la película, una especie de exquisito cendal que la envuelve y acrecienta su belleza.

8.4.22

Montoyas y Tarantos: En un pueblo de Andalucía, Vejer de la Frontera, viven dos jóvenes cuyas familias gitanas se odian.


Esta entrada que publicamos hoy en el blog “Desde mi rincón del arte”, pretende hacer, fácilmente inteligible, a aquellos que estén interesados en adentrarse en la comprensión de esta forma de expresión musical.
El flamenco es un arte andaluz que integra el baile, el cante y la música de guitarra. Conocido por su gran intensidad emocional, el flamenco se distingue por sus movimientos gráciles de brazos, feroces zapateos, profundos lamentos y rasgueos de guitarra.


Original de Andalucía, el flamenco es el resultado de un mestizaje cultural: gitano, árabe, cristiano y judío. Hoy en día el flamenco se aprecia y practica alrededor del mundo.
Incluso los japoneses han encontrado en el flamenco una manera de liberarse, de poder expresar sus sentimientos, es pura pasión y emoción. Es una nación que sabe apreciar la belleza del arte, y la atractiva estética del flamenco, la grandeza de este arte no se les ha escapado. 
La belleza de nuestro pueblo tampoco se les ha escapado a los cineastas que eligieron el rodaje de esta coreografía, en la Plaza de la Iglesia del Divino Salvador de Vejer de la Frontera. 
El 16 de Noviembre de 2010 el flamenco era incluido como Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad por la UNESCO.

Montoyas y Tarantos
En 1989 Vicente Escrivá dirigió una nueva versión de la obra Los Tarantos, titulada esta vez Montoyas y Tarantos, con la participación de Cristina Hoyos, Sancho Gracia y José Sancho entre otros, y para la que hicieron pequeños cameos Daniel Martín y José Manuel Martín, quienes ya actuaron en la versión original de 1963.
Drama racial de baile flamenco, narra la historia de amor entre unos jóvenes cuyas familias se odian.

Dirigida por Vicente Escrivá, fue nominada en siete categorías diferentes, incluyendo Mejor Película, en la IV edición de los Premios Goya, en 1990, de los cuales consiguió dos: Mejor Sonido, y Mejor Música Original. Además, fue seleccionada como la entrada española para el Óscar a la mejor película de habla no inglesa en la 62. ª Edición de los Premios Óscar, pero no fue nominada.

Su argumento es una trasposición de la tragedia de amor frustrado de "Romeo y Julieta”, o “Bodas de Sangre” de Federico García Lorca: la película nos cuenta la historia de dos familias gitanas rivales: los Montoya, ricos y poderosos, y los Tarantos, que no tienen apenas propiedades ni nombre. El rencor entre ambas familias renace cuando sus hijos adolescentes, Ana Montoya, y Manuel Taranto se enamoran. La situación hace que las heridas del pasado salgan a la luz una vez más, lo que provocará un panorama cuyo final está muy lejos de ser el de un feliz cuento de hadas.

Música compuesta por Paco de Lucia, Goya a la mejor música original. Era el debut de Esperanza Campuzano y Juan Paredes. En el reparto actores como Sancho Gracia, Pepe Sancho, Antonio Canales, Queta Claver o Mercedes Sampietro, entre otros.

Antecedentes: Los Tarantos


Los Tarantos, película española de 1963 dirigida por Francisco Rovira Beleta, basada en la obra de teatro de Alfredo Mañas Historia de los Tarantos.
Fue candidata al Oscar a la mejor película de otra habla que la inglesa.
Se ocuparon de los personajes principales Carmen Amaya, Daniel Martín, Antonio Gades, Sara Lezana y Antonio Prieto.
Ambientada en la periferia chabolista de Barcelona, en la barriada de gitanos y pescadores de Somorrostro, (hoy desaparecida). Buena parte de las escenas, rodadas en localizaciones genuinas (allí había nacido la propia Carmen Amaya), pueden considerarse casi cine documental o similares al cinéma vérité francés o al neorrealismo italiano; pero las escenas musicales de puro flamenco y danza española, la emparentan con el cine musical.

Taranto y Zorongo son formas musicales y de danza flamenca.

Danza rodada en la Plaza de la Iglesia de Vejer de la Frontera


8 de abril. Día Internacional del Pueblo Gitano
Este día de 1971 se instituyó la bandera y el Himno del Pueblo Gitano en el Congreso Internacional Gitano celebrado en Londres, es conocido por la dos primera palabras “Gelem, gelem”, que significan “Hemos sido, hemos sido”, también en romaní: "Anduve, anduve".
El canto fue compuesto por el gitano y cantante yugoslavo Jarko Jovanovic a partir de una canción popular de los países de la Europa del Este. Sus versos están inspirados en los gitanos que fueron recluidos en los campos de concentración nazis durante la Segunda Guerra Mundial
Sus versos traducidos cuentan cómo «Anduve, anduve por largos caminos / Encontré afortunados romà / Ay romà ¿de dónde venís / con las tiendas y los niños hambrientos?»...


Fuente:
Internet
Gonzalo Díaz-Arbolí

12.10.20

EL FESTIVAL DE WOODY ALLEN



Hay películas que uno ve con agrado, que pasa un buen rato siguiendo su historia, que disfruta de ella pero que, al cabo de poco tiempo, olvida. Otras sin embargo, se ven con esfuerzo, sin ningún tipo de satisfacción, hasta con cierto aburrimiento, pero al cabo de un tiempo, al día siguiente o un mes después, sus imágenes continúan formando parte de nuestros pensamientos, damos vueltas y mas vueltas a escenas que no olvidamos y que no nos gustaron en su momento y ahora estamos deseando poder volver a ver. Es la diferencia entre cine de consumo, cine Kleenex de usar y tirar y cine creativo, cine de autor…..¡¡¡CINE!!!. 
Esto pasa con la última película de Woody Allen, “Rifkin´s Festival” (“El Festival de Rifki”) recientemente estrenada en nuestros multicines tras su paso por el festival de San Sebastián, precisamente el festival y la ciudad que vemos reflejados en la película que se rodó allí íntegramente el pasado año y que es un personaje mas de la historia como lo fue París en su película “Medianoche en Paris” o Nueva York en “Manhattan”.


Es imposible negar la importancia que ha tenido en su carrera la sospecha de abuso sexual a su hija Dylan Farrow. Separar la última etapa de la carrera de Allen de su vida privada es negar la importancia de las condiciones materiales, puesto que sus películas se han visto afectadas, si no en el fondo, sí en la “arquitectura” de sus producciones y no podemos olvidar que este director es mucho mas conocido (y reconocido), en Europa que en América. 

Como en casi todas las películas de Woody Allen en esta etapa de su carrera, a sus ochenta y cuatro años, ya no interpreta a los protagonistas de sus películas, pero para todo el que conoce a este director, los actores que pone en sus películas no dejan de ser un “alter ego” de sí mismo. Aquí es Wallace Shawn, un actor secundario entrañable, cuyo nombre pocos recuerdan, pero al que reconocemos en cuanto le vemos en la pantalla, con un físico y una voz poco dados al triunfo y al éxito……como el propio Woody Allen. En Rifkin es imposible no ver al personaje que Allen creó de sí mismo, acomplejado, pero ingenioso, analítico y apasionado.

En la película está casado con una agente de prensa (Gina Gershon)que debe acudir al Festival de San Sebastián para controlar la imagen de Philippe (Louis Garrel), un director joven y atractivo que une la reputación de cineasta comprometido y “progre” con sus ideas artísticas, pero a la vez, aprovechándose del éxito comercial de las películas en las que interviene y con el que tiene un descarado romance sentimental del que su marido no parece enterarse. Rifkin, sin embargo,es todo aquello que la sociedad contemporánea (sobre todo la americana), desprecia, intelectual, escritor frustrado, físico poco agraciado  y demasiado preocupado por la trascendencia intemporal. 

Mientras Philippe es la juventud, la vanidad, el encanto, el sexo, él es la pedantería y el defensor a ultranza de las películas clásicas europeas y sus directores. Por azares de la vida una joven doctora de la ciudad (Elena Anaya), casada con un hombre que la engaña (Sergi López) y que curiosamente contacta perfectamente con el intelectual. 


“Rifkin´s Festival” es una declaración de amor al cine. Escenas de los grandes títulos de las películas admiradas por el protagonista, se presentan ante nosotros, magistralmente retratadas, sustituyendo a los personajes originales por los de la película. Ante nuestros ojos pasan “Citizen Kane”, “Amarcor”, “El Ángel Exterminador”, “Viridiana”, “Jules et Jim”, “El Séptimo Sello”, etc. y todas las escenas presentadas están impregnadas del socarrón e inteligente sentido del mejor humor de Woody Allen. 


Si tienen ocasión de verla, no se la pierdan, amigos, es un tipo de cine en vías de extinción que merece la pena ver.

Jesús Almendros Fernández