21 de junio, DÍA INTERNACIONAL DE LA MÚSICA. JACQUELINE DU PRÈ

La Fiesta de la Música es una celebración internacional que se realiza el primer día del verano del hemisferio norte. Su objetivo es promocionar la música. En 1985 esta celebración se instituye como evento europeo y, coincidiendo con el solsticio de verano, en todos los países de la Unión Europea se dedica un día entero para celebrar la pasión por la música.

Jacqueline du Prè (nació en Oxford el 26 de enero de 1945 y murió en Londres el 19 de octubre de 1987), violonchelista británica, una de las mejores del siglo XX. Intérprete prodigiosa que se vio obligada a abandonar los escenarios en 1973, a causa de una esclerosis múltiple, que la conduciría finalmente a la muerte a los 42 años.

Cuenta la leyenda que Jacqueline a los 4 años, escucha un programa de música en la BBC de Londres. A partir de ese instante, cuando al oír el sonido del cello dice, que quiere tocar ese instrumento. Su madre, pianista aficionada, comienza a formar musicalmente a su hija y dos años más tarde, empezaría a recibir lecciones en Londres. A los diez años gana un premio en un concurso internacional, y a los doce realiza su primer concierto en la BBC. Estudió con maestros como: Willian Pleeth en Londres, Paul Tortelier en París Rostropovich en Rusia y Pablo Casals en Suiza.

En alguna ocasión Jacqueline dijo: “mi madre fue una gran inspiración. Guiaba mis primeros pasos, escribió canciones para jugar y dibujó las descripciones pictóricas de las melodías. Eran muy hermosas y solía encontrarlas escondidas bajo mi almohada, lo que hacía poner mis manos en el violonchelo cada día. También me enseñó composición."

En la navidad de 1966, Jacqueline conoce al pianista argentino Daniel Barenboim; un año más tarde, en 1967, se casan. Jacqueline se convirtió al judaísmo para casarse. Su matrimonio fue una de las relaciones más fructíferas de la historia musical comparándose ciertamente con la de Clara y Roberto Shumann.

Durante su corta carrera, Du Prè tocaría junto con orquestas y solistas prestigiosos. Se ha destacado su interpretación del concierto para cello de Elgar que se ha vuelto mítica.

Les dejo para que puedan escuchar la grabación del Concierto para violonchelo en mi menor, Op.85 de Edward Elgar, escrita en 1919. Es una de las obras más notables y piedra angular del repertorio para violonchelo solo.

Esta obra obtuvo la mayor popularidad en los años 60, precisamente a partir de la interpretación hecha por Jacqueline du Prè en 1967, convirtiéndola en una de las grabaciones de música clásica más vendidas.

Al colocar las ilustraciones gráficas, me han recordado el aire de los años 60. Los años de los Beatles, los Stones…

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Cello. Sonata No. 2 in F Major, Op. 99: II. Adagio affettuoso · Jacqueline du Pré

“Tempus fugit” El tiempo se escapa, como las nubes, como las naves, como las sombras.

Es ley de vida que las personas desaparezcan pero mientras las recordemos, mientras sus obras no se borren de nuestros recuerdos, de alguna manera permanecerán vivas.

Mezclado con las sombras del tiempo, que se nos desliza entre los dedos, siempre es conveniente recordar estos prodigios o estos genios, que, cómo escribió Howard Gardner, psicólogo estadounidense: existen 16 tipos de inteligencia, una de ellas es la musical y está asentada en el Hemisferio cerebral derecho.  

Los caprichos de la naturaleza nos regala cuando se le antoja, más tratándose de un instrumento que no se ha distinguido por un exceso de protagonismo, porque tampoco han sido muchos los virtuosos capaces de hacérnoslo disfrutar.

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Jacqueline du Pré - Dvořák Cello Concerto – London Symphony Orchestra. Director, Daniel Barenboim

Disfruten y sean felices.

Fuente: Wikipedia, Youtube

Gonzalo Díaz-Arbolí

1 de octubre. Día Internacional de la Música.

Fecha que se estableció por la UNESCO en 1975, para conmemorar sus diversas manifestaciones y su trascendencia a nivel internacional. Es una oportunidad que se nos presenta para honrar a todos los músicos y los estilos que disfrutan y comparten todas las personas, en el sentido de unir y compartir un mismo sentimiento, es un símbolo de igualdad, ya que todos podemos identificarnos con ella.

Su creación fue idea de Lord Yehudi Menuhin para promover la música entre todos los sectores de la sociedad y los ideales de paz y amistad entre los pueblos de la UNESCO. La música se ha transformado en un verdadero bálsamo para la vida. Se sabe, de acuerdo a innumerables estudios, que son muchas las bondades y ventajas que tiene la música para todos los seres humanos y que si se inicia en las primeras etapas de la formación de los niños, puede obrar verdaderos milagros. La música siempre va a representar un motivo de celebración.

Grupo de amigos celebran el Día de la Música

Resumen biográfico de Carl Orff y su obra Cármina Burana

Compositor alemán, nace y muere en Múnich, (1895-1982). Comenzó a estudiar piano, órgano y violonchelo apenas tenía cinco años. Al acabar el bachiller estudió composición en la Academia de Música de Múnich, graduándose en 1914. Como el plan de estudios era muy conservador, se dedicó a explorar, por su cuenta, el repertorio musical contemporáneo que era lo que realmente le interesaba. Orff se sentía descontento con las clases de composición recibidas en la Academia por lo que, en 1920, reanudó sus estudios con el distinguido profesor Kaminski. En la búsqueda de un estilo musical propio, descubrió la música del Barroco temprano.

El primer trabajo de Orff fue como compositor de música incidental para un teatro de Múnich. Tras un breve interludio en el teatro, fuera de Múnich, en 1919 volvió para dedicarse a enseñar composición. Quería inventar nuevas formas para atraer a los niños a la música. Para ello ideó, junto a Dorothee Günter, una escuela especial de euritmia: combinación de música, gimnasia y danza basada en la obra de Daleroze y Laban. A Orff se le ocurrió que los alumnos acompañaran las rutinas de danza, improvisando su propia música, con sencillos instrumentos de percusión afinados y muy fáciles de tocar, lo que motivaría a los niños a dominar el lenguaje musical básico. Creó un sistema integral – el Schulwerk - de ejercicios prácticos para facilitar el proceso. Tan buen resultado dio que recibió el apoyo del Ministerio de Educación Alemán y, aún hoy, se sigue utilizando en todo el mundo.

Inspirado en las óperas de Monteverdi, compuso varias obras escénicas, entre ellas destaca Cármina Burana, una cantata que utiliza como texto algunos cantos medievales de los goliardos de los siglos XII y XIII reunidos en el manuscrito encontrado en Benediktbeuern, Alemania, en el siglo XIX. En ella, además de la orquesta y coros, intervienen solistas: soprano, tenor y barítono. Destaca también su abundante y espléndida percusión. 

 

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El nombre de la obra Cármina burana procede del latín cármĕn -inis: ‘canto, cántico o poema’ (no confundir con la palabra árabe carmén: ‘jardín’), y burana es el adjetivo gentilicio que indica la procedencia: ‘de Bura’ (el nombre latino del pueblo alemán de Benediktbeuern). El significado del nombre es, por tanto, ‘Canciones de Beuern’.

Aunque generalmente se encuentra escrito Carmina (sin tilde, como en el original latín) se pronuncia /kármina/. Para evitar que un hispanohablante pronuncie la palabra erróneamente (lo cual sucede con mucha frecuencia entre músicos y locutores), la Real Academia Española sugiere que a las palabras latinas se les coloque la tilde (en casos como este en que la ortografía latina no coincide con la española).

El original Cármina burana es una colección de cantos de los siglos XII y XIII, que se han conservado en un único códice encontrado en 1803 por Johann Christoph von Aretin en la abadía de Bura Sancti Benedicti (Benediktbeuern), en Baviera; en el transcurso de la secularización llegaron a la Biblioteca Estatal de Baviera en Múnich, donde se conservan (Signatura: clm 4660/4660a). 

 

El códice recoge un total de 300 rimas, escritas en su mayoría en latín (aunque no con metro clásico), algunas partes en un dialecto del alto alemán medio, y del francés antiguo.

 

Fueron escritos hacia el año 1230, posiblemente en la abadía benedictina de Seckau o en el convento de Neustift, ambos en Austria.

En estos poemas se hace gala del gozo por vivir y del interés por los placeres terrenales, por el amor carnal y por el goce de la naturaleza, y con su crítica satírica a los estamentos sociales y eclesiásticos, nos dan una visión contrapuesta a la que se desarrolló en los siglos XVIII y segunda parte del XIX acerca de la Edad Media como una «época oscura». 

Enmarcado dentro de la corriente del neoclasicismo musical. Su obra Carmina Burana es la colección de cantos goliardos antes citado, que atrajo a Orff por lo diverso de sus versos que eran tanto humorísticos, tristes o sugestivos; eligió unos veinte al azar y los arregló en crudas canciones para solistas y coro, acompañados por instrumentos y mágicas imágenes. 

Para los interesados en escuchar la obra completa

Fuente: internet, YOUTUBE

Gonzalo Díaz-Arbolí

21 de junio de 2022. Día Europeo de la Música

Se celebra el 21 de junio de cada año. Tiene como objetivo principal que los profesionales de la música salgan a las calles a compartir su música con el público y de esta manera darles la oportunidad de disfrutar de su arte de una manera gratuita, sin importar el estilo, las jerarquías ni los orígenes.

El precursor de esta idea fue el músico norteamericano Joel Cohen en el año 1976, quien propuso que los grupos musicales tocaran durante los dos solsticios que se celebran cada año, el primero, el 21 de junio y el otro, el 21 de diciembre, lo cual se convirtió en un hecho a partir de ese mismo año, en Toulouse, Francia.

La música se ha transformado en un verdadero bálsamo para la vida. Se sabe, de acuerdo a innumerables estudios, que son muchas las bondades y ventajas que tiene la música para todos los seres humanos y que si se inicia en las primeras etapas de la formación de los niños, puede obrar verdaderos milagros. 

Para celebrarlo vamos a conocer la biografía y analizar y escuchar la:

Sinfonía Num. 1 de Brahms, 4º. Movimiento: Adagio – Più Andante – Allegro non troppo, ma con brio (do mayor)

Biografía

Johannes Brahms, Hamburgo, Alemania, 1833 - 1897. Cultivó un estilo propio, al que en muchas ocasiones se asocia a la añoranza, el otoño y cierta amargura, siguiendo los patrones establecidos por el Clasicismo y el Romanticismo germano-austriaco de Haydn, Mozart y Beethoven, al mismo tiempo que abrió su propio camino.

Su padre era músico, contrabajista, fue su primer maestro de música, le enseñó violín y violonchelo. A los 15 años se reveló como un gran ejecutante de piano.

Hace su primera gira de conciertos en 1853, como acompañante de Eduard Reményi, violinista húngaro. Esta gira sin duda lo ayudó a relacionarse favorablemente con otros personajes del medio, tal es el caso de: Joseph Joachim, violinista y Robert Schumann. Las composiciones de Brahms sorprendieron gratamente a Schumann, quien escribió un artículo apasionado refiriéndose al joven compositor. Donde decía: Ha llegado un hombre joven a cuya cuna dieron guardia las Gracias y los Héroes, su nombre: Johannes Brahms.

El Concierto número 1 para piano y orquesta en re menor, fue su primera gran obra presentada abiertamente al público; dicha ejecución la realizó él mismo, en el año 1859, en Leipzig. Se mudó a Viena en 1863, donde asumió durante un año, el cargo como director de la Academia de canto, Singakademie.

Su Réquiem alemán fue un gran éxito, escrito sobre textos bíblicos lo lleva a obtener la fama en toda Europa, dedicado a la memoria de su madre y de Robert Schumann, se estrenó en la catedral de Brenna en el año 1868.

Tres años más tarde se trasladó a Viena, siendo nombrado director de la Gesellschaft der Musikfreunde, dejando en 1874 este puesto, para dedicarse por completo a lo que realmente le apasionaba, la composición.

A pesar de su carácter reservado, su fama fue extendiéndose, y se hizo de muchos amigos. Viajó mucho dando conciertos en esas giras. Y luego se quedó a vivir en Viena, dedicándose sólo a componer. En 1865 a 1880 compuso sus danzas húngaras. 

Brahms no se aventuró en el campo de la sinfonía hasta que alcanzó la madurez, pues aunque el primer tiempo de su primera Sinfonía en Do menor se remonta a 1855, la dejó en el cajón, y por mucho que sus amigos le acuciaban a continuarla, Brahms les contestaba: Nunca compondré una sinfonía. No tenéis idea de lo que siente un hombre como yo, cuando camina tras un gigante como Beethoven.

En el verano de 1874 volvió a trabajar en serio en la sinfonía, y en octubre de 1876 se estrenó en Viena. El director alemán Hans von Bülow, contemporáneo de Brahms, dio a esta sinfonía el sobrenombre de la Décima, por considerarla una continuación y una consecuencia de la Novena de Beethoven. Como ésta termina en Do mayor, la de Brahms termina también con un brillante final en Do sostenido.

En 1881 Brahms estrenó el segundo Concierto para piano, en si bemol mayor; en 1882, un trío y su célebre quinteto (en fa menor), para piano y cuarteto de cuerda; en 1883, para celebrar sus cincuenta años, su tercera Sinfonía.

Brahms fue una tremenda personalidad, una fuerza musical fascinadora y distinta, un compositor que puso en su música tanto de su temperamento que alcanzó el más alto rango. Brahms llevó un aspecto de la música y un modo de expresión a su culminación final, y como Bach, significó la conclusión de una época.

Recibió muchas distinciones en el extranjero y en su país. En 1874, lo distinguieron como "socio de la Academia de Artes de Berlín"; en 1877, doctor honorario de la Universidad de Cambridge; en 1881, igual nombramiento de la Universidad de Oxford; en 1885 se le concedió la Cruz del Mérito, de Prusia; en 1889, ciudadano honorario de Hamburgo.

Sus funerales congregaron a los habitantes y a las autoridades de la ciudad de Viena, y le tributaron un gran homenaje de reconocimiento y admiración. Levantaron un monumento en su honor, cerca del de Beethoven y Schubert recordando su grandeza.

Análisis musical  del 4º movimiento de la sinfonía Num. 1   

Poder escuchar como pieza individual un movimiento suelto de una sinfonía de Brahms no es algo especialmente común en las salas de conciertos actuales, pero sí lo fue durante todo el siglo XIX, en vida de su autor. Ciertamente la sinfonía es un todo unitario integrado por cuatro partes, pero era frecuente en el Romanticismo programar movimientos sueltos para su interpretación.

Este 4º movimiento es una inmensa forma de sonata. En la Exposición, el parecido del tema del Allegro con el tema de la "Oda a la Alegría de Beethoven" es lo bastante grande como para creer que Brahms era consciente de él, a pesar de sus malhumoradas respuestas a quien se lo hiciera notar. El movimiento de Brahms tiene sin embargo una estructura muy distinta a la de Beethoven.

En este finale una extensa introducción camina por territorio musical brumoso hasta que se topa con con un recurso que el compositor empleará posteriormente en todas sus sinfonías consistentes en una especie de “llamada de los Alpes”, el célebre, tema alpino: Una llamada de las trompas que ha de modificar la dirección del discurso. En una carta postal desde Suiza para Clara Schumann decía: "En lo alto de la montaña, en lo profundo del valle, te saludo mil veces". (Clara Schumann, una pianista reconocida en aquellos momentos, compositora también y con la que estableció una larga y profunda amistad que tuvo rasgos de amor platónico). Nunca se casó, aunque gozó de la admiración de muchas mujeres. Se dice, que a pesar de su simpatía y afabilidad, era muy tímido para acercarse a ellas.

En efecto, aquellas brumas se desvanecen y desde la altura de la montaña, la tonalidad de do mayor muestra un renovado optimismo y una energía con la que el compositor manifiesta que podrá enfrentarse a nuevos proyectos sinfónicos. Podría parecer que con este finale triunfal, exacerbado en la imperial coda, el compositor estuviese diciendo a la posteridad: “No sólo he sido capaz de componer esta sinfonía, sino que ya tengo en mi cabeza bien clara la fórmula que he de seguir para escribir varias más”. Su estilo es el del más puro Brahms, con derroches de contrapunto, densidad orquestal, expresividad en todos los niveles y un componente melódico arrollador.

Tras el complejo epílogo, en lugar de seguirse con el Desarrollo, se llega a la Reexposición del primer tema, y es entonces cuando comienza el gran Desarrollo central. Con una extraordinaria elaboración se llega a un punto culminante con una nueva cita del 'tema alpino'.

El movimiento acaba en un Do Mayor radiante y en un triunfo sin dudas, en una stretta final durante la cual se cita todavía el Coral de la introducción.

Aunque Brahms pueda aparecer como el adalid de la música absoluta, elementos como el 'tema alpino', el Coral, y las citas y alusiones a Beethoven y a Schumann demuestran la existencia secreta de ser algo parecido a un 'programa'.

Referencias

La orquesta aborda una parte en la que disminuye la presencia de los timbales.

La trompa toca el tema de la introducción. Tiene un sonido profundo y suave. Es un sonido precioso, alargado. Hay 4 trompas, pero aquí solo tocan 2, aunque no lo hacen al tiempo, sino alternando compases, para superponer así sus sonidos. Cuando uno entra, el otro sale. Se hace así para evitar silencios por culpa de la respiración. Lo indicó el propio Brahms en la partitura.

Termina el solo de trompa y la flauta retoma el tema. Las flautas se alternan. Entre la primera y la segunda se superpone.

Termina el solo de flauta y es la sección de viento la que retoma el tema. 3 trombones, 2 fagots y un contrafagot.

Los trombones suenan por primera vez. Parece como si hubiera estado esperando la oportunidad de hacerlo. Más adelante, como si en un cielo nublado se abriese un claro, encuentran su camino a través de la mayestática y solemne sección de cuerdas para volver a un breve sol. Después de un impresionante silencio, las cuerdas entran pausadamente y tocan el famoso tema principal de la sinfonía. La sección introductoria, centrada en los solos de trompas, la más importante, conduce directamente a esa famosa sección.

Fuentes: 

Haruki Murakami y Seiji Ozawa. MÚSICA SÓLO MÚSICA

Internet

Gonzalo Díaz-Arbolí