Resumen biográfico de Carl Orff y su obra Cármina Burana

Compositor alemán, nace y muere en Múnich, (1895-1982). Comenzó a estudiar piano, órgano y violonchelo apenas tenía cinco años. Al acabar el bachiller estudió composición en la Academia de Música de Múnich, graduándose en 1914. Como el plan de estudios era muy conservador, se dedicó a explorar, por su cuenta, el repertorio musical contemporáneo que era lo que realmente le interesaba. Orff se sentía descontento con las clases de composición recibidas en la Academia por lo que, en 1920, reanudó sus estudios con el distinguido profesor Kaminski. En la búsqueda de un estilo musical propio, descubrió la música del Barroco temprano.

¿Qué es Cármina Burana?

Cármina Burana es una cantata que utiliza como texto algunos cantos medievales de los goliardos de los siglos XII y XIII, inspirada en las óperas de Monteverdi, con representación escénica opcional que el compositor alemán Carl Orff (1895-1982) escribió para dos coros, tres cantantes solistas (soprano, tenor y barítono) y orquesta sinfónica basado en 23 poemas sobre amor libre, naturaleza, placer, vino y engaño creados por monjes benedictinos del siglo XII que se fugaron de un convento de Beuern (Alemania) para desnudarse en público, frecuentar prostíbulos y robar comida.

Habla sobre cómo el destino de las personas está regido por los caprichos de la fortuna. Por lo tanto, ante un futuro tan impredecible, lo más inteligente es disfrutar mientras se pueda.

La obra se estrenó con éxito el 8 de junio 1937 en Fráncfort y conforma la parte inicial de Trioinfi, trilogía de cantatas escénicas que se completa con Catulli Cármina (1943) y Trionfo di Afrodite (1953). Destaca también su abundante y espléndida percusión.

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El nombre de la obra Cármina burana procede del latín cármĕn -inis: ‘canto, cántico o poema’ (no confundir con la palabra árabe carmén: ‘jardín’), y burana es el adjetivo gentilicio que indica la procedencia: ‘de Bura’ (el nombre latino del pueblo alemán de Benediktbeuern). El significado del nombre es, por tanto, ‘Canciones de Beuern’.

Aunque generalmente se encuentra escrito Carmina (sin tilde, como en el original latín) se pronuncia /kármina/. Para evitar que un hispanohablante pronuncie la palabra erróneamente (lo cual sucede con mucha frecuencia entre músicos y locutores), la RAE sugiere que a las palabras latinas se les coloque la tilde (en casos como este en que la ortografía latina no coincide con la española).
 

El códice recoge un total de 300 rimas, escritas en su mayoría en latín (aunque no con metro clásico), algunas partes en un dialecto del alto alemán medio, y del francés antiguo.

Fueron escritos hacia el año 1230, posiblemente en la abadía benedictina de Seckau o en el convento de Neustift, ambos en Austria.

Letra del poema "O fortuna"

Oh Fortuna,

como la Luna

variable de estado,

siempre creces

o decreces;

Vida detestable

ahora oprime

después alivia

como un juego,

a la pobreza

y al poder

derrites como al hielo.

Suerte monstruosa

y vacía,

tu rueda gira,

perverso,

la salud es vana

siempre se difumina,

sombrío

y velado

también a mí me mortificas;

ahora en el juego

llevo mi espalda desnuda

por tu villanía.

La Suerte en la salud

y en la virtud

está contra mí,

me empuja

y me lastra,

siempre esclavizado.

En esta hora,

sin tardanza,

toca las cuerdas vibrantes,

porque la Suerte

derriba al fuerte,

llorad todos conmigo.

 

Para los interesados en escuchar la obra completa, pulsen sobre la imagen

Fuente:Wikipedia, Youtube

Gonzalo Díaz Arbolí

Calzadas de piedras de Vejer de la Frontera

Tenemos que reconocer que en el tema de calzadas en España las cosas están bastante enredadas, principalmente porque se han catalogado calzadas romanas sin serlo y en Vejer aunque los caminos empedrados que nosotros sepamos carecen de catalogación específica, nosotros reconocemos que siempre hemos visto vestigios romanos donde no los hay.

Tuvimos la oportunidad de consultar al ilustre ingeniero civil, historiador y comunicador Isaac Moreno Gallo, durante su visita a Cádiz, y mostrándole fotografías de nuestras calzadas nos descartó por sus características que fuesen romanas, como alguna de la Sierra de Cádiz visitadas insitu por Isaac al igual que en otros caminos de toda España, catalogados como calzada romana pero sin serlo.

Las famosas calzadas de Vejer de la Frontera no son de origen romano.

En nuestras humildes posibilidades hemos investigado que pertenecen a la red de caminos medievales, andalusíes y de herradura. Aunque ciertamente es posible que parte del trazado se superpone a vías romanas, el empedrado actual se construyó o reparó durante los siglos XIII al XIX.

Los detalles sobre su construcción y trazado incluyen; origen andalusí y medieval.

Tras la conquista y durante la época en la que Vejer se convirtió en ciudad de frontera con el Reino de Granada, los árabes y cristianos durante el dominio de cada uno, acondicionaron y pavimentaron esta red de caminos que conectaba el promontorio amurallado con la campiña, el río y Medina.

Trazado o reparaciones de siglos pretéritos: En gran parte de la villa, el adoquinado y empedrado (diseñado con un ligero relieve lateral para el drenaje del agua de lluvia) fue instalado entre los siglos XVI y XIX.

Autoría: No existe un único autor. Fueron ejecutadas por los cabildos, concejos y vecinos de la época (incluyendo el señorío de la Casa de Medina Sidonia), quienes empedraban las calles y caminos de acceso como obra pública local para facilitar el tránsito de personas, bestias de carga y mercancías.

No obstante citada y situada por Plinio el Viejo, Claudio Ptolomeo y Pomponio Mela, así como en el VI Itinerario de Antonino, en la Tabula Peutingeriana y en el Anónimo de Rávena situaban... la Vía Heraclea, entre Baelo Claudia y Mergablum (Sancti Petri), y de ella partía la Vía Asido, que llegaba hasta la actual Medina Sidonia y de allí a Hispalis... "por aquí cerca" (por decir algo, eludiendo algún error de ubicación).

Tradicionalmente este punto se ha identificado con Vejer de la Frontera y con su puerto fluvial en lo que actualmente es la Barca de Vejer donde las naves "onerarias " arribaban al resguardo del desaparecido estuario del río Bessilus cargando en este nudo, en este cruce de caminos marítimo terrestre vino, cereal y aceite, principalmente.

Son los historiadores y arqueólogos los que deben construir un relato coherente y científico-técnico en todo momento en relación con y a todo ello para su correcta puesta en valor cultura, histórico y patrimonial.

¿Como eran las carreteras romanas?

El retrato de la Condesa de Chinchón: una obra maestra de Francisco de Goya

Entre las grandes creaciones de Francisco de Goya, el Retrato de María Teresa de Borbón y Vallabriga, Condesa de Chinchón, ocupa un lugar privilegiado por la delicadeza con la que el artista logra transmitir la personalidad y el estado de ánimo de su modelo. Pintado en abril de 1800, pocos meses después del célebre retrato de La familia de Carlos IV, este lienzo es considerado una de las obras más refinadas del pintor aragonés.

La protagonista aparece sentada en un elegante sillón, vestida de blanco y envuelta en una atmósfera de calma y recogimiento. No hay elementos decorativos que distraigan la atención del espectador: toda la composición está concebida para dirigir la mirada hacia la figura de la joven condesa y hacia la sutileza de su expresión.

Con apenas veinte años, María Teresa estaba embarazada de su primera hija cuando posó para Goya. El pintor sugiere este momento vital con una extraordinaria sensibilidad. La posición de los brazos crea una forma que parece proteger el vientre, mientras la serenidad de su rostro y su mirada ligeramente melancólica transmiten una mezcla de dulzura, introspección y resignación.

Uno de los aspectos más admirables de la obra es la maestría técnica de Goya. El vestido blanco, aparentemente sencillo, está construido mediante pinceladas rápidas, enérgicas y llenas de libertad. Los pliegues del tejido cobran vida gracias a la combinación de luces y sombras, mientras que pequeños empastes de pintura blanca destacan las zonas más iluminadas, como el pecho, las rodillas y el vientre, aportando volumen y luminosidad al conjunto.

A pesar de la soltura de la ejecución, el artista no renuncia al detalle. Los anillos de la condesa, el delicado tocado formado por gasa blanca, lazos azules y espigas verdes de trigo, así como los sutiles matices del rostro y las manos, demuestran la extraordinaria capacidad de Goya para combinar espontaneidad y precisión.

Sin embargo, este retrato guarda también un fascinante secreto. Los estudios realizados mediante técnicas de análisis del soporte han revelado que bajo la imagen visible se esconden dos retratos anteriores pintados por el propio Goya. El primero representaba a José Álvarez de Toledo y Gonzaga, Duque de Alba, acompañado de instrumentos musicales y una partitura de Haydn. Posteriormente, el artista cubrió esa pintura con un retrato de Manuel Godoy. Finalmente, giró el lienzo y utilizó el reverso para crear el retrato definitivo de la Condesa de Chinchón, ocultando para siempre las dos composiciones anteriores.

Esta sorprendente historia añade un valor excepcional a una pintura que ya destaca por su belleza y calidad artística. El retrato no solo constituye uno de los mejores ejemplos del talento de Goya como retratista, sino que también refleja su capacidad para captar la dimensión más íntima del ser humano, más allá de la apariencia y del rango social.

Hoy, el Retrato de la Condesa de Chinchón sigue emocionando por la elegancia de su composición, la delicadeza de su ejecución y la profundidad psicológica de una figura que parece permanecer suspendida en un instante de silenciosa reflexión. Es una obra en la que la sencillez se convierte en belleza y donde cada pincelada revela el genio de uno de los mayores maestros de la pintura española.

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Goya y 'La condesa de Chinchón' · El Auriga del Arte

Este año (2021) celebramos el 275º aniversario el nacimiento de Francisco de Goya (1746-1828), y para celebrarlo os presento este maravilloso retrato de La Condesa de Chinchón (1800), sin duda uno de los más bellos y delicados retratos pintados por el genial pintor aragonés.

Bach y la fascinante relación entre la música y las matemáticas

La relación entre la música y las matemáticas ha fascinado al pensamiento occidental desde la aparición de Pitágoras, el sabio de Samos que fue iniciado por los sacerdotes egipcios en los misterios del cosmos y quien creyó percibir un mismo patrón matemático.

Imprescindible mencionar a Euclides otro matemático y geómetra griego, muestra en sus algoritmos geométricos, una clara relación con los ritmos de la música clásica y moderna.

Las matemáticas están en todos lados. Se dice que los músicos y matemáticos tienen una forma de pensar muy parecida, con lenguajes universales, abstractos y en busca de la belleza. De ahí el famoso teorema expresado en la frase “hay geometría en la vibración de las cuerdas, hay música en los espacios entre las esferas”.

Quizás el mejor representante de esta tradición matemático-musical es Johann Sebastian Bach, el músico barroco alemán que nació el 31 de marzo de 1685 en Eisenach, y murió el 28 de julio de 1750 en Leipzig.

La estructura de sus obras es pura geometría La genialidad alcanza su cénit con el contrapunto y la fuga, composiciones en las que la estructura geométrica es incuestionable. Se parte de uno o varios temas y se les somete a transformaciones geométricas que mantienen la forma del tema: traslaciones, giros y simetrías que confieren a la obra una estructura muy rígida, pero en la que el compositor encontró una fuente de inspiración. Se planteaba las fugas con el mismo rigor estructural que un geómetra, pero les añadía una velocidad y brillantez en la improvisación, que resultaron admirables.

Bach vivió en una época de auténtica revolución intelectual a la que, sin duda, contribuyó desde la Música. Probablemente ningún músico haya innovado y aportado tanto a la música en síntesis, organización y maestría técnica como él. En la inscripción de "Quaerendo Invenietis" (Busca y deberás encontrar) en su colección, Ofrenda musical, BWV 1079, una de las grandes obras maestras de simetría musical y en la cual se revela la visión toral de Bach. 

Como demostración pueden escuchar:  El arte de la fuga, BWV 1080. 

Está considerada una de las obras maestras de la historia de la música, la más teórica con una compleja y magnífica demostración de su conocimiento contrapuntístico. Fluye como una secuencia matemática, su melodía está compuesta a partir de las lineas melódicas, primero plantea el tema en el preludio, como si nos diera una pista, después va sumando las lineas, las combina trenzadas una con otras, sumando las líneas y todo eso con dos manos, es como un puzle.

Lo que resulta mágico de Bach es que cuanto mas lo escuches, más consigue diferenciar mentalmente una de otras.  Su música no deja nada al azar y ayuda a reflexionar.

Fue publicada, inconclusa, en 1751 tras la muerte de su autor. Compuesta con la idea de que fuese un conjunto de ejemplos de las técnicas del contrapunto, está formada por 14 fugas (la última fuga quedó incompleta) y cuatro cánones, todos sustentados en el mismo tema en Re menor, aparentemente simple. Fue publicada sin indicación alguna de instrumentación ni su orden, lo que ha dado lugar a numerosas versiones.

Está compuesta por 14 fugas que son:

4 fugas simples (Contrapunctus I - IV)

3 fugas con respuestas invertidas (Contrapunctus V - VII)

4 fugas dobles / triples (Contrapunctus VIII - XI)

2 fugas espejo (Contrapunctus XII - XIII)

Fuga cuádruple inconclusa (Contrapunctus XIV)

Y 4 Cánones

Canon per Augmentationem in contrario motu

Canon alla Ottava

Canon alla Duodécima in contrapunto alla Quinta

Canon alla Décima in contrapunto alla Terza

La Fuga es un género musical, usando el contrapunto entre distintas melodías, que se gestionan para lograr una buena armonía.

El Canon es también el uso del contrapunto, pero con una sola melodía. Eso sí, con dos o más voces que llevan esa melodía retrasada en el tiempo o interpretada en un tono diferente. O haciendo como un "palíndromo" musical en esas diferentes voces.

Observen gráficamente la estructura de un palíndromo musical

Se denomina BACH, en música a la secuencia de notas siguiendo la anotación anglosajona que asocia las notas con las letras:

si bemol  se representa por la letra B, 

la              es una A, 

do            se corresponde con la C,

si              con la H; por lo que al componerlo resulta dicho nombre.  

Alguien que oculta su nombre en sus composiciones es aficionado a los enigmas muy enrevesados.

Pero todo esto es sólo accesorio a la experiencia de escuchar su música y sentir su belleza. Pitágoras creía que cierta música podía usarse como medicina y como una herramienta para aumentar la conciencia de sus estudiantes.

La música de Bach tiene cualidades sorprendentes, como explica Joel Robertson en su libro Natural Prozac, es capaz de relajar y energizar a las personas, incluso estimulando la producción natural de serotonina.

Basta referir el redescubrimiento de su obra, para describir la admiración de Mozart al oír sus motetes, el asombro de Goethe, a quien Zelter y Mendelssohn hicieron presentir el genio del viejo cantor, la devoción de Beethoven o de Schumann por El clave bien templado, la resurrección de La Pasión según San Mateo, por Mendelssohn, o el apostolado de List en favor de las piezas de órgano.

En el momento en que Bach abandona esta tierra, ¿cómo no pensar en la sublime aria de bajo de la cantata BWV 159, donde tal sufrimiento se transmuta en tal bienaventuranza? ¡Todo se ha consumado!  ¡Ya no existe el dolor!  ¡Dios perdona nuestros pecados!  ¡Todo se ha consumado!  ¡Buenas noches mundo!...

Su música es una ofrenda a la divinidad, y en ella la gloria divina se transparenta.

Fuente: Internet y serie de TV "Bright minds. T. 1 capítulo 9.

Gonzalo Díaz-Arbolí

Vejer al amanecer. Música Peer Gynt