30.1.23

2 de febrero: Día Mundial de los Humedales. El complejo endorreico de El Puerto de Santa María.

Cada 2 de febrero se celebra el Día Mundial de los Humedales, una efeméride que sirve para recordar la excepcional importancia de estos ecosistemas, que no solo acogen a una gran variedad de avifauna, sino que son grandes secuestradores de CO2. Sin embargo, la sobreexplotación de los acuíferos, la contaminación y la introducción de especies invasoras mantienen amenazados a casi todos los humedales españoles.

El complejo endorreico de El Puerto de Santa María:
Incluye tres lagunas, denominadas Salada, Juncosa y Chica o de la Compañía, protegidas en 1987 mediante Ley del Parlamento de Andalucía como Reservas Integrales Zoológicas, declarando además una Zona Periférica de Protección que las envuelve. .
La superficie protegida total es de 291 ha. Su valor ecológico reside en ser punto vital para la conservación de avifauna lacustre autóctona (fochas, ánades, garcetas, garzas, rapaces...), destacando especies en peligro de extinción.

 Laguna Salada

Laguna Salada. La mayor de las lagunas es también la más profunda, aunque no son pocos los veranos en que se seca. Entre las especies sumergidas se han encontrado diversos tipos de hierbas acuáticas y Najas marina debido a la salinidad de sus aguas.

En la orilla norte el cinturón perilagunas está dominado por eneas acompañadas en ocasiones por bayuncos  y juncos y tarajes, sobre todo de la especie. En las zonas más altas hay rodales de Juncus maritimus, que se han desarrollado mucho últimamente por haberse protegido las orillas del pastoreo.

En la orilla sur, por el contrario, la banda principal de vegetación se compone de carrizos, siendo también abundantes los tarajes. Pero donde estos últimos alcanzan un mayor desarrollo es sin duda en el extremo este de la laguna. En los fangos descubiertos se presentan Salicornia ramosissima y Frankenia laevis .

Vista aérea de las lagunas Salada y Chica

Laguna Chica: Es una laguna de perímetro alargado con aguas someras, aunque permanece con agua en verano durante los años más húmedos. Entre la vegetación sumergida se han hallado diferentes tipos de hierba acuática sumergida, aunque en los últimos años ha estado constituida únicamente por Najas marina. Entre las emergentes domina el carrizal y en las zonas altas diversos tipos de juncos.

Laguna Chica

Laguna Juncosa: debido a su tamaño y a su carácter temporal, permanece seca prácticamente casi todo el año a excepción de periodos concretos de lluvias continuadas, por lo que está cubierta casi en su totalidad por la vegetación ya comentada. Se encuentra en un estado preocupante ya que en la actualidad se llena de agua muy escasamente.

La Juncosa

El valor ecológico de esta reserva radica en ser un punto importante para la conservación de aves, como el flamenco, la malvasía cabeciblanca, la focha cornuda, la cerceta pardilla, el pato colorado, la cigüeñuela, el ánade rabudo, la avefría, etc., algunas de ellas en peligro de extinción.






 ndoCCom










Creo que en estos días están en tiempo de celos. El cortejo es un espectáculo asombroso. Los machos realizan una exhibición en aguas poco profundas durante la cual estiran el cuello, baten las alas y emiten vocalizaciones con el propósito de llamar la atención de las hembras en general. Ellas también suelen efectuar algunos movimientos, pero son más sutiles que los de sus pretendientes. Eventualmente una hembra selecciona a un macho pero no todo termina ahí. El macho escogido tiene que seguir cortejando por varios minutos, pero únicamente a ella, si es que desea que esta acepte la cópula. La mayoría de los flamencos son monógamos y las parejas construyen un vínculo sólido, permanecen juntas durante un tiempo capaz de prolongarse durante varios años o varias temporadas reproductivas. Algunas parejas solo se separan cuando uno de los dos muere o si el apareamiento no produce crías, tras lo cual la hembra suele buscar una nueva pareja.



La Flora: 
En la orilla sur por el contrario, la banda principal de vegetación se compone de carrizos pero también son muy abundantes los tarajes.

Pero el lugar en donde estos últimos alcanzan un mayor desarrollo es sin duda alguna en el extremo este de la laguna por lo que en realidad toda la extensión de la laguna se encuentra tapizada por todas estas especies.
Aquí es muy común la existencia de carrizo que como te vamos a explicar es una planta de estructura robusta cuyo hábitat natural es en aguas de poca profundidad, también puedes encontrar la planta conocida como enea, que es de característica acuáticas, reproduciéndose sin problemas en lagunas y también en pantanos por lo que no es de extrañar por su presencia en estas lagunas.

También puedes encontrar la castañuela que también es una planta con características de las anteriores siendo su hábitat natural los humedales y las charcas. Muy útiles en tiempos pasados para poder crear los techos de las chozas, con las que se cubrían del frio de la lluvia y del sol también es muy común la existencia del junco que igualmente es de características acuáticas, también es conocido como junco churrero ya que es de mucha utilidad para hacer amarres en los churros.


Aquí encuentras hasta el llantén ya que esta planta en particular necesita mucho para poderse reproducir de aguas encharcadas y es también la mejor muestra de lo nutrido de la zona donde se pueda encontrar ya que esta planta necesita de muchos nutrientes para poder desarrollarse de lo contrario se seca de una manera muy rápida.

Y por último pero no menos importante tienes la caña que solo puede existir en lugares húmedos, aunque viene de Asia, ha sabido aclimatarse en nuestras tierras como parte de la flora propia del lugar.

Cómo llegar: El sendero se inicia en la carretera de acceso al parque acuático Aqualand Bahía de Cádiz en El Puerto de Santa María, pasado el Casino Bahía de Cádiz, tomamos a la derecha hasta llegar a la Aldea rural Pago Barranco. Hasta aquí se llega por la carretera CA-31 entre El Puerto y Jerez de la Frontera.

                                                                       Mapa de la situación 

El próximo domingo día 5 de Febrero y organizado por Medio Ambiente, tendrá lugar una ruta guiada en bicicleta para conocer el Complejo Endorreico de El Puerto de Santa María Las Lagunas: “Salada”, “Chica” y “Juncosa”.



Fuentes: Wikipedia, Youtube
Gonzalo Díaz-Arbolí

Salvador Bacarisse (Madrid, 1898 - París, 1963)

    

Compositor español. Cursó estudios en el Conservatorio de Madrid, donde tuvo como profesor de piano a Manuel Fernández Alberdi y de composición a Conrado del Campo. Además de su trabajo en composición, ejerció la crítica musical en la prensa madrileña. Formó parte de la Junta de Música y Teatros Líricos y fue director artístico de la Unión Radio, puestos en los que desempeñó una valiosa labor.
Durante la Guerra Civil española se trasladó, siguiendo al gobierno republicano, a Valencia y Barcelona. En Barcelona fue delegado del gobierno en asuntos musicales y organizó algunos conciertos y temporadas de ópera. Al finalizar la guerra, se trasladó a París, y allí ocupó un puesto en la Radiodifusión y Televisión Francesa, como encargado de la sección hispanoamericana.




En Francia, su estilo se dulcifica y se hace más conservador, hundiendo sus raíces en la música de la tradición culta española. La obra de éxito más perdurable será el Concertino, para guitarra y orquesta, que se estrena en 1954 y une un cierto sabor español a una forma académica y un sentimiento sonoro muy neorromántico. En 1953 obtendrá el Grand Prix du Disque de la Academia Charles Cros con la grabación de Trece canciones populares españolas.

Salvador Bacarisse fue una figura destacada de la llamada generación de la República. En tres ocasiones obtuvo el Premio Nacional de Música. Junto a Gustavo Pittaluga, Julián Bautista y los hermanos Rodolfo Halffter y Ernesto Halffter, representó la extrema vanguardia de la música española.


                                   Charlot, Bacarisse y Gómez de la Serna

 
Su producción, bastante extensa, ha tenido poca repercusión internacional y tampoco ha ejercido una influencia apreciable sobre las jóvenes generaciones españolas. Entre sus obras figuran cuatro Conciertos y una Balada para piano y orquesta; Fantasía para violín y orquesta; un Concierto para cello y otro para guitarra, así como música de cámara, piano solo y un cierto número de canciones.

Estilísticamente, Bacarisse se inició en el impresionismo que llegaba desde la influencia francesa y el primer magisterio de Falla, desde el que pasó a un neoclasicismo avanzado, muy típico de los compositores de su generación, que preludia un período de obras libres basadas en la atonalidad con una polifonía que en alguna ocasión se acerca a las técnicas seriales, aunque no llegó a practicarlas de manera sistemática. Como otros compositores españoles de su promoción utilizó en muchas ocasiones textos de los poetas de la misma generación con los que colaboraba muy estrechamente: Juan Ramón Jiménez, Rafael Alberti y Luis Cernuda, entre otros.

Su Concertino para Guitarra, lo escribió para el guitarrista Narciso Yepes, quien, al confesarle el compositor que sentía animadversión por la guitarra, le dijo:
"Eso es porque nunca me ha oído usted tocar a mí".


Cual fue la sorpresa del genial guitarrista, cuando en su siguiente recital vio aparecer a Bacarisse. Al poco tiempo de haberlo oído le envió la partitura dedicada del bellísimo Concertino, pieza que Narciso Yepes estrenó en París con la Orquesta Nacional de España, dirigida por Ataulfo Argenta, en octubre de 1953.

Tras la proclamación de la Segunda República formó parte de la Junta Nacional de Música y Teatros Líricos que presidió Óscar Esplá. Ese mismo año volvió a ganar el Premio Nacional de Música con la pieza titulada Música sinfónica. Comenzó una labor como crítico en 1931 en el diario republicano Crisol y en 1932, en Luz hasta la desaparición de éste en 1934. Desde 1932 comenzó también a actuar como director de orquesta en los conciertos de Unión Radio. En 1934 la Junta Nacional de Música y Teatros Líricos dimite ante una multitud de críticas y procesos judiciales y ello impide el estreno de la ópera Charlot de Bacarisse. Ese año volvió a obtener el Premio Nacional de Música con Tres movimientos concertantes, considerada una de sus mejores obras.

 

                                                       Fantasía Andaluza

Fuentes: Internet.

Gonzalo Díaz-Arbolí


21.1.23

Manuel Machado y Ruiz. Poeta y dramaturgo. Murió el 19 de enero de 1947


Porque se llama Manuel
y Machado se apellida,
en su verso Muerte y Vida
juegan partida y nivel.

¿Quién vence? Tablas. Y él,
banderillero de Apolo,
supo, cantó y está solo:
ese poeta chapado
que se apellida Machado
       y le llamaban Manolo.
                                                                                                                             Gerardo Diego

Primogénito del matrimonio formado por Ana Ruiz y el folclorista Antonio Machado y Álvarez, Demófilo, y hermano de Antonio Machado. Nació en Sevilla, 29 agosto 1874. Tras la infancia sevillana, en 1883 se trasladó con su familia a Madrid porque al abuelo, Antonio Machado Núñez, le ofrecieron una cátedra en la Universidad Central. Machado fue instruido en los modernos métodos pedagógicos y en la moral laica de la Institución Libre de Enseñanza. En este tiempo, escribió sus primeros poemas y compartió con Antonio la atracción por el romancero y el teatro clásico español. En 1893, colaboró en el almanaque de Don Quijote, y, junto a Antonio y Enrique Paradas, en la revista La Caricatura, donde escribió poemas, un cuento y la crónica “La semana” junto a su hermano, con el seudónimo de Tablante de Ricamonte.

En 1895 volvió a Sevilla, a casa de su tío Rafael Ruiz, para acabar el bachillerato e ingresar en la Universidad, donde se licenció en Filosofía y Letras.
De regreso a Madrid, colaboró como secretario de redacción en el Diccionario de ideas afines y elementos de tecnología dirigido por Benot. En marzo de 1899 viajó a París para trabajar como traductor en la editorial Garnier. Allí permaneció hasta diciembre de 1900  enviando algunas crónicas al diario madrileño El País. Enrique Gómez Carrillo lo introdujo en la vida bohemia y literaria, y conoció los restos del simbolismo y a escritores como Pío Baroja, Laurent Tailhade, Georges Courteline, Ernest Lajeunesse, Constantin Balmont, André Gide, Paul Fort y, sobre todo, al poeta Jean Moréas, que le causó viva impresión, así como un breve encuentro con Oscar Wilde.

Su estancia parisina fue fundamental para su labor poética y en ella concibió su siguiente poemario. A su regreso a Madrid, entró en contacto con otros jóvenes modernistas, encabezados por Villaespesa y, cuando volvió de Francia, por Juan Ramón Jiménez; fue miembro fundador de las revistas Electra y Juventud, donde publicó poemas, traducciones, relatos, crónicas y artículos en defensa de la nueva estética. Su poemario Alma (1902) adaptaba, desde su mismo título, la poética simbolista, con gran intuición y excelente resultado, en un proceso modernista de síntesis creativa con la propia tradición, muy especialmente la popular.

“Antífona”, “Cantares”, “Castilla” o “Felipe IV” se convirtieron en poemas memorables, y “Adelfos”, en todo un himno modernista. El libro, por la cohesión y profundidad de su estructura y significado, es una obra fundamental de la tradición hispánica moderna. 
Adelfos, con este poema quería reivindicar el deseo de evasión, huir del mundo en el que le tocado vivir. Consiguiendo así un poema muy musical. Fue escrito en 1899 y está dedicado a Miguel de Unamuno.


Yo soy como las gentes que á mi tierra vinieron;
soy de la raza mora, vieja amiga del sol...
Que todo lo ganaron y todo lo perdieron.
Tengo el ama de nardo del árabe español.

Mi voluntad se ha muerto una noche de luna
en que era muy hermoso no pensar ni querer...
Mi ideal es tenderme, sin ilusión ninguna...
De cuando en cuando un beso y un nombre de mujer.

En mi alma, hermana de la tarde, no hay contornos,
...Y la rosa simbólica de mi única pasión
es una flor que nace en tierras ignoradas
y que no tiene aroma, ni forma, ni color.

Besos, ¡pero no darlos! ¡Gloria, la que me deben;
que todo como un aura se venga para mí!
Que las olas me traigan y las olas me lleven,
y que jamás me obliguen el camino á elegir.

¡Ambición! no la tengo. ¡Amor! no lo he sentido.
No ardí nunca en un fuego de fe ni gratitud.
Un vago afán de arte tuve... Ya lo he perdido.
Ni el vicio me seduce, ni adoro la virtud.

De mi alta aristocracia, dudar jamás se pudo.
No se ganan, se heredan, elegancia y blasón.
...Pero el lema de casa, el mote del escudo,
es una nube vaga que eclipsa un vano sol.

Nada os pido. Ni os amo, ni os odio. Con dejarme,
lo que hago por vosotros hacer podéis por mí.
...Que la vida se tome la pena de matarme,
ya que yo no me tomo la pena de vivir!...

Mi voluntad se ha muerto una noche de luna
en que era muy hermoso no pensar ni querer...
De cuando en cuando un beso, sin ilusión ninguna.
¡El beso generoso que no he de devolver!

Como verán el poema contiene ocho estrofas y cada estrofa contiene cuatro versos alejandrinos con rima par. Se puede dividir en tres partes, una primera que abarca desde la primera hasta la tercera estrofa; donde el poeta se lamenta de sí mismo, la segunda comienza en la cuarta estrofa y termina en la sexta estrofa; donde el poeta se elogia y realiza una valoración de sus actos y de cómo es, y la última que concurre entre las dos últimas estrofas, es el deseo, lo que el autor pide que hagan por él, como una forma de decir que “tira la toalla”.

No resisto la tentación de hacer referencia al poema "Castilla" del que decía Unamuno que, eran los mejores versos jamás escritos en lengua castellana. El poeta se propone ensalzar la figura del héroe de Castilla (el Cid Campeador) apoyándose en un episodio narrado por el poema del Cid.

El ciego sol se estrella
en las duras aristas de las armas,
llaga de luz los petos y espaldares
y flamea en las puntas de las lanzas.

El ciego sol, la sed y la fatiga.
Por la terrible estepa castellana,
al destierro, con doce de los suyos,
—polvo, sudor y hierro— el Cid cabalga.

Cerrado está el mesón a piedra y lodo...
Nadie responde. Al pomo de la espada
y al cuento de las picas, el postigo
va a ceder... ¡Quema el sol, el aire abrasa!

A los terribles golpes,
de eco ronco, una voz pura, de plata
y de cristal, responde... Hay una niña
muy débil y muy blanca,
en el umbral. Es toda
ojos azules; y en los ojos, lágrimas.
Oro pálido nimba
su carita curiosa y asustada.

«¡Buen Cid! Pasad... El rey nos dará muerte,
arruinará la casa
y sembrará de sal el pobre campo
que mi padre trabaja...
Idos. El Cielo os colme de venturas...
En nuestro mal, ioh Cid!, no ganáis nada».

Calla la niña y llora sin gemido...
Un sollozo infantil cruza la escuadra
de feroces guerreros,
y una voz inflexible grita: «¡En marcha!»

El ciego sol, la sed y la fatiga.
Por la terrible estepa castellana,
al destierro, con doce de los suyos
—polvo, sudor y hierro—, el Cid cabalga.

El Cid. Destierro. "Castilla". Recita Manuel Dicenta

El 15 de junio de 1910, se casó con su prima Eulalia Cáceres en Sevilla. Establecidos en Madrid, participó en la Academia de la Poesía Española. Tres antologías se sucedieron: Alma (Ópera selecta) (1910), Trofeos (1911) y Poesías escogidas (1913).

En 1912 apareció Cante hondo. Cantares, canciones y coplas, compuestas al estilo popular de Andalucía, que tuvo una segunda edición, “corregida y aumentada”, en 1916. Con ambos libros huyó Machado del descarnado enfrentamiento consigo mismo de El mal poema, refugiándose en una poesía de prestigio cultural y folclórico que ya había practicado antes, donde el yo lírico no se problematizaba, y que fue muy bien recibida.

En 1913, aprobó las oposiciones al Cuerpo Facultativo de Archiveros, Bibliotecarios y Arqueólogos y fue destinado a la biblioteca universitaria de Santiago de Compostela, aunque logró su traslado a Madrid, donde trabajó en la Biblioteca Nacional y en el Archivo Municipal del Ayuntamiento.

Durante la Primera Guerra Mundial escribió a favor de los aliados y se adhirió al manifiesto de la Liga Antigermanófila. En 1915, vio la luz Canciones y dedicatorias, recopilación con numerosos poemas de circunstancias.

Tras la guerra fue enviado unos meses como corresponsal a París, y en 1919 participó en la fundación de La Libertad, diario de orientación socialista, donde fue cronista de actualidad, teatro y libros. En 1921 publicó Ars moriendi, libro confesional, de renunciamiento, expresión depurada y elegante tono elegíaco y meditativo, donde resurgía como auténtico poeta, que tuvo un caluroso recibimiento tanto por parte de la crítica más prestigiosa como de los jóvenes poetas.

En 1925, pasó a desempeñar el cargo de director de Investigaciones Históricas del Ayuntamiento, Biblioteca y Museo Municipal de Madrid, y escribió artículos eruditos, principalmente sobre Lope de Vega, en la Revista de la Biblioteca, Archivo y Museo.

En 1932 Gerardo Diego lo incluyó en su Antología de la nueva poesía española, lo que supuso el reconocimiento por parte de la “joven literatura”.

Fue elegido miembro de la Real Academia Española y en 1938 leyó su discurso de ingreso, Semipoesía y posibilidad, sobre su propia obra. El mismo año, Horas de oro. Devocionario poético, recogía las nuevas composiciones, propagandísticas y religiosas, junto a otras ya conocidas, pero reinterpretadas en el nuevo contexto de forma tradicionalista.

Al conocer la muerte de su hermano, pidió permiso para viajar a Francia; en Collioure encontró también muerta a su madre. Acabada la guerra, volvió a Madrid y recuperó su puesto de funcionario. 


Murió el 19 de enero de 1947, a los setenta y dos años, siendo enterrado en el cementerio de la Almudena.



La ausencia es un fantasma que anida en rincones, tanto físicos como imaginarios.

 
No tienes quien te bese
tus labios de grana,
Ni quien tu cintura elástica estreche,
dice tu mirada.

No tienes quien hunda
Las manos amantes
en tu pelo hermoso, y a tus ojos negros
no se asoma nadie.

Dice tu mirada
que de noche, a solas,
suspiras y dices en la sombra tibia
las terribles cosas...

Las cosas de amores
que nadie ha escuchado,
esas que se dicen los que bien se quieren
a eso de las cuatro.

A eso de las cuatro
de la madrugada,
cuando invade un poco de frío la alcoba
y clarea el alba.

Cuando yo me acuesto,
fatigado y solo,
pensando en tus labios de grana, en tu pelo
y en tus ojos negros.



«Ama y olvida,
y atrás no mires. Y no creas
que tiene raíces la dicha…»

Fuentes: Recopilación de la biografía de Manuel Machado de la Real Academia de la Historia, 
YOUTUBE.
Gonzalo Díaz-Arbolí


20.1.23

A Dos Velas. Grupo Español de Balada

Dios les dio talento y ellos se juntaron. Dos hermanos y un amigo se dieron cuenta de que eso de cantar no se les daba mal y decidieron formar un grupo. Sus canciones son pegadizas y están llenas de aires andaluces.

Comenzaron cantando y tocando la guitarra, en las fiestas con los amigos. Su vida universitaria en Salamanca como estudiantes de Derecho, hizo que su duende no se quedara ahí y se tomaron el mundo de la canción más en serio.

Todo empezó en el año 1991. Fue en Jerez de la Frontera, Cádiz, cuando los tres componentes del grupo decidieron unirse para hacer música. Fernando Cuco Hernández, su hermano, Manolo Hernández Polo, y José Romero formaron el grupo “A Dos Velas” , dicho nombre se debe a la expresión “A Dos Velas”, (no tener un céntimo y según el sacerdote gaditano José María Sbarbi, proviene de cuando en la iglesia termina los oficios, sólo queda encendida dos velas, dando el aspecto de oscuro, desangelado.

Su consagración llegó en el año 1995 al sacar su primer disco, “Cosas Pequeñas” la presentación se celebró en la conocida sala madrileña de Joy Eslava. No sólo fueron reconocidos en España también lo hicieron en Sudamérica. Hasta tal punto llegó la fama de “A dos velas” que un programa argentino todavía mantiene una de sus canciones como sintonía.

Siempre han seguido la misma línea musical. Tienen un estilo propio que está dentro de nuestro pop, mezclado con aire lleno de Andalucía y del Sur. Sus temas, como no podían ser menos, están relacionados con el amor, aunque también están llenos de desenfado.

Música pegadiza y animada acompañada de elegancia, es en definitiva lo que hacen estos tres andaluces. Muchas canciones de su repertorio son ya conocidas porque la hicieron famosas muchos artistas de nuestro país como Julio Iglesias, Rocío Jurado o Raphael.

Un año después sacaron su segundo trabajo al mercado. “Después de tantas cosas" después de tanto amor” rumba, que les hizo consolidar como uno de los grupos más punteros de la música española.

Algunas canciones de su repertorio
Sin duda, su canción más conocida es “Con la gente que me gusta”. Una bella e interesante canción, de Manuel Alejandro y su esposa María Magdalena, de cómo son la gente que nos gustan, las que compartimos el tiempo, sin darnos cuenta, son las que te aprietan la mano, cuando te saludan, y son las que te miran de frente y a los ojos.


En el año 2000, editan el disco “Para Vivir a tu lado”, producido por Paco Ortega, el disco vuelve a contar con composiciones de Manuel Alejandro, Raúl Alcocer, Arturo Pareja Obregón, y del propio Cuco Hernández, uno de los componentes del trío, que le da nombre al disco.
El álbum se convierte en disco de oro en hispano América. Preciosa canción de amor y algo de desamor. "Morir de amor"


El disco “Con la gente que me gusta” nombre muy sonoro, lo editaron en el año 2006, llama la atención que entre las canciones incluidas en el disco, haya un popurrí de boleros, con ese aire andaluz que le dan tan encantador.
En ese popurrí de boleros sobresale uno de los más famosos, el vals “Alma Corazón y Vida”, compuesto por el peruano Adrian Flores Albán en 1948, cada palabra de la letra tiene su significado.

                    POPURRÍ:  Que Nadie Sepa Mi Sufrir, Alma, Corazón Y Vida, Si Tú Me Dices Ven


El disco "A dos velas" editado en el año 2006, con temas de varios compositores, la mayoría compuestos por el jerezano Manuel Alejandro y su esposa Maria Magdalena.
Uno de esos temas, es “Al día siguiente”, donde se refleja de forma magistral, el sentimiento que nos embarga al día siguiente de haber vivido un sincero y profundo amor. Te crees que has vivido un sueño.


En el año 2009 presentaron su disco “Somos tres”, el disco es una verdadera rumba romántica aflamencada.
El éxito del disco, independientemente de España, fue en Hispanoamérica, donde fue lanzado por primera vez.

En el año 2015, el grupo cumplió los 20 años de existencia, y se celebró en el mejor lugar que se podía hacer, el incomparable marco de El Alcázar de Jerez, con un concierto muy especial y con tintes benéficos para distintas asociaciones.
El primer tema del disco “Ella es”, es una canción con la que no se puede rendir mejor tributo a la mujer; interpretada magistralmente por el grupo A dos Velas compuesta por Manuel Alejandro.



Hoy a " A DOS VELAS", está considerado uno de los conjuntos más grandes de la Canción.
Su trayectoria es prometedora y todo lo que han hecho hasta ahora ha tenido premio.
Todos sus trabajos han sonado por todas las salas de baile del país. Además, sus canciones más famosas han sido protagonistas en varios álbumes recopilatorios.
En el álbum “Emociones y algo más”, editado en el año 2010, hay un tema “Somos tres caminantes” compuesto por José Luis Perales y que ya fue interpretado por Julio Iglesias y Lola Flores, que A Dos Velas, lo borda, es decir, con ellos el tema alcanza otra dimensión.


Fuente: Recopilación del guión del programa: "Música Española" de José Valencia, musícologo, Dr. en CCNN, emitido el día 18 de enero de 2023 por Radio Puerto. Muchas gracias, Pepe. Un abrazo
Gonzalo Díaz-Arbolí


15.1.23

Breve biografía de Mario Benedetti y su poesía amorosa.


Benedetti tiende a intercalar en su poesía con llamativa frecuencia la promesa favorable del amor. Que trata de uno de los soportes más enterizos y sugerentes de que hace gala el poeta a todo lo largo de su obra. El amor incluye una quimera absoluta; desborda la intimidad y se instala simbólicamente en lo comunitario: “a la vida de dos”. Diversifica la faceta del amor entre el erotismo y la solidaridad. Es un principio y un merecimiento, una gratificación y un emblema. Quien ama ejerce una búsqueda acumulativa de objetos amados.
Ha tocado con clarividencia todos y los ha llenado de palabras que el pueblo conoce y reconoce, porque entran o han podido entrar en su vocabulario desde siglos.

…en mi amor hay otras cosas
por ejemplo los sueños con que muevo la tierra
la pobre lucha que libré y libramos…
en mi amor hay también corajes varios
y un miedo que a menudo los resume
hay hombres como yo que miran tras las rejas…

De todos modos, y por encima de cualquier pretensión teórica, en la obra de Benedetti hay algo que resulta de veras irreprochable: la evidencia de que su poesía supone un ejemplar testimonio de nuestra realidad histórica. Y de que esa poesía está sujeta por esta vez a la razón.

 

          Poema de Mario Benedetti: Táctica y estrategia  (Pulsar para visualizar el vídeo)

Mario Benedetti nació el 14 de septiembre de 1920, en Paso de los Toros, Departamento de Tacuarembó, República Oriental de Uruguay, pero su familia se trasladó a Montevideo cuando sólo tenía cuatro años. Cursó la primaria en el Colegio Alemán de Montevideo, donde comenzó a escribir poemas y cuentos. Debido a problemas económicos de la familia pronto tuvo que trabajar, de manera que sólo pudo completar sus estudios secundarios como alumno libre. Ese contacto tan temprano con el trabajo, le permitió conocer a fondo una de las constantes que registra su literatura: el mundo gris de las oficinas burocráticas de Montevideo.

Desde los catorce años trabajó en la empresa Will L. Smith, S.A. de repuestos para automóviles, en la que hizo prácticamente de todo: fue vendedor, cajero, taquígrafo, contable; hasta que en 1939, acompañando como secretario al líder de la Escuela Raumsólica (de la que formaron parte también su familia y la familia de Luz López Alegre, quien después sería su esposa), se trasladó a Buenos Aires, donde hizo también un poco de todo, pero especialmente -según contaría más tarde, leyendo a Baldomero Fernández Moreno- descubrir su vocación de poeta. Volvió a Montevideo en 1941, donde pronto consiguió una plaza de funcionario en la Contaduría General de la Nación y donde (desde 1945 hasta 1974, con la clausura de la publicación), se integró en la redacción del semanario Marcha, un importante foro de reflexión y análisis clave en la cultura rioplatense, en el que se formaron hasta tres generaciones uruguayas de intelectuales (con Juan Carlos Onnetti, Eduardo Galeano, Emir Rodríguez Monegal, Ángel Rama, Alfredo Zitarrosa, Daniel Viglietti o Idea Vilariño como nombres principales) de cuya sección literaria Benedetti sería director en 1954.

Mario Benedetti y su esposa, Luz López

Permítanme una corta digresión para hablar de su esposa.
Aunque Mario Benedetti estuvo casado con Luz López por seis décadas, su relación es uno de los aspectos menos conocidos y más determinantes de la vida del escritor uruguayo.

“Cuando la conocí / tenía apenas doce años y negras trenzas / y un perro atorrante que a todos nos servía de felpudo / Yo tenía catorce y ni siquiera perro”, escribe en 1976 el célebre Mario Benedetti en “Bodas de Perlas”, poesía en la que, con motivo del 30 aniversario de la relación con su esposa Luz López, desgrana cómo fue encontrarse con el amor de su vida, un personaje “desconocido absolutamente pero tan fundamental para su vida.

“Es como una daga terrible, es casi una tragedia griega y es absolutamente desconocido eso en la vida de Mario. Tres años después él muere dentro de un estado de soledad y de dolor, entonces es bien interesante contrapuesto a ese autor bonachón, simpático.
“Más si una tarde te extraviaras / entre el mar y el espejo / recuerda siempre que aquí estamos / yo y mi alma y mi cuerpo”, concluye la “Sonata para adiós y flauta” de Benedetti y son este y otros pasajes, como el que recuerda que “el largo amor no tiene cismas” los que jugarán también con la emociones de quien, una vez en salas, de vistazo a los 60 años de un amor escrito en verso.
Mario Benedetti y el Alzheimer que hizo que el amor de su vida lo olvidara.
Fin de la digresión


Ese mismo año de 1945, publica su primer libro de poemas, La víspera indeleble, que no se volverá a editar, y un año después, el 23 de marzo de 1946, contrae matrimonio con Luz López Alegre, su gran amor y compañera de vida, a la que conocía desde que eran niños. Un año más tarde el matrimonio recorre parte de Europa con los padres de Luz, en un viaje que será el preludio del que harán en 1957, mucho más largo.



De regreso en Montevideo, en 1948 dirige la revista literaria Marginalia y aparece su primera obra ensayística, Peripecia y novela (1948), a la que siguió su primer libro de cuentos, Esta mañana (1949), con el que obtuvo el Premio del Ministerio de Instrucción Pública, galardón al que Mario Benedetti accedió en repetidas ocasiones, hasta que en 1958 renunció a él por discrepancias con su reglamentación. Por esas mismas fechas participa activamente en el movimiento contra el Tratado Militar con los Estados Unidos, su primera acción como militante, y publica los poemas de Sólo mientras tanto (1950), editado por Número, una de las revistas literarias más destacadas de la época, de la que Benedetti fue miembro del consejo de redacción, y que se hará cargo también de las ediciones de Marcel Proust y otros ensayos y El último viaje y otros cuentos, posteriormente integrados a otros títulos.

Fue La tregua, la que supuso la consagración definitiva del escritor y el inicio de su proyección internacional (la novela tuvo más de un centenar de ediciones, fue traducida a diecinueve idiomas y llevada al cine, el teatro, la radio y la televisión), que corren paralelas a la creciente relevancia de Benedetti como poeta desde el rotundo éxito que disfrutaron sus Poemas de la oficina (1956).
 
Poema de Mario Benedetti: Te quiero.  (Pulsar sobre la imagen para visualizar el vídeo)

El autor repartirá su tiempo entre sus residencias de Uruguay y España hasta que tras el fallecimiento de su esposa en 2006 se traslade definitivamente a su residencia en el barrio Centro de Montevideo, Uruguay. Con motivo de su traslado, Benedetti donó parte de su biblioteca personal en Madrid al Centro de Estudios Iberoamericanos de la Universidad de Alicante que lleva su nombre.

En los últimos años la salud del escritor se resiente y es hospitalizado a menudo hasta que el 17 de mayo de 2009 muere en su casa de Montevideo, a los 88 años de edad. El gobierno uruguayo decreta duelo nacional y dispone que su velatorio se realice con honores patrios en el Salón de los Pasos Perdidos del Palacio Legislativo. A los pies del ataúd se acumulan decenas de flores y bolígrafos que la gente deposita como último tributo al escritor. Al día siguiente el féretro es trasladado desde el Congreso hasta el Cementerio Central, donde se le rinde homenaje, en cortejo por las calles de Montevideo acompañado por miles de personas. Desde el 19 de mayo el cuerpo del poeta descansa junto al de su esposa Luz en el cementerio del Buceo de Montevideo.

                            Poema de Mario Benedetti: Corazón coraza.  (Pulsar sobre la imagen para visualizar el vídeo)


Todavía conservo el disco de vinilo “El sur también existe” con poemas de Mario Benedetti, musicalizado e interpretado por Joan Manuel Serrat.
Coloco estos versos para que lo disfruten: “Porque la memoria ningún recuerdo omite”

Una mujer desnuda y en lo oscuro
tiene una claridad que nos alumbra
de modo que si ocurre un desconsuelo
un apagón o una noche sin luna
es conveniente y hasta imprescindible
tener a mano una mujer desnuda.

Una mujer desnuda y en lo oscuro
genera un resplandor que da confianza
entonces dominguea el almanaque
vibran en su rincón las telarañas
y los ojos felices y felinos
miran y de mirar nunca se cansan.

Una mujer desnuda y en lo oscuro
es una vocación para las manos
para los labios es casi un destino
y para el corazón un despilfarro
una mujer desnuda es un enigma
y siempre es una fiesta descifrarlo.

Una mujer desnuda y en lo oscuro
genera una luz propia y nos enciende
el cielo raso se convierte en cielo
y es una gloria no ser inocente
una mujer querida o vislumbrada
desbarata por una vez la muerte.

Pulsar sobre la imagen para visualizar el vídeo


Fuentes: Remedios Mataix. (Universidad de Alicante), Red escolar, Blog: Leamos, Prólogo de la Antología poética. Alianza Editorial. Caballero Bonald.

Gonzalo Díaz-Arbolí


14.1.23

¿Qué es la musicoterapia?


Historia y origen
La música ha sido parte de la vida humana por miles de años. Los expertos han encontrado instrumentos de hace 40,000 años, lo que sugiere que el deseo de los humanos de expresarse o comunicarse a través de la música está muy arraigado.

El uso de la música para terapia y curación data de la Antigua Grecia, pero el uso terapéutico actual empezó en el siglo 20, después de que terminara la Segunda Guerra Mundial. La referencia más antigua a la terapia musical viene de un artículo de 1789 titulado “Consideración física de la música”.

Los años 1800 vieron el crecimiento de la investigación médica sobre la capacidad terapéutica de la música, y desde 1940, las universidades empezaron a ofrecer programas de terapia musical. E. Thayer Gaston, uno de los tres hombres que incursionaron en el uso de la música como herramienta terapéutica, ha organizado y promovido la práctica para que se convirtiera en un tipo aceptado de terapia. Ahora, existen muchas asociaciones de musicoterapia en todo el mundo y los terapeutas musicales trabajan en consultorios privados.

¿Qué es la musicoterapia?
La musicoterapia es el uso clínico de la música, así como sus elementos implícitos (sonido, ritmo, melodía, armonía), para conseguir objetivos terapéuticos individualizados. Estos objetivos pueden ir desde reducir el estrés a conseguir cambios positivos en el estado de ánimo o la autoexpresión, pasando por fomentar el aprendizaje o estimular la movilización cubriendo a su vez las necesidades físicas, psicológicas, emocionales, mentales, espirituales, sociales y cognitivas de los pacientes, más que una simple actividad, es un proceso, un acompañamiento a la persona en ese proceso de curación en el que está inmersa para ofrecer una mejor calidad de vida al paciente.

La música puede tener efectos verdaderamente potentes sobre la mente. Los estudios han encontrado instrumentos musicales de hace decenas de miles de años lo que da buena cuenta del primitivo e indisociable deseo de los humanos de expresarse o comunicarse a través de la música. Usa las poderosas capacidades de la música para mejorar el bienestar de una persona y establece un espacio de comunicación que permite favorecer tanto la introspección como la extroversión. Es decir, la música sirve para que cualquier persona conecte consigo mismo y con los demás.
Los terapeutas musicales usan las respuestas y conexiones de una persona con la música para estimular cambios positivos en el estado de ánimo y el bienestar mental general.  



Beneficios físicos 
La variedad de respuestas que produce la música en distintos planos con la musicoterapia obtienen beneficios que con otras terapias no es posible conseguir. Pensemos por ejemplo un momento en los niños y adolescentes con cáncer y otras enfermedades que pueden llegar a pasar un dolor inimaginable. No importa cuánto se les medique, ya que a veces simplemente no es suficiente. El  hecho de escuchar y tocar música, así como el escribir y cantar canciones contribuye a reducir los niveles de dolor entre los pacientes. Las terapias con música pueden ayudar a aliviar el dolor y reducir el estrés y la ansiedad del paciente, lo que genera cambios fisiológicos, que incluyen: Se ha demostrado que esta forma de terapia tiene un efecto significativo en la percepción de la efectividad del padecimiento por parte del paciente, incluida la reducción del dolor, la relajación, la frecuencia respiratoria y disminución de niveles más bajos de ansiedad.



Beneficios mentales 
Los beneficios en este sentido también son múltiples y abarcan varios ámbitos. Concretamente, la musicoterapia pasiva incrementa la identificación emocional y la atención en pacientes con autismo, una patología en la que el reconocimiento de las emociones y la capacidad de comunicación se encuentran poco desarrolladas.

Diversos estudios sugieren asimismo que las terapias musicales pueden ser un gran activo en el tratamiento de los síntomas de la depresión. Aquellas personas que acceden a este tipo de terapias en combinación con tratamientos comunes para la depresión como las terapias de conversación, mejoran más que las personas que únicamente son sometidos a una terapia estándar.

Está demostrado también que escuchar música puede favorecer la liberación de dopamina (una hormona que hace que las personas se sientan bien) y endorfinas, hormonas que pueden mejorar el estado de ánimo y mitigar el dolor. Si bien la terapia musical no es una cura para la depresión, puede ofrecer beneficios a corto plazo al mejorar el estado de ánimo y estimular la expresión propia ya que permite que los pacientes se expresen de una manera más creativa y agradable que favorezca la expresión de las emociones.

La musicoterapia es un aliado tremendamente efectivo en el tratamiento del Alzheimer y otras enfermedades mentales. Puede ayudar con la memoria y estimular la mente debido a la previsibilidad, la familiaridad y los sentimientos de seguridad. Por ejemplo, cantar canciones conocidas provoca reminiscencias en los enfermos lo que evoca recuerdos y sentimientos casi olvidados asociados a personas y a lugares en los que se ha estado, mejorando el ánimo, la orientación, la memoria y estimulando las relaciones sociales.

Resumen
Aunque la musicoterapia no es una cura para ninguna afección de salud mental, puede ser una herramienta efectiva y agradable para reducir los síntomas de diferentes enfermedades, incluyendo la depresión y la ansiedad.

La musicoterapia ofrece a las personas una forma creativa y accesible de expresar sus sentimientos y procesar sus experiencias. Las personas han usado la música por sus poderosos efectos sobre el estado de ánimo y las emociones por mucho tiempo.

Además de ayudar con los problemas de salud mental, la musicoterapia también tiene muchos otros beneficios, como proporcionar un resultado creativo, ampliar el conocimiento y conciencia cultural, y mejorar las habilidades cognitivas como la memoria.

Poema: Eugenio W. Martínez Orejas 
Música: La mañana, Peer Gynt - E.Grieg
 Voz: Flora Díaz Hurtado

Fuentes: Internet: Wikipedia, youtube
Gonzalo Díaz-Arbolí

10.1.23

Lakmé, ópera en tres actos, con música de Léo Delibes (1836 – 1891)

 


Argumento:
La acción transcurre en la India, en la época de la conquista colonial inglesa, a finales del siglo XIX.
Un jardín bien poblado donde se entremezclan todas las especies de flores de la India. Al fondo, junto a un pequeño arroyo, una especie de templo escondido entre la espesura de los árboles. Es la hora del alba)

ACTO I
(Hadji y Mallika abren una puerta del jardín para dejar pasar a un grupo de fieles que entran reverentemente)

A la hora de costumbre,
cuando la campiña embalsamada,
por la aurora inflamada,
festeja el día que nace,
unimos nuestros rezos,
para calmar la cólera
del amenazante Brahma.



Los fieles de Brahma se reúnen para la oración, en el jardín que es el refugio secreto de Nilakantha, sacerdote brahman que ha prometido vengarse de los conquistadores, a pesar de que el culto está prohibido por los ingleses, tras la plegaria entonada por la sacerdotisa Lakmé, hija de Nilakantha, dirigida a sus dioses. Una vez terminada la ceremonia, el sacerdote parte hacia la ciudad próxima en la que debe tener, el día siguiente, una gran fiesta, y deja a Lakmé al cuidado de sus servidores, Hadji y Mallika. La joven se quita sus joyas y las deja sobre un banco; después se prepara con su sierva Mallika para el baño (Dúo “vienes Mallika) y para recoger flores de loto azul.

Se acerca un grupo de ingleses que sin ningún reparo penetra en el jardín. Este grupo está integrado por Ellen, la hija del gobernador, su amiga Rose y de su dueña Mistress Benton, acompañadas por dos oficiales Frederic y Gerald. Frederick les advierte que no toquen las flores ya que algunas son venenosas, él ha reconocido al guardia de Nilakantha, y exhorta a sus amigos a la prudencia, mientras les habla de Lakmé y de como su padre ha hecho de ella casi una diosa que vive en este retiro aislada del mundo; entonces ellos no pueden evitar el burlarse de las costumbres hindúes y comparar los encantos de sus mujeres con los de las europeas. Tanto las mujeres como los hombres se preguntan cómo pasará el tiempo la joven .Cuando se van a ir, una de las chicas se fija en las joyas abandonadas en el banco. Gérald, despreciando toda prudencia, le promete hacer un dibujo de ellas. Cuando el joven se queda solo piensa en la mujer a la que adornan todos aquellos aderezos escondiéndose, al ver que alguien se acerca.

Lakmé y Mallika regresan del baño. La muchacha se pregunta por qué siempre está triste. Al ver a Gérald grita asustada. Cuando acuden los sirvientes, les dice que no ha sido nada y les pide que vayan a buscar a su padre. Después le advierte al inglés que se juega la vida y que debe olvidar el haberla visto, pero Gérald se siente fascinado por ella. El oficial inglés desafía el peligro y se lanza a una declaración de amor.

Al oír que su padre regresa, Lakmé le ruega al inglés que se vaya. Él tiene el tiempo justo para huir cuando la voz del brahamin se deja oír. El sacerdote, desgraciadamente, se ha dado cuenta que su refugio ha sido violado y jura que matará al extranjero que ha penetrado en sus dominios.


¡Ven, Mallika
las ramas florecidas
derraman ya su sombra
sobre el arroyo sagrado
que corre, calmado y oscuro,
alborotado por el canto
de los pájaros alborotadores!

¡Oh, mi dueña
esta es la hora
en que te veo sonreír,
la hora bendita
en que yo puedo leer
en el corazón siempre cerrado
de Lakmé!
--------
Para que el dios Ganesa le proteja,
junto al estanque
donde retozan alegres
los cisnes de alas níveas,
vayamos a coger los lotos azules.

(Las dos muchachas se desplazan por la escena hacia la orilla del riachuelo, suben a una barquilla que allí se encuentra y se deslizan con ella por el agua; sus voces, como flotando sobre las aguas se escuchan lejanas.)

ACTO II
Mercado de un pueblo.
La plaza hierve de movimiento; Mistress Bentson, atraída por el exotismo, es víctima de varios robos. Se oye una campana. Es la hora de cerrar. Empieza el festival religioso. Aparecen Gérald y Ellen, su prometida. Frederick le dice al joven que el regimiento saldrá antes del amanecer del día siguiente a perseguir a un grupo de rebeldes.

Lakmé y su padre, disfrazados de pordioseros, entran en la plaza. A pesar de que la joven trata todavía de disculpar al inglés que profanó el recinto sagrado, su padre espera encontrarlo para vengarse, aunque también le entristece la preocupación de su hija.

Para que el inglés se dé a conocer obliga a la joven a cantar una balada que cuenta la historia de la hija de un paria que socorrió a un joven perdido en el bosque, el que resultó ser Visnú, el hijo de Brahma, quien en agradecimiento se la llevó al cielo a vivir entre los dioses. Nilakantha entonces obliga a Lakmé a que siga cantando hasta que la muchacha ve a Gérald y se desmaya en sus brazos.

Aunque el padre lo reconoce nada pueda hacer en este momento. Un grupo de soldados cruza el escenario mientras Nilakantha promete vengarse esa noche.



El fiel Hadji le dice a Lakmé que si puede ayudarla en algo que se lo diga, ya que siempre ha hecho lo que la joven ha querido. Gérald, por fin se encuentra ante su amada. Esta confiesa que le quiere a pesar de adorar a un dios diferente, y le ofrece la oportunidad de vivir siempre juntos en un lugar del bosque donde la joven tiene una cabaña. Se acerca la procesión de los brahmanes que se dirige al templo de Dourga. Frederick se siente preocupado por la expresión de éxtasis de Gérald, e intenta hacer entrar en razón a su amigo hechizado, le recuerda que su seguimiento partirá el día próximo por la mañana, a pesar de todo, confía que al otro día, cuando partan, ya se habrá olvidado de todo. Nilakantha y sus hombres han podido apresar a Gerald y uno de ellos lo ha herido con un puñal. Creyéndole muerto, Lakmé corre a su lado, pero sólo se trata de una herida leve, y con gran alegría y la ayuda de Hadji se lo lleva para esconderlo en el refugio del bosque.

ACTO III
Jardín con una cabaña de bambú.
Gérald yace sobre un lecho de hojas mientras Lakmé lo arrulla con una nana. Cuando despierta, la joven le cuenta lo sucedido. El inglés, exaltado por el amor que siente, quiere abandonarlo todo y quedarse a vivir con Lakmé. En la lejanía se oyen las voces de los amantes que se dirigen a la fuente cuyas aguas confieren el amor eterno. Lakmé se ofrece a ir a buscar su agua para que ambos la beban. Gérald se queda solo. Entra Frederick, quien ha seguido los rastros de sangre por el bosque. Tras apelar al compromiso que tiene Gerald con Ellen, y al hecho de que dentro de pocas horas el regimiento partirá, el militar le recuerda su honor de soldado. Entonces Gérald, que hasta este instante estaba decidido a dejarlo todo por Lakmé, comprende que no podría vivir sabiendo que ha traicionado a su patria.

Vuelve la joven y nota que algo ha pasado. A lo lejos se escucha el batallón de soldados que marcha a su destino. Entonces comprueba que el deber llama a su amado. Sin decir nada, mastica una flor venenosa y luego, tras beber el agua, le da la copa a Gérald. El veneno surte efecto con rapidez

Nilakantha aparece, siempre movido por un deseo de venganza y reconoce al inglés; el oficial se ofrece para que el brahamin lo apuñale, pero Lakmé se interpone: él ha bebido el agua de la fuente sagrada, y estará protegido a partir de ahora y permanecerán unidos para siempre. Entonces, ella muere y su padre, exaltado, piensa en la vida eterna que ahora gozará su hija y se alegra de saberla cerca de los dioses .Mientras tanto, el joven llora desconsoladamente.


Fuente: Agradecemos a los sitios web: Intermezzo, de Rafael Torregrosa Sánchez; y Kareol, de Eduardo Almagro López, por permitirnos utilizar parte de sus contenidos.

Gonzalo Díaz-Arbolí