El sábado 23, día de su cumpleaños, comenzará con la ya tradicional ofrenda floral ante la casa natal de Manuel de Falla. El Ateneo de Cádiz, lleva casi 30 años realizando este acto para revalorizar su figura con la colaboración permanente de la familia Trigueros, propietaria de la casa natal de Falla con este homenaje anual.
Este año, en la puerta del edificio, ubicado en la plaza de Mina, actuará el grupo de oboes de Conservatorio Manuel de Falla de Cádiz para interpretar piezas de Falla, mientras que sobre la una del medio día habrá un concierto de piano, en la misma plaza gaditana, a cargo del músico Juan José Sevilla Valencia.
Manuel de Falla
Protagonista del nacionalismo musical, uno de los más importante de la primera mitad del siglo XX, y uno de los compositores españoles más importantes de todos los tiempos. Perteneció a una acomodada familia de comerciantes gaditanos y recibió una sobresaliente formación musical. Siendo un niño cursó estudios de música con su madre y otros profesores. De 1905 a 1907 fue profesor de piano en Madrid, y entre 1907 y 1914 estudió y trabajó en París.
Entre sus obras más célebres se encuentran la pantomima El amor brujo, el ballet El sombrero de tres picos, las Siete canciones populares españolas para voz y piano, la Fantasia Baética para piano y Noches en los jardines de España, todas ellas compuestas al regreso de su estancia en París. Además, compuso la ópera La vida breve, una ópera para marionetas, El retablo de Maese Pedro, el Concierto para clave y cinco instrumentos, varias zarzuelas (aunque la única que se representó fue Los amores de la Inés) y varias obras vocales, para piano y música de cámara. Su última obra, Atlántida, la terminó su discípulo Ernesto Halffter y se publicó después de la muerte del compositor.
Ejerció una gran influencia sobre el Grupo de los Ocho y la Generación del 27. El Archivo Manuel de Falla, inaugurado en Granada en 1991, guarda numerosas fotografías, cartas, partituras, manuscritos y otros documento.
El 22 de diciembre de 1946 sus restos son embarcados rumbo a España y, acompañados de su hermana María del Carmen, arriban al puerto de Cádiz el 9 de enero de 1947. Su cuerpo será depositado definitivamente en la cripta de la catedral de su ciudad natal.
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Traslado de los restos mortales de Manuel de Falla a Cádiz, 1947
Sin duda es la Danza del fuego la página más apreciada de El amor brujo, y una de las más universales de la música española: se trata de una danza compuesta por tres motivos de carácter rítmico, casi obsesivos, acorde con la escena de conjuro y encantamiento que intenta evocar.
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Gitanería de Manuel de Falla, "El Amor Brujo
El 15 de abril de 1915, se estrenó la primera versión de esta obra, espectáculo ideado para poner de manifiesto las cualidades de la gran Pastora Imperio como cantaora, actriz y bailaora.
Sinopsis: “Una gitana enamorada y no demasiado bien correspondida acude a sus artes de magia, hechicería o brujería, como quiera llamarse, para ablandar el corazón del ingrato, y lo logra, después de una noche de encantamientos, conjuros, recitaciones misteriosas y danzas más o menos rituales, a la hora del amanecer, cuando la aurora despierta el amor que, ignorándose a sí mismo, dormitaba; cuando las campanas proclaman su triunfo exaltadamente”
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León Felipe (cuyo verdadero nombre era Felipe Camino Galicia de la Rosa) fue un destacado poeta español, nacido en Tábara (Zamora) el 11 de abril de 1884 y fallecido en Ciudad de México el 18 de septiembre de 1968.
Principales hitos biográficos:
Orígenes y juventud: Nació en el seno de una familia acomodada (su padre era notario). Estudió Farmacia y ejerció como boticario, aunque su vida temprana fue muy inestable: trabajó como actor en una compañía de teatro itinerante, vivió una época de bohemia y pasó tres años en prisión (en el penal de El Dueso) acusado de un desfalco.
Inicios literarios: En 1920 adoptó el seudónimo de León Felipe y publicó su primer poemario relevante, Versos y oraciones del caminante. También viajó por distintos países, trabajó como administrador de hospitales en Guinea Española y fue profesor e instructor de español en universidades de Estados Unidos.
Exilio y Guerra Civil: Tras estallar la Guerra Civil Española, se alineó con la causa republicana y regresó brevemente a España. Crítico con los conflictos internos del bando republicano, abandonó el país a finales de 1937 hacia México, nación que se convertiría en su hogar definitivo.
Madurez y obra: En el exilio mexicano alcanzó su madurez poética y se consolidó como una de las voces más intensas del exilio republicano. Su poesía se caracteriza por un tono combativo, profético y social, con fuertes influencias bíblicas.
Me voy sin haber recibido mi legado
sin haber cultivado mi huerto,
sin haber sentido el beso de la siembra y de la luz.
Me voy sin haber dado mi cosecha,
sin haber encendido mi lámpara,
sin haber repartido mi pan...
Me voy sin que me hayáis entregado mi hacienda.
Me voy sin haber aprendido más que a gritar y a maldecir,
a pisar bayas y flores...
me voy sin haber visto el amor,
con los labios amargos llenos de baba y de blasfemias,
y con los brazos rígidos y erguidos, y los puños cerrados,
Pocos personajes en la historia de la literatura han despertado tanta fascinación y debate como Teresa de Ávila, también conocida como Teresa de Jesús. Santa para el mundo católico, escritora y pensadora para la historia de las letras, su figura sigue siendo un puente entre la fe, la pasión y la libertad interior. En pleno Siglo de Oro, cuando la voz de las mujeres apenas encontraba espacio, Teresa logró hacerse escuchar con una fuerza que aún hoy resuena.
Desde niña, Teresa mostró una curiosidad insaciable. Leía todo lo que caía en sus manos, desde libros de caballerías hasta tratados religiosos. Su imaginación, su deseo de comprender el mundo y su inteligencia natural la convirtieron en una mente inquieta. Pero la sociedad del siglo XVI tenía destinos trazados para las mujeres: el matrimonio o el convento. Teresa eligió el segundo, aunque no como un refugio, sino como una forma de independencia. Decidió, como ella misma decía, “casarse con Dios”, un gesto que le permitió escapar de las obligaciones del matrimonio y consagrar su vida al pensamiento y la escritura.
Dentro de los muros del convento, Teresa encontró su verdadera voz. En un tiempo en que las mujeres no podían enseñar ni escribir libremente sobre teología, ella escribió sobre lo más íntimo de la experiencia espiritual: el encuentro del alma con Dios. Pero su lenguaje iba mucho más allá de lo religioso. En sus obras —como *El libro de la vida* o *Las moradas*— el amor divino y el amor humano se confunden hasta volverse inseparables. La pasión mística se expresa con imágenes de un erotismo delicado y poderoso, que ha desconcertado e inspirado a generaciones de lectores.
Su poesía, de una intensidad sorprendente, convierte a Dios en símbolo del deseo más profundo. En versos como “Vivo sin vivir en mí, / y tan alta vida espero, / que muero porque no muero”, se percibe esa tensión entre lo espiritual y lo corporal, entre el ansia de unión con lo divino y los límites de la existencia humana. Esa ambigüedad es, precisamente, lo que hace de Teresa una figura tan moderna: entendió que el cuerpo y el alma no son enemigos, sino partes de una misma búsqueda.
“Nada te turbe” es un poema que santa Teresa de Jesús llevaba manuscrito en un trozo de papel para señalar las páginas de su breviario.
Nada te espante,
Todo se pasa,
Dios no se muda,
La paciencia
Todo lo alcanza;
Quien a Dios tiene
Nada le falta:
Sólo Dios basta.
Pero Teresa no fue solo una mística en trance. También fue una reformadora valiente. Luchó por renovar la orden del Carmelo, impulsando una vida religiosa más austera y auténtica. Esa labor le ganó tanto admiradores como enemigos, y durante su vida tuvo que enfrentarse a la desconfianza de la Inquisición y al poder eclesiástico. Sin embargo, su determinación la llevó a fundar diecisiete conventos y a construir una red espiritual y humana que transformó el monacato femenino.
Su reconocimiento llegó siglos después, cuando en 1970 el Papa Pablo VI la nombró Doctora de la Iglesia, la primera mujer en recibir ese título. Un homenaje merecido para quien, con su pluma y su fe, abrió un camino intelectual en un mundo que apenas reconocía la voz de las mujeres.
Hoy, leer a Teresa de Ávila es asomarse a una mente lúcida, apasionada y libre. Su escritura trasciende lo religioso y se convierte en una meditación sobre el deseo, la palabra y la búsqueda interior. En tiempos en que se cuestionan los límites entre razón y emoción, fe y pensamiento, su figura reaparece con fuerza: una mujer que, en medio del silencio impuesto, se atrevió a pensar, a escribir y a sentir.
Teresa de Ávila no solo fue una santa. Fue, sobre todo, una mujer que hizo de la palabra un acto de libertad.
En este video, exploramos la vida fascinante y el legado perdurable de Santa Teresa de Jesús. Desde su temprana vida en Ávila, pasando por su profunda conversión espiritual, hasta su misión de reformar la orden carmelita.
21 de junio: Día Internacional de la Música conmemora todo el arte y la historia musical existente alrededor del mundo sin importar su género. El Día fue creado por el Consejo Internacional de Música en el año de 1975 gracias a Yehudi Menuhim, violinista y presidente del Consejo. Sin embargo, fue la Sociedad Internacional de Educación Musical quién dio un impulso a la celebración en el año de 1980, al declararlo como Día Internacional. El objetivo principal de este día no es sólo recalcar las bondades e importancia del arte musical alrededor del mundo, sino también promover la paz y la amistad de las naciones a través de la unión que causa la música. Es bien sabido que la música es una forma de arte universal que traspasa barreras y que puede unir poblaciones bajo un mismo propósito. Hecho por el cual la celebración toma cada vez más fuerza.
Para celebrarlo, qué mejor que ver y escuchar a uno de los grandes compositores, Gustav Mahler, en su "Quinta Sinfonía en do sostenido menor". FELIZ DÍA DE LA MÚSICA.
Gustav Mahler nació el 7 de julio de 1860, muere el 18 de mayo 1911. Se crió en el seno de una familia judía de lengua alemana.
A la edad de 4 años empezó a tocar el viejo piano de sus abuelos, en cuya interpretación no tardó en exhibirse como un virtuoso. Cursó estudios en el Conservatorio de Viena y de Filosofía en la misma ciudad. En vida tuvo mucho más éxito como director que como compositor.
Sinfonía Quinta en do sostenido menor de Mahler: Fue concebida en cinco movimientos:
Primer movimiento: Marcha fúnebre que comienza con una fanfarria de trompetas cuyo ritmo domina el movimiento.
Segundo movimiento: Se basa en el material de ese demoníaco primer trío de la marcha inicial.
Tercer movimiento: Scherzo es el más largo de la sinfonía y por sí mismo comprende la segunda parte de la obra.
Cuarto movimiento: Comienza con el Adagietto, probablemente el "mayor éxito" de Mahler, que a menudo ha sido interpretado como una pieza independiente, Este lento movimiento hace callar a todos en la orquesta excepto a las cuerdas y el arpa.
Quinto movimiento: Brillante Rondo-Final, una animada celebración coronada por el regreso del tema del coral del segundo movimiento.
Mahler comenzó su composición en 1901, después de una grave enfermedad. Durante su convalecencia realizó el esquema de los primeros movimientos. No estaba solo, le acompaña su radiante esposa Alma, que además ayudaba a su esposo en su aspecto musical por tener amplios conocimientos de música. Entre ellos copiar la partitura de la nueva sinfonía.
Allí compone el famoso adagietto y el movimiento final. Cuando termina la partitura, la interpreta al piano para su amada esposa. Seguirá corrigiendo su obra no terminándola hasta el otoño de 1903.
Decide estrenar la nueva sinfonía en el ciclo de los Gürzenich Konzerte de Colonia, el 18 de octubre de 1904 con la Filarmónica de Viena. Pero la reacción del público y la crítica estuvo dividida.
Primer movimiento:
Marcha fúnebre, con paso mesurado, estricto, como una procesión fúnebre, consiste en dos secciones intermedias a modo de tríos. Empieza con una fanfarria de la trompeta que da paso a una marcha fúnebre de estilo militar. Un segundo elemento se añade en forma de una triste melodía de los violoncelos siguiendo el ritmo de la marcha. Toda esta primera sección se repite de forma variada. La fanfarria inicial da inicio al primer trío. Un episodio violento que termina al regresar la fanfarria inicial y los temas de la marcha. Un redoble de los timbales siguiendo el motivo de la fanfarria, da inicio al segundo trío, que se inicia por los violines y toma elementos del primer tema es forma variada. Termina con un crescendo, después del cual retorna la fanfarria inicial hasta dejar a la trompeta en solo. En la coda aparecen elementos de la marcha que se van desdibujando hasta desaparecer.
El segundo movimiento:
Tempestuosamente agitado. Con la mayor vehemencia. Empieza de modo agitado y expresionista, los violines presentan una torturada melodía que es detenida por los metales. Luego la orquesta queda totalmente inestable, hasta que aparece el segundo tema, basado en la melodía del segundo trío del movimiento anterior. Se regresa al ambiente agitado del principio del movimiento, siendo detenido por una amplia cantinela de los violoncelos a la que van añadiendo otros elementos. Sigue un desarrollo complicado donde se mezclan los elementos anteriores en atrevidos contrapuntos, llevando a la música a un estado de excitación creciente hasta la recapitulación con la torturada melodía inicial de los violines. Siguen citas de los temas siguientes y empieza una lucha entre ellos hasta que es detenida por un coral en forma de solemne himno en dos partes, separadas por una fanfarria. Se retorna a la agitación expresionista inicial que culmina en un climax. Regresa la calma, terminando con la disolución de los elementos de la marcha.
Tercer movimiento:
Vigoroso, no demasiado rápido. Se trata de un complicado scherzo mezclado con elementos de sonata. Los temas usados son una cadena de ligeros valses derivados de los ländler alemanes. Una llamada de la trompa introduce el primer vals, en un estilo cercano al de Richard Strauss. El segundo vals es interpretado en un tempo más lento. Reaparece el primero en una sección de desarrollo de los temas. Una frase de la trompa antecede al trío. Comienza con un extraordinario pizzicato de la cuerda con temas derivados de los anteriores. Continua con un propio desarrollo antes de regresar a la sección del scherzo en forma de recapitulación. La entrada de las trompas lleva el movimiento a su final.
Cuarto movimiento:
Famoso adagietto, para cuerda y arpas, que tanta fama a dado a Mahler, por su inclusión en la música del film de Visconti, “Muerte en Venecia”.
El arpa prepara la entrada del tema principal, una soñadora melodía de la cuerda, que es repetida luego en modo menor, lo que le da un carácter de tristeza. La expresión aumenta llegando a su climax. La sección central es más dramática y se repite en forma variada. En la tercera parte se reexpone la sección inicial, iniciada por el arpa. Su climax es más intenso que el de la primera parte, terminando después con una tranquila coda.
Este Adagietto fue la declaración de amor de Gustav Mahler a Alma. En lugar de una carta, lo confió a este movimiento sin una palabra de explicación.
Quinto movimiento:
Es un allegro en una forma ampliada de rondó que contiene también elementos de sonata. El tema principal es de carácter alegre y popular. El segundo tema deriva del adagietto. A estos dos temas se añade una sección fugada. Con estos elementos Mahler construye su edificio. Al principio la madera interpreta varios motivos. Entre ellos se encuentra un tema empleado anteriormente en uno de sus lied. Es el motivo interpretado por el fagot.
La obra rebosa un estado de ánimo especial. De todas sus sinfonías es probablemente la que aglutina de manera más evidente sus obsesiones: la muerte, el amor, la exaltación de la naturaleza, los paisajes campestres, la música popular…Se dice que es la más optimista de todo su ciclo sinfónico.
El delicado Adagietto, un prodigio de honda sencillez, está concebido para cuerda y dos arpas, prescindiendo de cualquier otro colorido tímbrico.
Gustav Mahler entendió musicalmente el amor a través del Adagietto y de otros fragmentos no tan célebres, pero igualmente hermosos, que también dedicó a Alma. El regalo a su esposa queda para la historia.
Comienza con una conversación que mantenía con el historiador D. Antonio Muñoz Rodríguez que, me preguntaba si mi familia conservaba algún tipo de documentación sobre la segregación de las aldeas de Barbate y Zahara de los Atunes.
Me contó que su padre, D. Antonio Muñoz, tantos años Alcalde de buen gobierno de Vejer, le había dicho que, D. José Arbolí Navarro, entonces Secretario en propiedad del Excmo. Ayuntamiento de Vejer de la Frontera, se había negado a firmar el acuerdo "De los Caños de Meca" alcanzado por los dos alcaldes de entonces. La fecha de la firma, en 1938 y las circunstancias especiales de la Guerra Civil Española, hicieron posible el agravio en los términos y las condiciones que la justificaban,a las que mi abuelo, jurista reconocido, se oponía con firmes argumentos. Le contesté que no conservamos nada y contándole su historia y la de mis antepasados, me invitó a que la escribiese para su publicación en el Boletín de la Sociedad Vejeriega de Amigos del País.
Encantado me puse manos a la obra, por pertenecer a la Sociedad y por mi amor, por mi profundo amor a Vejer y a todo lo que con él se relacione. Sólo esto justifica esta modesta aportación a la historiografía local.
Aunque el apellido Arbolí no tiene arraigo en Vejer de la Frontera, sin embargo, su corta permanencia ha dejado una profunda huella y ha quedado ligado a él, incrustado en el corazón de sus descendientes y sedimentada en la memoria a través de los años, inculcado por mis padres José Díaz Muñoz, vejeriego antiguo, y mi madre María Luisa Arbolí Romaríz. Actualmente no vivimos en Vejer ninguno de sus nueve hijos, a pesar de ello, sus nietos y biznietos, todos, sentimos la llamada de nuestros orígenes, nuestra vocación, nuestros olores, nuestra nostalgia, nuestro pueblo: Vejer de la Frontera. Y todavía de allí conservamos nuestros mejores recuerdos, nuestros mejores amigos y nuestros primeros amores.
Mi tío, José Arbolí Romaríz casó con la vejeriega Francisca Guerra Guerra, se establecieron en Cádiz. Lamentablemente, murió joven y no tuvo descendencia.
Mi tía Carmen Arbolí Romaríz casó con Luis Babuglia Marín, entonces aparejador que construía el actual edificio del Salón de Plenos del Ayuntamiento de Vejer (Los antiguos comedores) y al finalizar la obra se marcharon residiendo en distintas ciudades de España,. Oviedo, Gijón y mas tarde en Don Benito, (Extremadura).
Familia Arbolí Romaríz: Abuela Ana, M. Luisa, Carmen y Pepe
Fue a partir de 1923 cuando el apellido Arbolí se vincula a Vejer. Mi abuelo José Pablo Arbolí Navarro, Secretario entonces del Ayuntamiento de Chipiona, por motivos familiares, a pesar de tener asignada su plaza en el Ayuntamiento de Cádiz, pide su traslado a Vejer, donde trabajó como Secretario Titular del Excmo. Ayuntamiento hasta 1942, fecha de su muerte. Tenía 68 años.
La Corporación Municipal bajo mazas. La flecha roja indica al secretario, José Arbolí. Año de 1926
Había nacido en la Habana, (Cuba) en 1874, fruto del matrimonio entre José M. Arbolí y Weidner, entonces capitán de Infantería de Marina, destinado en Cuba y María Luisa Navarro y Acosta, natural de Puerto Príncipe, hoy llamado Camagüey; retirado en 1889 con el grado de Coronel del Ejército Español y condecorado con la Gran Cruz de la Real y Militar Orden de San Hermenegildo entre otras. Tras su vuelta a España en 1878 con su hijo, ya muerta su esposa, es destinado a Mahón, posteriormente a Barcelona y nuevamente a Cuba (Guantánamo), Cartagena y San Fernando.
Debido a este constante cambio de destinos, deja a su hijo José Pablo, -el nombre se lo habían puesto por su abuelo materno- con su tía abuela María, que vivió y cuidó durante muchos años a su hermano el Obispo de Cádiz, Juan José Arbolí y Acaso. Bajo su tutela vive, se educa y acaba sus estudios de licenciado en derecho. Mi bisabuelo vuelve a contraer matrimonio con Elisa Elmer Freshivater.
Los testimonios oídos de los que le conocieron hablan de su caballerosidad, de su entrega al trabajo y a sus amigos, de su elegancia en su porte y en su trato, todo ello fruto de una exquisita educación recibida en la casa donde se crió y donde a lo largo de su infancia y adolescencia, cimentó lo que luego serían sus principios morales y éticos, que a lo largo de toda su vida personal, social y laboral puso de manifiesto en todas sus actuaciones.
Gran aficionado al cante flamenco, recuerdo haber visto en casa “placas de gramófono” de los grandes de la época: Chacón, M. Torre, La Niña de los Peines…. y también recuerdo haber oído a mi madre decir que cantaba muy bien las peteneras. Como gran lector poseía una excelente biblioteca. Era uno de los contertulios de la rebotica de D. Antonio Álvarez.
Le fue concedida la Medalla al Mérito en el Trabajo de plata “Por una constante laboriosidad, fruto de 44 años de servicios ininterrumpidos a plena satisfacción de los Ayuntamientos donde actuó como tal funcionario, los cuales le hicieron merecedor en distintas ocasiones de elogiosos votos de gracia en los que se consignan el agrado y satisfacción por la labor realizada y así premiaba las cualidades excepcionales que le hacía acreedor de tan alta recompensa” (sic).
Así consta en el escrito del Ministerio de Trabajo, añadiendo: “Toda vez que el cargo que ostenta en la actualidad está equiparado a Jefe de Administración Civil, con el disfrute anejo a dicha recompensa de todos los derechos y honores que las disposiciones vigentes determinen" (sic). Fue solicitada por Don José Valdés González, Alcalde Presidente del Ayuntamiento en nombre y representación de dicha Corporación Municipal.
Familia Babuglia - Arbolí De izq. a dcha. Pepe, sus padres, Carmen, Ana María y el pequeño Luis
En esta otra aparece Servando a la izq, en lugar de Pepe
Ascendencia gaditana:
Su abuelo, José María Arbolí y Acaso, abogado de los Tribunales de la Nación y del Ilmo. Colegio de Cádiz, contrajo matrimonio con Amelia Carolina Weidner y Gamboa en 1842, ambos eran naturales de Cádiz.
Este, a su vez, era hijo de Juan José Arbolí y Jubany y María Dolores Acaso y Gamboa, que contrajeron matrimonio en Cádiz en 1795. (También fueron los Padres del arriba mencionado Obispo Juan José Arbolí).
Ascendencia catalana:
Servando Díaz Arbolí, en Arbolí, Tarragona
Los ascendientes inmediatos que contrajeron matrimonio en Barcelona en 1734 fueron Juan José Arbolí y Arbolí y Vicenta Isabel Jubany. Desde aquí ya empiezan a sonar los apellidos catalanes, que probablemente serían oriundos de Arbolí, pueblo de la provincia de Tarragona. Pensamos que debido al auge del comercio con América a mediados del siglo XVIII, debieron trasladarse a Cádiz, pues en los documentos que poseo, dicen que se dedicaban a la actividad comercial..
Y estos, a su vez, nacen del matrimonio formado por Joseph Arbolí y Emerenciana Arbolí Serra, nacidos a finales del siglo XVII.
Cuadro Familiar del Apellido Arbolí. Las fechas indican la celebración del matrimonio
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Carmen Babuglia Arbolí y tres de sus hijos. Carmen, Luis y Ana
Ana María Babuglia Arbolí con hija y nietas
El apellido Arbolí es de origen toponímico, poco frecuente y disperso por España, si bien se registra, sobre todo, en Barcelona y Tarragona, siendo notable su presencia en Madrid, Cádiz y Sevilla, y menor en Girona, Lleida, Castellón, Valencia, Alicante, etc. Procede del topónimo Arbolí, nombre de una población de la comarca del Priorat, a la derecha del río Arbolí (Tarragona), cuyo nombre tomaron los progenitores de las familias hoy así apellidadas, según fue costumbre en la Edad Media para indicar su origen geográfico.
Los primos Luis Babuglia Arbolí y Gonzalo Díaz Arbolí en Madrid. Año de 1956
Las investigaciones de mi hermano Javier concluyen que: El significado de Arbolí no está del todo claro, pudiendo derivar del árabe “al-walaga”, con el significado de “tierra de aluvión junto a un río”. Según los datos recogidos en el “fogatge” o censo de hogares catalán del año 1553, Pere Arbolí vivía en Gratallops (Tarragona); la viuda de Joan Arbolí vivía en Reus (Tarragona); Pere Arbolí vivía en Constantí (Tarragona), y Perot Arbolí vivía en Palma (Lleida). Joaquim Arbolí (Falset s. XVII –Conca de Barberà, 1660?) fue abat del Monasterio de Poblet entre los años 1656 y 1660; durante su mandato se terminó el panteón de los Duques de Cardona y Sogorb; fue autor de un estudio sobre las “Antigüedades de Poblet”. Francesch Arbolí, comerciante, nacido en Barcelona en 1658, figura entre los “comerciantes de matrícula” de Barcelona (18 de octubre de 1758), con acceso a las dignidades nobiliarias del Principado de Catalunya.
Dicho Apellido en España lo tienen 201 personas como primer apellido, 228 como segundo apellido y nadie con ambos apellidos.
Los apellidos continúan siendo una huella de la historia de cada familia y una conexión con sus raíces ancestrales.
Luisa Arbolí Romaríz y José Díaz Muñoz. Año de 1930
Luisa Arbolí Romaríz con sus hijos en 1978
Cuando mi padre fallece (noviembre de 1,966) y mi familia abandona Vejer, (aunque consideramos que nunca nos fuimos completamente); el más pequeño de mis hermanos, Javier, era todavía un niño. Después de unos años de ausencia volvió un verano y escribió este poema, que para nosotros simboliza la añoranza, sentimiento tan humano y que, como mencioné anteriormente, emana del respeto y gran amor por nuestro pueblo que siempre nos inculcaron.
Sí, echamos de menos a Vejer, sus gentes, sus calles y la grandiosidad del paisaje que vemos desde la Corredera. Al final, el corazón se nos va a su querencia.
Vuelta a la tierra natal.
Orgullo, altivo, así eres tú.
Y en tu cima de pinos y de piedras
donde el viento es libre y la luna
esparce su argentada aura,
fui aprendiendo a vivir de forma placentera.
Adoré tu belleza, tu luz y tu silencio.
Adoré tu noche intensa y estrellada.
Adoré tu cielo impasible de septiembre,
y te adoré a ti, en la paz de tu mirada.
Te dije adiós un día de noviembre,
y ya en la despedida se me rompía el alma,
por el miedo a no verte eternamente,
y perder esa quietud tan bien amada.
¡Y ahora! ¡Este verano!
Cuando el alba serpentea entre los pinos,
y aparece la luz, y las sombras entrecortadas
dan paso a la mañana,
tú, te perfilas puro
y a contraluz del infinito
tienes aire de cruzado solitario,
donde se oyen rumores, que despiertan,
recuerdos ya olvidados.
Tu silencio,
que llena de sonidos
las calles soleadas y las umbrías,
hacen renacer las esperanzas
de un reencuentro,
entre el que soy y el que ya he sido.
Porque, el volver a ti,
después de tanto tiempo sin tenerte
¡Después de una búsqueda infinita,
de un lugar que pudiera parecérsete!
es encontrar de nuevo una mirada,
de gozo de amor y de ternura.
De un embrujo que te hiere y que te mata,
y que a su vez, te ofrece su hermosura.
Ya si puedo esperar pacientemente
El momento en que al fin todo es resuelto.
Pues mi alma feliz es nuevamente,
Y el amor que puse en ti, me lo has devuelto.
Javier Díaz Arbolí 1982
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A mis queridísimos hermanos. Recuerdos mezclado con las sombras del tiempo; siempre es conveniente recordar estos momentos de felicidad a veces de tristeza, pero siempre unidos. Que nadie llore por los días que se fueron. Muchos besos
Gustav Klimt (1862–1918) fue uno de los grandes representantes del modernismo vienés y del simbolismo europeo. Nacido cerca de Viena, recibió una formación artística tradicional, pero pronto rompió con el academicismo para desarrollar un estilo personal basado en la ornamentación, el simbolismo, la sensualidad y la figura femenina.
En 1897 participó en la creación de la Secesión Vienesa, un movimiento que buscaba renovar el arte y alejarse de las normas académicas. La obra de Klimt provocó en ocasiones escándalo por su tratamiento del desnudo y de la sexualidad.
El período dorado
Su etapa más famosa fue el Período Dorado, entre 1905 y 1909. Klimt incorporó pan de oro a sus pinturas, inspirado especialmente por los mosaicos bizantinos que contempló en Rávena. El resultado fueron obras suntuosas, llenas de formas geométricas, motivos florales y superficies brillantes.
Entre sus obras más conocidas destacan Retrato de Adele Bloch-Bauer I, Dánae y, sobre todo, El beso: amor y erotismo.
Danae
Pintado entre 1907 y 1908, El beso representa a una pareja abrazada en un momento de profunda intimidad. El hombre besa a la mujer mientras ambos quedan envueltos en una gran superficie dorada.
Una de las características más llamativas es el contraste entre los patrones de las vestimentas: predominan las formas rectangulares en la figura masculina, mientras que en la femenina aparecen círculos, espirales y motivos más orgánicos.
Aunque los cuerpos están cubiertos, la obra transmite una intensa sensualidad. Klimt demuestra que el erotismo no depende necesariamente de mostrar la desnudez: también puede surgir del gesto, la cercanía, el abrazo y aquello que permanece oculto.
El fondo dorado, inspirado en el arte bizantino, hace que la pareja parezca encontrarse fuera del mundo cotidiano, en un espacio casi mágico e intemporal.
El Beso
Una obra universal
El beso reúne muchos de los elementos que caracterizan a Klimt: el oro, la decoración, el simbolismo, la belleza y el erotismo. La obra transforma un sencillo gesto de amor en una imagen cargada de emoción y misterio.
Pero la mayor fascinación la ejerce el tema central de Klimt: La belleza de la mujer. De carácter reservado, cultivó su obsesión por la mujer en todas sus facetas artísticas. Tuvo más de 14 hijos, reconocidos, de sus amantes que eran sus modelos, a las que pintaba desnudas, y de relación con damas de su entorno que retrataba. Nunca pinto a un hombre.
Klimt murió en Viena en 1918, pero su influencia continúa presente en el arte, el diseño y la cultura contemporánea. El beso, conservado en el Belvedere de Viena, se ha convertido en una de las imágenes más reconocibles de la historia del arte y en un símbolo universal del amor y la sensualidad.
Antonio Rodríguez Zarallo
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Gustav Klimt (1862-1918) fue un pintor que nació cerca de Viena, el segundo de siete hijos de un grabador y cincelador, un artesano meticuloso, pero pobre. Pero esas dos características familiares las conoció muy bien y las utilizo en sus creaciones. Su hermano Erns, más joven que él, se convertiría también en grabador y trabajaría ( hasta su muerte en 1892) a menudo con Gustav.
Con apenas 14 años de edad ingresó en la Escuela de Artes y Oficios de Viena Durante siete años, aprendieron, junto a su hermano Ernst y con Franz Mats, las mas diversa técnicas, desde mosaico, hasta el fresco, pasando por la pintura. El trío era tan bueno que su profesor Laufberger le procesionaria encargos de decoración.
La Viena de Gustav Klimt( ( la Belle Epoque de fin de siglo) se enclava en una de las mas fascinantes épocas de la Historia del arte y de la cultura. En esta ciudad, con sus dos millones de habitantes era entonces la cuarta ciudad mas grande de Europa. Allí florecía la cultura como en ninguna otra parte. Nombres como Sigmund Freud, Otto Wagner, Gustav Mahler y Arnold Schoemberg dan testimonio de ello. La burguesía como clase social dominante ( temida por su afición a la pompa, sus suntuosos banquetes y su enfermiza adicción al placer ) actúa como catalizador en este florecimiento cultural.
Venus y cupido
En realidad este lienzo (sí, aunque tenga esa forma es un lienzo…!) se llama Quattrocento florentino porque Gustav Klimt quiso representar esa época fundamental de la historia en las enjutas de las escaleras principales del Museo de Historia del Arte de Viena. ¡Y qué mejor motivo para plasmar el Quattrocento que la diosa del amor acompañada del pequeño dios alado!
De este “laboratorio” brota también el arte de Klimt. Sus visiones de su mundo están preñadas de vida, y, al mismo tiempo , están siempre presente conscientes de la muerte. Se trata de un ensamblaje de tradición y modernidad, el compromiso de un mundo que caduca y uno que se anuncia. El espectador se siente cautivado por la voluptuosidad del dibujo, , el trazado caleidoscopico de los trabajos, la belleza del ornamento y el gusto por descifrar los secretos del cuadro. Cuando se ve un cuadro o trabajo suyo estas características están siempre presentes
Pero la mayor fascinación la ejerce el tema central de Klimt: La belleza de la mujer. De carácter reservado, cultivó su obsesión por la mujer en todas sus facetas artísticas. Tuvo mas de 14 hijos , reconocidos, de sus amantes que eran sus modelos , a las que pintaba desnudas , y de relación con damas de su entorno que retrataba. Nunca pintó a un hombre.
Sin embargo , El erotismo no disimulado de sus trabajos choca no pocas veces en la Viena decadente de una época marcada por la hipócrita represión victoriana , con el rechazo más enconado.El emperador Francisco José concede a Klimt la Cruz de Oro al Merito. Pero se deniega tres veces a concederle el nombramiento de profesor titular de la Academia . Klmt se siente ofendido. Se propone ser independiente de los grandes encargos del Gobierno y concentra su trabajo en retratos burgueses y paisajes . En estos retratos se las arregla para pintar, bajo la apariencia de respetabilidad, lo que le interesa casi exclusivamente : El erotismo enloquecedor de las mujeres y la presencia universal del Eros. Para conservar las apariencias viste a las mujeres que no puede pintar desnudas con opulentos atuendos que cubren su desnudez, y, sin embargo, llama la atención sobre esa desnudez, oculta a ojos vistas antes de cubrirlas . Ya no se reduce a la expresión de una sociedad decadente, sino que su estilo gráfico es apreciado hoy como precursor de la modernidad .
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El periodo dorado es el que le dio mas fama a KLIMT. Klimt pintó El Beso (1908) durante su fase dorada. Durante esta época, también pintó varios retratos de mujeres vienesas de moda, como Adele Bloch-Bauer I (1907). Klimt trató las figuras humanas de estos cuadros como bidimensionales, y las rodeó de una decoración plana, de composición brillante y muy ornamental.
El retrato de Adele Bloch Bauer I, pintado por Gustav Klimt en 1907, es una obra maestra del período de la Secesión de Viena y una de las pinturas más famosas del mundo. El retrato muestra a Adele Bloch Bauer, una mujer austríaca de la alta sociedad, sentada en una silla con los brazos cruzados y con una mirada penetrante. La pintura está realizada con una técnica de pan de oro, que Klimt utilizó en muchas de sus obras, lo que le da un brillo dorado y una calidad única.
Klimt tardó tres años en completarlo y lo presentó en la Séptima Exposición de la Secesión de Viena en 1907. La pintura recibió críticas favorables y fue muy elogiada por su originalidad y su técnica. Pero lo más llamativo de la obra eran los detalles decorativos, inspirados en el arte bizantino y egipcio, que se pueden ver en los fondos y en la ropa de Adele.
En 1938, cuando los nazis tomaron el control de Austria, los Bloch Bauer huyeron del país y todas sus propiedades fueron confiscadas. Entre ellas se encontraba el retrato de Adele Bloch Bauer I, que fue adquirido por el Museo Austriaco de Arte Moderno. Después de la Segunda Guerra Mundial, los herederos de los Bloch Bauer intentaron recuperar la propiedad del cuadro, pero el gobierno austriaco se negó a devolverlo. La lucha legal duró décadas, hasta que en 2006, después de una larga batalla legal, la justicia finalmente decidió que el cuadro debía ser devuelto a la familia Bloch Bauer.
El retrato de Adele Bloch-Bauer I se encuentra actualmente en el Museo Neue Galerie en Nueva York, Estados Unidos. Fue adquirido por el museo en 2006 después de que la familia Bloch-Bauer llegara a un acuerdo con el gobierno austriaco para devolverles la obra a cambio de una compensación económica. Desde entonces, ha sido una de las principales atracciones del museo, y ha sido objeto de muchas exposiciones y eventos especiales.
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EL BESO
Es una amalgama de diferentes estilos artísticos. Este cuadro es sin duda uno de los más famosos y celebrados. No sólo es uno de los cuadros más venerados de Klimt, sino también un célebre ejemplo del movimiento Art Nouveau. No es de extrañar que El Beso siga siendo uno de los cuadros más queridos de todos los tiempos.
Los mosaicos de los bizantinos inspiraron a Klimt el uso extensivo de pan de oro en esta época.
El estilo bizantino también influyó en el uso por parte de Klimt de formas bidimensionales que hacen resaltar el oro. Se cree que la composición de esta obra está inspirada en las estampas japonesas. Esta influencia también es evidente en muchos de los primeros cuadros impresionistas.
El Beso
Klimt rara vez incluía figuras masculinas en sus composiciones, prefiriendo centrarse en el erotismo de la forma femenina. La inclusión de un hombre, a pesar de su rostro oculto, es una característica inusual en este cuadro.
Podemos ver una clara dualidad entre lo masculino y lo femenino en este cuadro. La composición de las dos figuras, con el hombre de pie por encima, capta la fuerza masculina dominante, a veces prepotente. Los bloques geométricos afilados y bastante pesados de la túnica del hombre se hacen eco de esta fuerza. La figura femenina, arrodillada y rendida, y su túnica fluida y más orgánica, suavizan la composición y destacan la dualidad.
La túnica del hombre está adornada con un patrón geométrico de rectángulos, intercalado con los suaves remolinos que aparecen en muchos de los cuadros de Klimt. De hecho, muchos de los patrones utilizados en «El Beso» son motivos que Klimt emplea en toda su obra. La increíble atención de Klimt a los detalles se pone de manifiesto en el uso de bloques rectangulares y anillos radiantes, así como de cuadrados concéntricos y espirales.
Los suaves círculos que giran y las líneas onduladas de la túnica de la mujer recuerdan al Árbol de la Vida de Klimt. Aunque los cuerpos desnudos de ambas figuras están ocultos por las túnicas, este cuadro está impregnado de una sensación de erotismo y sensualidad.
Pero la mayor fascinación la ejerce el tema central de Klimt: La belleza de la mujer. De carácter reservado, cultivó su obsesión por la mujer en todas sus facetas artísticas. Tuvo más de 14 hijos, reconocidos, de sus amantes que eran sus modelos, a las que pintaba desnudas, y de relación con damas de su entorno que retrataba. Nunca pinto a un hombre.
Gustav Klimt murió el 6 de febrero de 1918, a los 55 años, víctima de una apoplejía. Durante su vida fue controvertido: admirado por algunos como visionario, rechazado por otros como subversivo. Hoy es reconocido como una de las figuras más importantes del arte moderno europeo. Su influencia se extiende desde la pintura hasta el diseño gráfico, la moda y la cultura popular contemporánea. Sus obras son exhibidas en los museos más prestigiosos del mundo y continúan generando debates sobre la modernidad, la belleza y el significado en el arte.
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