13.11.23

Teresa de Ávila: entre la fe y la rebeldía


Pocos personajes en la historia de la literatura han despertado tantas reflexiones y curiosidad como Teresa de Ávila, también conocida como Teresa de Jesús. Para el mundo católico fue una santa ejemplar; para muchos otros, una mujer adelantada a su tiempo y una de las primeras voces femeninas en desafiar las normas de su época.

Su poesía y sus escritos pueden leerse desde distintos puntos de vista y adquirir significados opuestos. Esa riqueza interpretativa explica las múltiples controversias que todavía hoy giran en torno a su obra. ¿Quién fue realmente esta figura esencial del Siglo de Oro español? Su vida, su fe y su escritura siguen alimentando el debate sobre la relación entre las palabras, el deseo y la creencia.

Desde niña, Teresa sintió una profunda pasión por la lectura y la filosofía. Buscaba comprender el mundo a través del pensamiento y las letras. Cuando llegó el momento en que la sociedad esperaba que se casara, eligió un camino diferente: se “casó” con Dios. Esa decisión, más allá de lo religioso, le permitió escapar de las obligaciones impuestas a las mujeres casadas y dedicar su vida a la espiritualidad y la escritura.

En sus textos, Teresa volcó sus emociones más intensas y sus deseos más profundos. Convirtió a Dios en metáfora de la pasión humana, logrando un equilibrio fascinante entre lo místico y lo erótico. Sus versos, de una sensualidad sorprendente para el siglo XVI, la consagraron como una autora imprescindible de la literatura espiritual.

Fue también la primera mujer en recibir el título de Doctora de la Iglesia, un reconocimiento notable si recordamos que, en vida, desafió muchas de las reglas de esa misma institución.

La obra de Santa Teresa de Jesús está impregnada de una mística única. En ella, el amor divino y el amor humano parecen confundirse hasta volverse indistinguibles. Leerla hoy es asomarse a una mente lúcida y apasionada, capaz de trascender los límites de su tiempo. Teresa de Ávila fue, sin duda, una mujer que construyó su propia voz y rompió las normas que intentaban silenciarla.

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En este video, se explora la vida fascinante y el legado perdurable de Santa Teresa de Jesús. Desde su temprana vida en Ávila, pasando por su profunda conversión espiritual, hasta su misión de reformar la orden carmelita.

Gonzalo Díaz Arbolí


11.11.23

Pinceladas de la Historia de España y Asturias



 

ENLACES DE PINCELADAS DE HISTORIA. 
España y Asturias -5-11-2018 

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9.11.23

Versión de la historia de la composición del Ave María de Bach-Gounod.

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Era el año 1722 y Juan Sebastián Bach comenzaba a escribir su máxima obra pedagógica y sistemática para clave: El clave bien temperado. Lo que Bach pretende con esta propuesta es utilizar el temperamento igual, algo habitual hoy en día pero muy novedoso en aquel momento. Este consiste en calcular la octava natural y, a partir de ella, dividirla en doce tramos de la misma distancia (llamados semitonos. De esa manera, todos los semitonos son iguales, sea en la tonalidad que sea.
Este libro consta de 24 preludios y fugas, para las doce tonalidades mayores y las doce menores. La obra, de enorme trascendencia, contribuyó a imponer ni más ni menos que la división de la octava en doce medios tonos cromáticos iguales, lo cual permitió desarrollar hasta el límite el mecanismo de las modulaciones, es decir, el paso comedido de una tonalidad a otra, en la misma pieza.
Pero sobre todo, responde diariamente, en miles de aulas de piano de todo el mundo, a uno de sus fines originales: su función pedagógica.

Nuestro interés para lograr la atención de nuestros lectores y dar sentido a esta entrada reside solo, en el Preludio Núm. 1 en Do mayor BWV 846 del Primer Libro, plácido tanto para la escucha como para la técnica pianística

Pasaron 137 años y en el salón de los Zimmermman, el músico romántico Charles Francois Gounod que llevaba una relación formal con la señorita Anne Zimmermman, la que más tarde sería su esposa, se sentaba cada día al piano, mientras esperaba que su novia saliera de sus aposentos y se dedicaba a improvisar. Un día tuvo la idea de tocar algunos compases del Primer Preludio de piano de Juan Sebastián Bach, escrito en la tonalidad de do mayor y lo tocó varias veces disfrutando de su propia interpretación. Además le añadió una simple melodía, tocada con la mano derecha.

El padre de Anne, Inspector General de estudios del Conservatorio Imperial de París, lo escuchaba, tomó apuntes del añadido y en una siguiente visita, el señor Zimmermman se presentó con el violín y le pidió a Gounod que lo acompañara al piano. Así surgió el Ave María de Gounod. Era el año 1853.

Como consecuencia, es la misma pieza musical de Bach con el añadido de Gounod, especialmente diseñada para ser superpuesta sobre el Preludio Núm. 1, en Do mayor, ya mencionado, pero una quinta por encima. 
Para entender el término "Quinta" hacer clic en el siguiente enlace:   https://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%ADrculo_de_quintas
  
Se le ocurrió, entonces, que la antiquísima oración en latín del himno católico dedicado a la Virgen María, que nace del Evangelio según San Lucas, (María, la madre de Jesús, es importante no sólo para los cristianos. Sabemos que, incluso para los musulmanes, Mariam, como se le llama en árabe, es también un personaje muy querido. En el Corán se menciona a Mariam con mayor frecuencia que lo que se le menciona en las Santas Escrituras), le venía a esta bella melodía como anillo al dedo y le puso el nombre “Meditación sobre un preludio de Bach” y "Ave María de Gounod", que dió origen a la celebridad de Charles Francois Gounod además de su ópera Fausto considerada como la más importante ópera lírica de Francia.

El Ave María ha sido uno de los principales textos musicalizados por compositores de todos los tiempos desde la Edad Media hasta nuestros días, normalmente tratado en forma de motete, es decir, el arreglo musical de un texto religioso no litúrgico

Para ser justos, Bach compuso bastante más que la mitad de un Ave María sin proponérselo.

A recordar la imperecedera interpretación de Barbra Streisand de 1967



Estas versiones que presentamos para piano una y piano más cello la otra, permite distinguir claramente la magnitud del preludio, por una parte, y por otra, el trabajo de Gounod.

Aconsejamos escuchar primero el Preludio Núm 1 de Bach:

Interpretación del Preludio nº1 BWV 846 de J.S.Bach, suena ‘muy bien temperado’
Dicho de una escala musical: Ajustada a los doce sonidos

  
Yo-Yo Ma, Kathryn Stott performing Ave Maria (J.S. Bach/ Gounod


Fuentes:

Idea del Dr. Julio de la Rúa en la Tertulia  de "Los Cántaros"

El Siglo Guatemala, Frank Fernandez, 

El Clave bien temperado por Mario Mora
Youtube
Gonzalo Díaz-Arbolí

8.11.23

Peer Gynt, Grieg e Ibsen - El espíritu de Noruega


Peer Gynt es una composición musical para escenografía del compositor romántico Edvard Grieg, aunque entre el gran público se han hecho más famosas las dos suites que el propio autor escribió, la Suite n.º 1 op. 46 y n.º 2 op. 55, para la obra Peer Gynt del dramaturgo noruego Henrik Ibsen. Escrita en 1875 y estrenada junto con la obra el 24 de febrero de 1876,.

Argumento :
Peer Gynt es un "Don Juan" nórdico cuya ambición en la vida es ser rico y poderoso pero que a la vez posee una gran sensibilidad artística. En una boda queda prendido de una hermosa joven llamada Solveig pero el rechazo de ésta lo lleva a engatusar a la novia, Ingrid, para huir a las montañas aprovechando la indecisión de ésta con respecto al enlace. Allí Peer decide tomar otro camino e Ingrid, despechada, vuelve al pueblo acusando al chico de secuestrador. En el escarpado paisaje, Peer seduce a la hija del rey de la montaña, los trolles le obligan a desposarse con ella, y aunque la idea de heredar el reino es tentadora, Peer consigue escapar ante la perspectiva de convertirse en un monstruo como ellos. El joven "Casanova" despierta en los brazos de Solveig, quien ha renunciado a su hogar para vivir en el bosque con Peer debido a su destierro por los crímenes de los que fue acusado, pero esta pasajera felicidad con su amada se turba cuando la hija del rey de la montaña aparece con el horripilante fruto de su breve encuentro. Huyendo de los problemas en busca de una vida mejor, Peer llega a África donde consigue grandes fortunas mediante el tráfico de esclavos, allí conoce a un beduino, y a su preciosa hija Anitra, quien despojará a Peer de todas sus riquezas llevándolo a la locura.
Después de muchos años, Peer, ya anciano, decide que es hora de regresar a su país pero la desgracia no deja de acecharle y su barco se hunde próximo a la costa consiguiendo sobrevivir. Peer, agotado, se encuentra con "El Fundidor", una especie de fantasma que le dice que viene a buscar su cadáver ya que a quien no le queda nada en la vida y no tiene nada que hacer está muerto. Peer implora argumentando que aún le quedan muchas cosas pero en realidad, su madre había fallecido, su antiguo hogar ya no le pertenecía, pero aún quedaba alguien que todavía lo recordaría con amor, Solveig. La obra culmina con el anciano Peer en brazos de Solveig, habiendo escapado de la muerte mientras esta le canta una nana. Ella, siempre le había esperado.

Por la belleza de su melodía comenzamos con la audición de la Suite Nr. 1, Op.46 - La mañana. 
Ilustra el amanecer de Peer en Marruecos tras huir del bosque donde vivía con Solveig. Es un clásico pastoral o barcarola, es decir, un ritmo 6/8 de velocidad moderada y que se apoya del uso del viento para crear una atmósfera natural.

La mañana, Peer Gynt - E.Grieg - Joven Orquesta Sinfónica de Granada



El pianista y compositor romántico noruego Edvard Grieg escribió una partitura original con 23 movimientos que luego redujo a dos suites con 8 movimientos a modo de "resumen" de la música compuesta para acompañar el drama del escritor también noruego Henrik Ibsen titulado "Peer Gynt", cuyo argumento se desarrolla en mundos fantásticos propios del folklore nórdico.


La canción de Solveig -de la suite No.2 Op. 55; 4to. movimiento- es el final de la obra donde la música acompaña la promesa de Solveig de esperar a Peer confiando que algún día regresará por ella.

Puede pasar el invierno y desaparecer la primavera,
el verano también se irá y después el año entero
Pero lo que se seguro es que volverás de nuevo
volverás otra vez
y que como prometí entonces me encontrarás esperándote
Que Dios te ayude cuando deambules por tu camino a solas
Que dios te garantice su fuerza mientras te arrodillas ante su trono
si estás ahora en el cielo esperándome
podremos encontrarnos de nuevo y no separarnos jamás

Henrik Ibsen
El nombre de Solveig es de origen nórdico, pero tiene diferentes significados, el más cercano de los cuales es "Fuerte sol", de la palabra nórdica para el sol "Sol" y la palabra nórdica para la fuerza "veig". Otro de los significado es "Mujer de la Casa" o  "Camino al sol". Los planetas en ese sistema tienen nombres nórdicos.  
Es el nombre del personaje principal en el drama Peer Gynt de Henrik Ibsen.  Nombre que Ibsen probablemente utilizó debido a su posible origen asociado con el sol.
Como nombre de pila femenino es muy popular en los países escandinavos y en Islandia. 


Un tema melódico, de gran belleza y aunque la obra musical no se entiende sin el apoyo de la obra escrita, aún desconociendo el argumento del drama es tan maravillosa la música, de tan exquisita inspiración que escucharla permite evadirse de la realidad resultando en un deleite para el alma.



ANA VIDOVIC. La guitarra

  


Ana Vidovic es una guitarrista croata. Nació en 1980 en Karlovac. Comenzó a tocar la guitarra a la edad de 5 años. Con tan sólo trece años se convertiría en la estudiante más joven en asistir a la prestigiosa Academia Nacional Musical en Zagreb, donde fue instruida por el profesor Istvan Romer. La gran reputación de Vidovic en Europa, conllevó a que recibiera una invitación para estudiar en el Conservatorio Peabody en Baltimore, Estados Unidos, de donde se graduó en mayo de 2003.
Vidovic ha ganado un gran número de premios y competiciones alrededor de todo el mundo. Entre ellos figuran primeros premios en la Competición Internacional Albert Agustín, en Bath, Inglaterra; la competición Fernando Sor en Roma, Italia; y la competencia Francisco Tárrega en Benicasim, España. Otros primeros premios incluyen el Concurso Eurovisión para Jóvenes Artistas; el premio Mauro Giuliani en Italia, el Printemps de la Guitarra en Bélgica, y la Audición Internacional de Jóvenes Artistas en Nueva York.
Vamos a escucharla ejecutando tres obras clásicas:
Recuerdos de la Alhambra de Francisco Tárrega es una obra para guitarra clásica compuesta en Granada  en el año 1896.
La pieza se caracteriza por utilizar la técnica conocida como trémolo para interpretar la línea melódica, en la cual cada nota es tocada varias veces de forma rápida, dando lugar esta sucesión a la ilusión de que dicha nota suena de forma sostenida. Para llevar a cabo esta técnica, el intérprete puntea la cuerda con los dedos anular, corazón e índice de forma secuencial. El pulgar es utilizado para tocar el acompañamiento en arpegios más graves que la melodía. Es común pensar que la obra está siendo interpretada por dos guitarras la primera vez que se escucha. 


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Asturias fue compuesta por Isaac Albéniz en la década de 1890, época en la que residía en Londres. A pesar de su nombre, el tema no tiene ninguna relación con la tradición musical de Asturias, estando más bien relacionada con el flamenco andaluz. A su publicación por Pujol en Barcelona en 1892, Albéniz la concibió como un preludio a la colección Chants d’Espagne. Años más tarde se convertiría en el quinto movimiento de la Suite española Op. 47, publicada después de la muerte de Albéniz con el actual título y subtítulo de Leyenda en 1911 por la editora alemana Hofmeister.  
La obra se caracteriza por la delicada y compleja melodía de su sección media y sus dinámicos y bruscos cambios. Guiada por el virtuosismo al piano de Albéniz, Asturias comienza con un Allegro ma non troppo que evoca el estilo flamenco y se basa en la repetición del tema principal. Desde el pianissimo inicial, el ritmo va aumentando hasta disolverse en una disminución gradual. En su segunda parte es una copla de carácter tranquilo, que antes de la finalización recupera bruscamente el tempo de la primera.
En ocasiones se ha atribuido la primera transcripción para guitarra a Francisco Tárrega, que la adaptó a su clave más reconocible, mi menor. La interpretación de Andrés Segovia es la más famosa e influyente. La obra se ha convertido en una de las más importantes del repertorio de la guitarra clásica.

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La Sonatina de Federico Moreno Torroba es una Sonata pequeña, con menos y más cortos movimientos que la Sonata normal. Usualmente la Sonatina es también más simple diseñada en muchas ocasiones con propósitos didácticos. Sin embargo, compositores como Moreno Torroba, Ravel, Bartók, entre otros, escribieron Sonatinas de considerable dificultad técnica y méritos artísticos.
Su obra para la guitarra es una de las más importantes en toda la historia de este instrumento. Obviamente, tiene una grandísima influencia del trabajo y del espíritu realizado en sus Zarzuelas.
Moreno Torroba desarrolló un estilo de composición con un lenguaje de gran elegancia formal pero a la vez muy directo, intensamente marcado por elementos expresivos de profundas raíces genuinamente españolas.
Esta pieza es el tercer movimiento de la Sonatina para Guitarra (Allegro)

Tiene tres movimientos:
    I - Allegretto
   II - Andante
  III - Allegro

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Gonzalo Díaz-Arbolí

5.11.23

Música solo música. Análisis de la Sinfonía Núm. 1 de Johannes Brahms

La música se ha transformado en un verdadero bálsamo para la vida. Se sabe, de acuerdo a innumerables estudios, que son muchas las bondades y ventajas que tiene la música para todos los seres humanos y que si se inicia en las primeras etapas de la formación de los niños, puede obrar verdaderos milagros. 

Johannes Brahms (Hamburgo, 7 de mayo de 1833-Viena, 3 de abril de 1897) fue un compositor, pianista y director de orquesta alemán del romanticismo, considerado el más clásico de los compositores de dicho periodo. Nacido en Hamburgo en una familia luterana, pasó gran parte de su vida profesional en Viena.
Se mantuvo fiel toda su vida al clasicismo romántico y conservador.

Johannes Brahms

Vamos a conocer escuchar y analizar la: 
Sinfonía Núm. 1 de Brahms, 4º. Movimiento: Adagio – Più Andante – Allegro non troppo, ma con brio (do mayor)
 
Brahms no se aventuró en el campo de la sinfonía hasta que alcanzó la madurez, pues aunque el primer tiempo de su primera Sinfonía en Do menor se remonta a 1855, la dejó en el cajón, y por mucho que sus amigos le acuciaban a continuarla, Brahms les contestaba: Nunca compondré una sinfonía. No tenéis idea de lo que siente un hombre como yo, cuando camina tras un gigante como Beethoven.
En el verano de 1874 volvió a trabajar en serio en la sinfonía, y en octubre de 1876 se estrenó en Viena. El director alemán Hans von Bülow, contemporáneo de Brahms, dio a esta sinfonía el sobrenombre de la Décima, por considerarla una continuación y una consecuencia de la Novena de Beethoven. Como ésta termina en Do mayor, la de Brahms termina también con un brillante final en Do sostenido.

Brahms fue una tremenda personalidad, una fuerza musical fascinadora y distinta, un compositor que puso en su música tanto de su temperamento que alcanzó el más alto rango. Brahms llevó un aspecto de la música y un modo de expresión a su culminación final, y como Bach, significó la conclusión de una época.



Análisis musical  del 4º movimiento de la sinfonía Núm. 1   

Poder escuchar como pieza individual un movimiento suelto de una sinfonía de Brahms no es algo especialmente común en las salas de conciertos actuales, pero sí lo fue durante todo el siglo XIX, en vida de su autor. Ciertamente la sinfonía es un todo unitario integrado por cuatro partes, pero era frecuente en el Romanticismo programar movimientos sueltos para su interpretación.
Este 4º movimiento es una inmensa forma de sonata. En la Exposición, el parecido del tema del Allegro con el tema de la "Oda a la Alegría de Beethoven" es lo bastante grande como para creer que Brahms era consciente de él, a pesar de sus malhumoradas respuestas a quién se lo hiciera notar. El movimiento de Brahms tiene sin embargo una estructura muy distinta a la de Beethoven.

Clara Schumann
En este finale una extensa introducción camina por territorio musical brumoso hasta que se topa con con un recurso que el compositor empleará posteriormente en todas sus sinfonías consistentes en una especie de “llamada de los Alpes”, el célebre, tema alpino: Una llamada de las trompas que ha de modificar la dirección del discurso. En una carta postal desde Suiza para Clara Schumann decía: "En lo alto de la montaña, en lo profundo del valle, te saludo mil veces". (Clara Schumann, una pianista reconocida en aquellos momentos, compositora también y con la que estableció una larga y profunda amistad que tuvo rasgos de amor platónico). Nunca se casó, aunque gozó de la admiración de muchas mujeres. Se dice, que a pesar de su simpatía y afabilidad, era muy tímido para acercarse a ellas.



En efecto, aquellas brumas se desvanecen y desde la altura de la montaña, la tonalidad de do mayor muestra un renovado optimismo y una energía con la que el compositor manifiesta que podrá enfrentarse a nuevos proyectos sinfónicos. Podría parecer que con este finale triunfal, exacerbado en la imperial coda, el compositor estuviese diciendo a la posteridad: “No sólo he sido capaz de componer esta sinfonía, sino que ya tengo en mi cabeza bien clara la fórmula que he de seguir para escribir varias más”. Su estilo es el del más puro Brahms, con derroches de contrapunto, densidad orquestal, expresividad en todos los niveles y un componente melódico arrollador.

Tras el complejo epílogo, en lugar de seguirse con el Desarrollo, se llega a la Reexposición del primer tema, y es entonces cuando comienza el gran Desarrollo central. Con una extraordinaria elaboración se llega a un punto culminante con una nueva cita del 'tema alpino'.

El movimiento acaba en un Do Mayor radiante y en un triunfo sin dudas, en una stretta final durante la cual se cita todavía el Coral de la introducción.
Referencias
La orquesta aborda una parte en la que disminuye la presencia de los timbales.
La trompa toca el tema de la introducción. Tiene un sonido profundo y suave. Es un sonido precioso, alargado. Hay 4 trompas, pero aquí solo tocan 2, aunque no lo hacen al tiempo, sino alternando compases, para superponer así sus sonidos. Cuando uno entra, el otro sale. Se hace así para evitar silencios por culpa de la respiración. Lo indicó el propio Brahms en la partitura.
Termina el solo de trompa y la flauta retoma el tema. Las flautas se alternan. Entre la primera y la segunda se superpone.
Termina el solo de flauta y es la sección de viento la que retoma el tema. 3 trombones, 2 fagots y un contrafagot.
Los trombones suenan por primera vez. Parece como si hubiera estado esperando la oportunidad de hacerlo. Más adelante, como si en un cielo nublado se abriese un claro, encuentran su camino a través de la mayestática y solemne sección de cuerdas para volver a un breve sol. Después de un impresionante silencio, las cuerdas entran pausadamente y tocan el famoso tema principal de la sinfonía. La sección introductoria, centrada en los solos de trompas, la más importante, conduce directamente a esa famosa sección.

Fuentes: 
Haruki Murakami y Seiji Ozawa. Música solo música
Internet
Gonzalo Díaz-Arbolí