8 de marzo. En el marco del Día Internacional de la Mujer...La intuición de una mujer es más precisa, que las certezas de un hombre. (Rudyard Kipling)

Felicidades a todas las mujeres que sostenéis el mundo, porque sin vosotras el mundo no existiría. 

El 8 de marzo nos hace recordar lo importante que son las mujeres durante todos los días de nuestra vida.

Cada 8 de marzo se conmemora la lucha de las mujeres por su participación en la sociedad y su desarrollo íntegro como persona, en pie de igualdad con el hombre y, cada año, millones de mujeres se reivindican de formas diferentes con un objetivo común: lograr la igualdad de género en todos los ámbitos de la vida.

El origen del 8 de marzo como Día Internacional de la mujer

Aunque son varios los acontecimientos históricos que llevaron a la definición del 8 de marzo como el Día Internacional de la mujer, que también se conoce como Día de la mujer trabajadora, dos hechos que tuvieron lugar en la ciudad de Nueva York fueron clave para que se llegara a esa decisión.

El primero fue la manifestación de las trabajadoras del sector textil en marzo de 1857 en Nueva York para denunciar las condiciones laborales y que derivó en una intervención policial cruenta. La segunda fue una huelga también en la misma ciudad, en este caso en 1908, y que demandaba también la mejora con peticiones como la igualdad de salario o la reducción de la jornada a 10 horas diarias.

Con la intención de homenajear esa lucha, en 1909 se dio el que sería el germen del actual 8M, con una jornada de la mujer que siguieron más de 15.000 en Nueva York y Chicago. Al año siguiente, en 1910, la Internacional Socialista de Mujeres optaron por fijar un día simbólico de la lucha para la igualdad de derechos en su congreso en Copenhague, Dinamarca.

Así sería como en 1911 se celebró el primer Día Internacional de la Mujer en algunos países europeos como Alemania, Austria, Dinamarca o Suiza, extendiéndose a nivel mundial hasta que fue reconocido en 1975 por la ONU y se fijó internacionalmente de forma oficial.

Clara Zetkin, la impulsora del 8M

El que el 8 de marzo sea un día actualmente de reivindicación de la igualdad de derechos para las mujeres es en parte a Clara Zetkin, quien era secretaria de la Internacional Socialista de Mujeres, que ella misma impulsó en su creación en 1907 en un congreso en Stuttgart, Alemania.

Clara Zetkin fue una política alemana de origen judío que fue miembro del Partido Socialista Demócrata y luego del Partido Comunista de Alemania, lo que le hizo formar parte del parlamento durante la República de Weimar, y que luchó durante su vida por la igualdad de derechos, así como por el sufragio femenino.

Fue uno de los principales nombres en la lucha por los derechos de la mujer en Alemania y Europa junto con otras como Rosa Luxemburgo, y editó un periódico feminista entre 1891 y 1917 en su país natal. En 1933 murió en Moscú tras haberse exiliado por el ascenso del nazismo unos años antes.

 

El blog "Desde mi rincón del arte" se adhiere, con satisfacción, a las justas reclamaciones que hoy se presentan con manifestaciones en todas las ciudades del mundo, con una variedad de paneles de discusión con mujeres prominentes en sus campos, hablando públicamente para pedir: Derechos, igualdad y empoderamiento. 

Como homenaje a la mujer, queremos recordar hoy la realización de la Exposición "LAS ARTISTAS OLVIDADAS DE LA GENERACIÓN DEL 27". Las sin sombrero, de la ilustradora y pintora portuense, Eva Díaz Hurtado, (diseñadora gráfica y pintora. Estudió Bellas Artes en las facultades de Sevilla y Barcelona, ha trabajado como ilustradora y directora de Arte en agencias de publicidad del Grupo BBDO, actualmente trabaja como freelance en su taller de El Puerto de Santa María. En una de sus conferencias decía: Esta investigación, responde a la necesidad de poner de manifiesto el valor de todas las mujeres que han contribuido a la ciencia, el arte y literatura española a lo largo de los siglos y nos recordaba un último mensaje de María Teresa León, poco antes de morir, decía: Dejo a las mujeres de España mi entusiasmo por la vida. Nada más. Es todo lo que tengo.

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Exposición en "La Fundación Municipal de la Mujer", del Excmo. Ayuntamiento de Cádiz.

Gonzalo Díaz-Arbolí

Cabreados con el mundo: Entre el arte y la indignación

"Cabreados", de Agustín Ibarrola, entre 1964 y 1965

Un lienzo de rabia. El cuadro Cabreados, pintado por Agustín Ibarrola entre 1964 y 1965, es una representación visual de un sentimiento latente en nuestra sociedad: la indignación. Esta obra, realizada en óleo sobre tela de sábana, refleja la tensión de una época, pero también resuena con el presente.

De vez en cuando, si tengo la oportunidad, me doy una vuelta por Madrid. Aquel día, en particular, tenía un plan en mente: asistir a una subasta en una prestigiosa galería de arte. Sentía curiosidad por conocer qué son y cómo funcionan.

Encaminé mis pasos hacia la calle Goya donde se encuentra la galería Durán Arte y Subastas. La entrada era libre y no era necesario comprar. En un catálogo antiguo, me llamó la atención el cuadro que aparece en la cabecera del artículo, una obra cargada de significado.

La subasta fue un microcosmos del mundo del arte: exclusividad, estrategia y pasiones contenidas. En el ambiente flotaba una mezcla de sofisticación y tensión. Los coleccionistas pujaban con gestos discretos, el subastador marcaba el ritmo con su voz firme y cada golpe de martillo sellaba el destino de una obra. Fuera de aquellas paredes, Madrid hervía con la impaciencia de una ciudad que nunca se detiene.

La crispación como estado permanente. Mientras deambulaba por el barrio de Salamanca, observé un fenómeno preocupante: la tensión en los rostros, las discusiones encendidas en las cafeterías, los titulares estridentes en los quioscos. Vivimos en tiempos de crispación, donde la indignación parece haberse convertido en un estado permanente.

Las tertulias ya no giran en torno a la cultura o el ocio, sino que están dominadas por la política, la economía y las redes sociales, que han trasladado su agresividad al mundo real. La información, en lugar de aportar claridad, alimenta la polarización. Los medios magnifican los conflictos y la indignación se convierte en una moneda de cambio. La prisa y la falta de diálogo han convertido el espacio público en un campo de batalla de opiniones irreconciliables.

¿Por qué estamos tan cabreados? El malestar social tiene causas profundas y diversas. La incertidumbre económica, la desigualdad y la percepción de injusticia generan frustración. Muchas personas sienten que sus esfuerzos no son recompensados, mientras que otros parecen disfrutar de privilegios sin esfuerzo. La sobreexposición a noticias negativas refuerza la sensación de estar al borde de una crisis constante. Además, la tecnología ha reducido la comunicación real, aumentando el aislamiento y la incomprensión.

A nivel global, las crisis económicas, las guerras, el cambio climático y las pandemias han generado un sentimiento de impotencia. Para algunos, la indignación se canaliza en el activismo, el arte o la protesta. Para otros, se convierte en cinismo o desesperanza. Sin embargo, la historia nos enseña que la rabia puede ser el motor del cambio.

Convertir la indignación en acción. A lo largo de la historia, figuras como Clara Campoamor, Malala Yousafzai, Mahatma Gandhi y Martin Luther King Jr. han transformado su indignación en movimientos sociales que cambiaron el mundo. Pero el reto no está solo en indignarse, sino en canalizar ese sentimiento hacia acciones concretas y constructivas.

Algunas estrategias para afrontar la crispación incluyen: 

a) desconectar del ruido mediático filtrando la información y evitando la sobreexposición a noticias negativas, 

b) fomentar el pensamiento crítico cuestionando las fuentes y buscando información equilibrada, 

c) centrarse en lo que sí se puede cambiar enfocando la energía en acciones concretas y productivas, 

d) practicar la empatía y el diálogo para escuchar otras perspectivas y reducir la polarización, y 

e) encontrar vías de escape saludables, como el arte, la lectura, el ejercicio o la meditación, para canalizar el descontento.

El enfado constante solo alimenta el malestar. En lugar de vivir en una permanente actitud de indignación, es más útil transformar esa energía en un motor de acción y cambio positivo. Para quienes se sienten atrapados en la ira, quejarse no siempre es la mejor opción; lo verdaderamente constructivo es canalizar ese enojo hacia soluciones concretas.

Más que permanecer en un estado de frustración, el desafío está en convertir esa fuerza en un impulso transformador, tanto para la sociedad como para nosotros mismos. Tal vez la mejor forma de enfrentar la crispación sea hacernos una pregunta clave: ¿qué estamos haciendo para mejorar aquello que nos molesta?

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El malestar social de los españoles - Sanidad

Antonio Leal Jiménez

Académico de Santa Cecilia

El trazo español. Dibujos del Renacimiento a Goya

Estudio para la decoración de la Biblioteca de El Escorial. Pulsar para ampliar

El dibujo español, es una disciplina ninguneada durante años por la falta de catalogación de las colecciones existentes.

Y han sido muchos y magníficos los dibujantes en el pasado y en el presente: convendría penetrar en la magia del dibujo y ahondar en sus claves, como ya lo han hecho últimamente en bastantes exposiciones, pero incidiendo en la sensibilidad de quienes han querido retener esa magia para su disfrute personal.

El vídeo final está diseñado a partir de una selección de dibujos antiguos en España tomados de una exposición realizada en el Museo Nacional del Prado en marzo de 2013.

La exposición comenzaba con los ejemplares más antiguos que corresponden a artistas del siglo XVI y que desarrollaron su actividad en Castilla, como Alonso Berruguete. Asimismo, esta primera sección explora la repercusión que tuvo para el dibujo español la participación de artistas extranjeros, principalmente italianos, en la decoración del Monasterio de El Escorial. Tal es el caso de Pellegrino Tibaldi del que se incluye uno de los dibujos con arquitectura más sobresalientes del siglo XVI, el Estudio para la decoración de la Biblioteca del Escorial. Continúa con la obra de algunos de los pintores más importantes del siglo XVII que trabajaban en distintas regiones del país, las cuales actuaban como centros artísticos independientes. Así, Vicente Carducho, Alonso Cano y Francisco Rizi lo hacían en Madrid; Francisco Pacheco, Murillo y Zurbarán, en Sevilla; Juan Ribalta en Valencia o José de Ribera, en Nápoles. 

Diseño para un retablo. Alonso Cano, año de 1660. Pulsar para ampliar

Todos ellos fueron representantes del florecimiento del dibujo durante el Siglo de Oro y produjeron ejemplos excepcionales como El enano Miguelito de Rizi, San Miguel Arcángel de Murillo, Curación milagrosa de un santo atribuido a Ribalta o Ticio (o Prometeo) de Ribera. Al llegar al siglo XVIII, la exposición incluye obras clave de Luis Paret como Baile de máscaras en el Teatro del Príncipe; de José Camarón, Mujer oriental bajo un toldo; y otros maestros del periodo, que demostraron el considerable aumento del uso del dibujo en respuesta a las tendencias e influencias internacionales. 

La muestra finaliza con la obra de Francisco de Goya, que cambiaría para siempre el panorama del arte español al ayudar a convertir España en una fuerza artística dominante. A través de sus dibujos exploró lo fantástico, las creencias y las conductas humanas. Ocho dibujos de los maestros aragoneses correspondientes a toda su carrera y nunca vistos en conjunto en España-, entre ellos el magnífico Arthur Wellesley, primer duque de Wellington, ponen de manifiesto la incomparable versatilidad de sus recursos gráficos y la variedad de los temas que captaron su atención. Todo esto añade un factor de heterogénea vistosidad al conjunto.

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La portada representa: Cabeza de monje. Atribuido a Zurbarán. Lápiz negro, aguada gris con trazos de pluma y tinta.

Fuente: Museo del Prado

Gonzalo Díaz-Arbolí

28 de febrero, DÍA DE ANDALUCÍA

FELIZ DÍA DE ANDALUCÍA

Cádiz, salada claridad; Granada,agua oculta que llora.

Romana y mora, Córdoba callada.

Málaga cantaora.

Almería dorada.

Plateado Jaén. Huelva, la orilla

de las Tres Carabelas...

y Sevilla.   

Manuel Machado

El Día de Andalucía 

Cada 28 de febrero es tradicional observar cómo las banderas blancas y verdes adornan los balcones de las casas de los pueblos y ciudades de la comunidad y algo que nunca puede faltar en el Día de Andalucía, es degustar el «desayuno del molinero; que consiste en un pan rústico untado en aceite de oliva extra virgen.

Por qué se celebra el 28-F el día de Andalucía

Para conocer su origen, hay que remontarse al 28 de febrero de 1980. Ese día, los ciudadanos andaluces acudimos a las urnas para votar en el Referéndum Autonómico, que triunfó en siete de las ocho provincias (Almería fue la única donde no alcanzó el techo legal).

Dada la clara voluntad autonómica del pueblo andaluz, las Cortes modificaron la Ley de Referéndum para permitir la incorporación de la provincia almeriense al proceso. Un año después, en 1981, se aprobó el Estatuto de Autonomía que, tras la Constitución, es la norma más importante de la comunidad.

El referéndum para otorgar plena autonomía a la región estaba originalmente destinado a celebrarse en 1936, pero el estallido de la Guerra Civil lo impidió. Eso significó que Andalucía tal y como la conocemos hoy en día, no cristalizó hasta 44 años después. Tal vez por ello, los andaluces damos mucha importancia a su logro como autonomía y marcan este día como uno de los más importantes que celebrar en su calendario.

Actualmente cuenta con un población, a finales de 2024. de 8.663.175 personas, es la comunidad autónoma más grande en términos de población y la segunda en extensión. Pero además, la comunidad autónoma de Andalucía está oficialmente reconocida como nacionalidad dentro de España.

La figura de Blas Infante

Andalucía pidió su autonomía en el siglo XX, pero la identidad andaluza era ya una realidad desde hacía mucho tiempo y es que comenzó con el alzamiento revolucionario de Topete en Cádiz en el siglo XIX. Una de las figuras más relevantes a la hora de crear los símbolos que identifican a Andalucía y a sus habitantes fue Blas Infante, conocido como el "padre de la patria andaluza". Él fue el encargado de recuperar la bandera blanca y verde andalusí, diseñar el escudo que lleva y además compuso el himno andaluz antes de que lo fusilasen en 1936.

Fue en 1914 cuando Blas Infante esboza el que sería el primer escudo que llevaría la bandera blanca y verde para representar a Andalucía. El pensador político argumentaba la necesidad de "volver a levantar un templo al Hércules Heleno, al divino héroe creador de la leyenda hesiódica, hijo de la fortaleza, de lo infatigable y de la conciencia del poder. Por esto, si yo pudiese elegir un escudo para Andalucía, señalaría sin vacilar el de la gloriosa Cádiz con su divisa elocuente: Dominator Hercules Fundator".

La idea de representar a Hércules en la bandera andaluza está íntimamente ligado a la ciudad de Cádiz y es que se basa en el mito de que la capital gaditana fue fundado por el héroe. Alfonso X, cuando reconquistó Cádiz en el siglo XIII, quiso escenificar en el escudo de la ciudad a Hércules y este símbolo perdura hasta el día de hoy.

Lo que comenzó siendo una idea de Blas Infante se terminó materializando en la Asamblea de Ronda que se celebró el 13 y 14 de enero de 1918, por lo que quedó establecido que el Hércules fundador- el del blasón de Cádiz- se convertiría en el símbolo central de la bandera blanca y verde con el escudo de este héroe mitológico que tiene la bandera gaditana. El modelo gaditano sirvió de lienzo para que el héroe griego apareciese entre dos columnas que simbolizan, la columna norte al Peñón de Gibraltar sosteniendo a dos leones y la columna Sur al Monte Hacho (o al Monte Musa de Marruecos.. La leyenda «Andalucía por sí, para España y la Humanidad» se encuentra a sus pies.

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Un himno de amor, de paz, de esperanza de canto a la tierra, a sus gentes: por la Libertad, por España y la Humanidad.

Gonzalo Díaz-Arbolí

No existen las despedidas entre nosotros.Te llevaremos siempre en nuestros corazones.

Han pasado  dos años desde que te fuiste y tu luz nos sigue iluminando en la tertulia

Eugenio fue un premio para mí tenerte como amigo.

Pero no me puedo sacudir la pena.

.Julio de la Rúa

Pensamos que la noción de la muerte el hecho de que algún día moriremos la conocemos desde siempre, pero cuando ocurre, es difícil aceptar la realidad y tomamos conciencia de la relevancia de cada uno de los instantes que forman nuestra vida...

Aunque ausente siempre estarás en la tertulia: 

Todos queríamos que estuvieras, con tu prosa y tu gente, 

y todavía hoy, nos nutres de la nostalgia ausente...

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No se acostumbra uno a las ausencias

aunque la vida te haya endurecido,

como jamás estaremos protegidos

de este estremecimiento de impotencia.

Estos son días de recuerdo, días en que el alma se aquieta y la mente queda huérfana de palabras.

¿Qué podemos escribir de un hombre de espíritu tan poderoso? ¿Dónde están las palabras?

 ¡Hemos comentado tantas veces tu último poemario!  "Desde la caverna sin distancias" 

El libro es todo un tesoro de misteriosos significados y raras intuiciones, que dan fe de que nuestra existencia no fue del todo en vano. Su lectura proporciona una placentera satisfacción. Los poemas están cuidados con el celo de su  parnasianismo y logra elevar el lenguaje a la categoría de obra de arte. Tienen ritmo, un cuidado formal y riqueza léxica, además de la hondura en el contenido, las referencias filosóficas y mitológicas constantes y un escepticismo vital lo acercan mucho a la estética del Barroco. 

Al iniciar la lectura, ya, el epígrafe cronológico nos impresiona: ”En todos los lugares palpita nuestro enigma. Somos los inocentes y crueles juguetes de la vida. Hasta que un bruto alazán nos descabalga de su grupa, antes de llegar a los abismos donde se sientan los jueces, que ordenarán sus destinos de recompensa o castigo”.

Nos detendremos en el luminoso poema que cierra el poemario: “Hacia la nueva tierra” de una espiritualidad y misticismo que trasciende la religión… 

Dirige el curso, en capitán, la alondra

a través de las grietas de las horas,

de espacios palpitantes, de torrenciales norias

hacia la nueva tierra de vides y de aromas…

Al fulgor de la vida no hay gracia que lo iguale,

aunque jamás podamos prolongarle un instante,

porque al gesto solemne de un yo con sus perfiles

el ardor de la frente lo acompaña en sus límites

como domada fiera, como amansado buitre….

Sigue ordenando el curso, hasta el final, la alondra

y al hombre oscuro desde su raíz luminosa.

Pero dirige el curso, en capitán, la alondra

hacia la nueva tierra de vides y de aromas.

Algo ondea en el agua del jardín

que va gritándole a los cielos, sí.

Amigo Eugenio. Ya disfrutas de la nueva tierra de vides y de aromas. 

Desde hace una semana tu hermano Javier también goza, junto a ti, de la nueva tierra de vides y de aromas.

…pero miraré como perdido el tiempo de tu ausencia. Si al contrario, como le pido a Dios, han ido creciendo tus virtudes al paso que te acercas más a tu patria, - la Tierra de vides y de aromas -, semejante al río que toma notable incremento al paso que llega al mar...

En este poema, la vid y su fruto se emplea para vivir la vida de Cristo, vida de la gracia, que es la savia vivificante que anima al creyente y le capacita para dar frutos de vida eterna.

Según el Evangelio de San Juan (15; 1-8), Cristo empleó la vid como una metáfora para explicar la naturaleza de Su relación con quienes desearan ser Sus discípulos.

La alondra representa a Dios, un símbolo de luz y ascensión mística.

Dicho de otra manera: El canto de la alondra es el vino que nos lleva con él en la copa de oro, el valle de este mundo: la alondra son los bosques y los arroyos, los corazones de los hombres…

Poema: de Eugenio W. Martínez Orejas. Música: La mañana, Peer Gynt – E Grieg. Voz: Flora Díaz-Arbolí Hurtado

Como consuelo, Séneca escribió: ”En la pérdida del amigo ni estén secos los ojos, ni tampoco arroyen el suelo. También el duelo tiene vanidad. Esforcémonos para que el recuerdo de los seres que perdimos se nos vuelva apacible y alegre. Aquel que pensamos haber perdido, se nos adelantó. La memoria de nuestros amigos es agradable como las manzanas que tienen una sabrosa pereza.

Ahora no tienes ni ayer ni mañana, has olvidado el tiempo, has perdonado la vida, ya estás en paz.

Por su relevancia y al mismo tiempo gratitud a un comentario de uno de los tertulianos (Julio de la Rúa) que, engrandece esta entrada, lo añado al texto y a comentarios:

En 2019 leí con ilusión el libro "Desde la Caverna sin distancias" de nuestro amigo Eugenio.

Y escribí un comentario y mi agradecimiento, con estas palabras:

-El Poeta, con formación filosófica y teológica, con conocimientos mitológicos y cosmológicos y desde su propia vida y su Fe, transmite con una retórica de gran belleza estética.

Analiza a la Humanidad y al Hombre. También da pinceladas a la Historia y al Universo.

A través de 23 poemas, nos dice:

.En el Hombre, hay bueno y malo.

.El hombre no aprende de la Historia y repite errores.

.En la vida de cada uno hay luces y sombras.

.Hay personas buenas, que te guían por el buen camino.

.Hay ESPERANZA al final de la vida. Si no crees en el más allá, la esperanza es por la Herencia espiritual que dejas y si tienes Fe, además de lo anterior, por una Nueva Vida y un Refugio en el más allá.

.Finalmente, aunque sea emplear matemáticas a la poesía, el 50% de los poemas, hablan de Aurora, Luz, Hombre nuevo, Amor, Buen final...el 42% hablan de Ignorancia, Dolor, Superyó, pérdida de ruta...y el 8% de otras cosas.

. En mi opinión, el Poeta, con belleza, estética, ritmo...y con los pies en el suelo, nos habla del Hombre, de los hombres, de la Vida, de la Fe...y dentro de una realidad de bueno y malo, de luces y sombras, de fulgor y vacío...nos reafirma en la ESPERANZA.

¡¡Muchas gracias al Poeta!!

Gracias por todo lo que nos enseñaste, querido amigo.

Siempre estarás en nuestra memoria.

Los Tertulianos de Los Cántaros

26 de febrero de 2025

Retrato de Maria Teresa de Borbón, Condesa de Chinchón, de Francisco de Goya.

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El retrato de Maria Teresa de Borbón y Vallabriga, XV Condesa de Chinchón y Marquesa de Bobadilla del Monte (1780-1828) fue pintado por Francisco de Goya  en abril de 1800, pocos meses después de realizar el gran retrato de la Familia de Carlos IV.

Doña Maria Teresa, se casó con Manuel Godoy, Primer Ministro y Príncipe de la Paz, por numerosos intereses, sobre todo por el de poder regresar a la Corte y recuperar para ella y su familia el apellido Borbón con todos los honores que esto llevaba aparejado. Su padre, el infante don Luis de Borbón, hermano de Carlos III, y toda su familia, habían sido separados de Palacio por el matrimonio morganático que realizó con doña Maria Teresa de Vallabriga y Rozas.

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Detalle de la obra

La obra, de una belleza singular, con una armonía relajada, de tensión contenida, nos muestra a esta delicada dama, de actitud y mirada melancólica, que acepta su forzado destino. Tenía veinte años y estaba encinta de su primera hija, la infanta Carlota. Con sus brazos crea un espacio, más o menos en forma de rombo, que parece resguardar su embarazo con gran candidez. 

La puesta en escena del personaje es sencilla, no existen elementos accesorios, tan sólo el sillón en el que reposa. La pintura es de realización muy rápida y trazos muy intensos que marcan el ritmo del plegado de la tela de su vestido y de la direccionalidad del mismo. Ciertos empastes de blanco en las zonas más sobresalientes, a modo de acentos musicales, marcan la situación de las rodillas, su embarazo, su pecho, y hacen vibrar la superficie cromáticamente. La soltura en el manejo del pincel es total, hasta en los más mínimos detalles: los anillos –en el más grande de ellos se representa a Godoy-, y el tocado, con las espigas verdes de trigo entre los lazos azules y la gasa blanca. Este dominio de la técnica que reúne simplicidad, al mismo tiempo  detallismo, y la placidez con la que reposa, .

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Detalle del cuadro

La perfecta armonía de esta obra contrasta con los secretos que guarda en su interior. Esta obra tiene su explicación, La condesa de Chinchón tiene tres retratos, uno encima de otro. Detrás de ella está José Álvarez de Toledo. Y encima de éste, Manuel Godoy. Álvarez de Toledo estaba casado con la duquesa de Alba, la famosa Cayetana de la época de Goya. ¡Igual ésta no quería más retratos suyos cuando murió! Y Godoy se casó con la condesa de Chinchón, en matrimonio de conveniencia.

Reutilizó las telas para aprovecharlas y economizar recursos. Le dio la vuelta al cuadro y pintó a la condesa en el otro sentido, dejando a los señores boca abajo. Ambos estaban terminados cuando Goya dio la vuelta al lienzo y los ocultó, pintando encima uno de sus mejores retratos.

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Avance de la restauración de La condesa de Chinchón, de Francisco de Goya (1800)

El lienzo estuvo en manos de los descendientes de la condesa, la familia Rúspoli, hasta enero de 2000, fecha en que el Estado ejerce su derecho de tanteo, que le da prioridad sobre cualquier otro comprador, y lo adquiere para el Museo del Prado por 4.000 millones de pesetas, algo más de 24 millones de euros. Es el mejor retrato que hizo Goya. El titular de Cultura era entonces Mariano Rajoy.  

Francisco de Goya y Lucientes, 

Fuendetodos, Zaragoza, 1746 - Burdeos (Francia), 1828

Nació accidentalmente en Fuendetodos, pueblo de su familia materna. Braulio José Goya, dorador, de ascendencia vizcaína, y Gracia Lucientes, de familia campesina acomodada, residían en Zaragoza, donde contrajeron matrimonio en 1736. Francisco fue el cuarto de seis hermanos. Tras la escuela, que la tradición acepta con reservas como la de los padres escolapios de Zaragoza, entró en el taller de José Luzán (1710-1785), hijo también de un dorador vecino de los Goya, de formación napolitana y vinculado a la Academia de Dibujo.

Javier Goya, en las notas biográficas sobre su padre para la Academia de San Fernando (1832), aseguraba que “estudió el dibujo desde los trece años en la Academia de Zaragoza bajo la dirección de José Luzán”, y Goya, en la autobiografía del catálogo del Museo del Prado (1828), decía que le “había dado a copiar las más bellas estampas que tenía”, aunque no hay apenas en sus primeras obras conocidas huellas del estilo tardo-barroco de aquél. Más adelante siguió su formación con Francisco Bayeu Subías (1734-1795), relacionado por lejano parentesco con los Goya, y que, años después, sería su cuñado por esa unión tradicional entre familias de artistas.

Fuentes: Museo del Prado, Wikipedia,Youtube

Gonzalo Díaz-Arbolí

21 de marzo. Día Internacional de la Poesía. Dedicado al poeta Santiago Ramos Plaza

 

Cada año, el 21 de marzo, la UNESCO celebra el Día Mundial de la Poesía y nos invita a reflexionar sobre el poder del lenguaje poético y el florecimiento de las capacidades creadoras de cada persona.

Es también una vía de expresión que permite a las comunidades transmitir sus valores y fueros más internos y reafirmarse en su identidad; y restablecer el diálogo entre la poesía y las demás manifestaciones artísticas, como el teatro, la danza, la música y la pintura.

La decisión de proclamar el 21 de marzo (equinoccio de primavera) como el Día Mundial de la Poesía (Worl Poetry Day) fue adoptada en 1999, durante una reunión de la UNESCO celebrada en París, con el propósito de consagrar la palabra esencial y la reflexión sobre nuestro tiempo y con la intención de sostener la diversidad de los idiomas y con la intención de sostener la diversidad de los idiomas a través de la expresión poética.

El poeta Santiago Ramos Plaza, nació en Alcázar de San Juan, (Ciudad Real), 1944, falleció en Madrid 25 enero 2021. 

Sus primeros poemas aparecieron en Antología primera (1973).

Ha publicado literatura memorialística. Colaboró en la revista La Veleta del Sastre. Domina las estrofas clásicas, por ejemplo, en "En el cuarto cerrado del amor" reúne un centenar de sonetos.

La lista de libros y poemas publicados es interminable y todos y cada uno de ellos, es un placer para los sentidos.

Cuando lee en vivo, con su característico estilo personal, posee algo especial que solo tienen los verdaderos y grandes artistas.

La búsqueda de su propia voz poética es una constante que logra ese equilibrio entre pureza, belleza y reflexión que tanto caracteriza a su poesía. Es la voz de los recuerdos, y sin embargo, la mirada hacia atrás no es nunca para esconderse de forma egoísta sino para buscar y encontrar nuevos territorios.

Ha publicado en torno a una veintena de libros, de poesía y prosa. En 2019, presentó una recopilación de toda su obra. Cincuenta años resumidos en dos libros: “Torres, 15” y “Velada con mi muerte y con mi amor”.

En todo este tiempo también colaboró en múltiples publicaciones, la más reciente, en la revista digital del Patronato Municipal de Cultura "Salitre". Aunque durante años lo hizo también con "El Semanal de la Mancha" (anteriormente "Canfali"), incluso revistas y publicaciones madrileñas.

De su amistad con Rafael Alberti brota este soneto.

Decía Santiago: Haciendo consideración de todo, he de destacar las colecciones agrupadas por su unidad y tratamiento en "Poemas de la huida", "Corono de sonetos para mi cabeza" y "La muerte que traen los días"

De mis libros anteriores, he escogido abundantes páginas de Alcázar de mis cenizas. Siendo éste de escritura de amor a Alcázar. La temática ha sido la constante en la vida de todo poeta. Dios, deseo, amor, tiempo naturaleza, muerte, destino, y cualesquiera circunstancia personales vividas, destacando, en mi caso, la dedicada públicamente a enaltecer a mi lugar de nacimiento.

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Ruta por las calles: Castelar, Conjunto Santa María, Callejón del Toro, Avda. Herencia, Estación, Rondilla Cruz Verde.

En la voz de Flora Arbolí que, consigue abrazarnos con su calidez 

y nos sumerge en la intimidad de su mundo singular.

El siguiente poema de gran calado y hondura, es un acercamiento oculto y constante a la presencia de la muerte; indica la senda del día en que le llegará el final, son precursores y anticipo de la eternidad.

POR EL CALLEJÓN DEL TORO

Por el callejón del toro

cuando me vaya a morir

llevadme, amigos, al hombro.

Al hombro con gran

dolor y llorando vuestros ojos.

Y si dolor no hay bastante

para ser llevado al hombro,

dejadme, que yo me iré

sin entierro y sin vosotros.

Por el callejón del Toro

cuando me vaya a morir

¡¡llevadme o me iré yo solo!!

Gonzalo Díaz-Arbolí

EL VERDADERO SIGNIFICADO DE MÚSICA Y SU ORIGEN

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En tiempos de crisis y ahora estamos inmersos en un mundo insensible que parece no tener fin, aflora la necesidad de retomar o encontrar la espiritualidad.

Aunque hoy en día adquiere otras características y otros objetivos distintos de los preestablecidos tradicionalmente, una de las formas de hacerlo es a través del ejercicio místico. Las manifestaciones místicas de nuestro tiempo aparecen tanto en la literatura, en el cine o en la música.

¿Cuál es el origen de la palabra música?

Esta palabra procede de la expresión latina «ars musica«, que es una copia del griego «mousiké téchne«, que quiere decir «arte música» o, lo que es lo mismo, «arte de las musas"

¿Quiénes eran las musas en la mitología griega?

En un principio había un gran número de musas. Sin embargo, con el paso del tiempo solo quedó una cantidad determinada en toda Grecia: las nueve Musas. Según la mitología, ellas inspiraban las artes.

Según los escritores antiguos, todas tuvieron un romance con Apolo, el dios de la música. Hesíodo fue quien empezó a llamarlas con distintos nombres.

La leyenda cuenta que las nueve nacieron en nueve noches consecutivas de amor entre Zeus y Mnemósine, una de las titánides. Entonces estas musas son las nietas de dioses como Urano y Gea. 

Euterpe: Es la musa de la música. Su representación artística suele ser una flauta.

Para los antiguos pitagóricos: “música significa el concierto y armonía del Universo según número”. (El número, alude al aspecto visual, geométrico y astronómico de los cuerpos del Cosmos, que es comparado con un inmenso teatro. La armonía alude al sonido de los instrumentos afinados que hacen del Cosmos una orquesta sinfónica).

Desde los tiempos más remotos nos han llegado mitos y leyendas que dan testimonio del poder que la música ejerce sobre los hombres y de su eficacia para exorcizar a los malos espíritus, por eso estaba en manos de magos y hechiceros. Del poder sobrenatural de los instrumentos musicales se habla en el Antiguo Testamento, cómo el clamor de las trompetas derrumbó las murallas de Jericó. Aún, en la actualidad, algunos pueblos indígenas tienen la firme creencia de los poderes sobrenaturales de la música y hacen uso de ella para atraer a la lluvia o para combatir plagas y enfermedades.

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               La canción más antigua del mundo

En la época sumeria (milenios IV-III a.C.), los templos se convirtieron en centros de estudio, en los que los versados en liturgia, los matemáticos y los astrólogos trabajaban juntos. Ya en el periodo caldeo, tres mil años después, el interés por la astrología pasó a ocupar el primer lugar, y la teoría de la música empezó a relacionarse, muy estrechamente, con ella y con las matemáticas. Los que estudiaban los movimientos de las estrellas creían en su influjo sobre el destino de los hombres y en la perfecta armonía existente en el universo. Puesto que el universo y el hombre se encontraban estrechamente vinculados, la música hecha por los hombres debería reflejar esa perfecta armonía.

 

 El poder mágico del  proto-canto, que sin duda reflejó la extraordinaria fuerza hipnótica de la música, le sirvió al hombre primitivo para congraciarse con la divinidad en el rito, otorgándole al canto un lugar preponderante en el sistema de creencias, plasmadas básicamente a través del mito. El canto se consolida pues como el lenguaje privilegiado de comunicación con los dioses. El conducto directo al otro mundo. Al mundo de las Ideas.  Por ello la música es la única vía que nos permite huir del mundo exterior, del sufrimiento y del dolor como afirma Schopenhauer, para adentrarnos, aunque sea por unos minutos, por unas cuantas unidades del tiempo que sirve para medir el espacio a nuestro mundo interior y dialogar con nosotros mismos.

La música de Bach es matemática y estéticamente sublime, está más cerca de la perfección matemática que ninguna otra y él mismo realizó pequeños acertijos matemáticos en algunas de sus piezas.

Por ejemplo: Se denomina BACH, en música a la secuencia de notas siguiendo la anotación anglosajona que asocia las notas con las letras:

SI BEMOL se representa por la letra B,

LA es una A,

DO se corresponde con la C,

SI con la H; 

por lo que al componerlo resulta dicho nombre.

Alguien que oculta su nombre en sus composiciones es aficionado a los enigmas muy enrevesados.

Pero todo esto es sólo accesorio a la experiencia de escuchar su música y sentir su belleza. Pitágoras creía que cierta música podía usarse como medicina y como una herramienta para aumentar la conciencia de sus estudiantes.

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Observen gráficamente la estructura de un palíndromo musical

Claude Debussy la define como: La música es la expresión del movimiento de las aguas, el juego de las curvas de las olas que describen las cambiantes brisas.

Ludwig van Beethoven dijo: La música es el intermediario entre la vida espiritual y la sensual. La música es una revelación más elevada que toda la sabiduría y la filosofía.

. La música es una parte imprescindible de nuestras vidas.

. En el mundo del arte la música expresa emociones y recuerdos.

. La música hace que la gente sea feliz sin provocar daños. . La música es, después de todo, la “máquina simbólica de abolir el tiempo”. 

La misión del blog "Desde mi rincón del arte" es compartir el conocimiento y enriquecer el debate. Y para ello, lanzamos la siguiente pregunta como un reto: ¿cómo sería el mundo si el sonido no existiera?

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                 Vídeo en memoria de la profesora Cristina Moreno Hernández

Fuente: Internet

  Gonzalo Díaz-Arbolí

Leyendas de Vejer

 

No se debe tachar de inmovilismo romántico el que surja la vena poética al contemplar la perfecta y sutil armonía que se da en la conjunción de la cal y los sillares de piedra. 

El sustrato profundo de la arquitectura de Vejer está en buscar la proyección hacia adentro. Obsérvese la inexistencia de elementos ornamentales (franjas y cenefas) en sus fachadas, ya que les basta la variedad de tonalidades que la luz confiere a sus patios interiores; tonalidades que, serpentean de manera constante y pasan del blanco con la luna, al rosa del amanecer y el dorado de la siesta. 

Esta peculiar arquitectura de la formas y de la luz confiere al vejeriego un modo especial de ver y hacer las cosas, en definitiva, un estilo de vida sobrio, elegante, recoleto, reflexivo, profundo… 

Acorde con esa especial manera de entender la vida, el vejeriego proyecta hacia afuera su imaginación, ya que en el interior, el permanente juego de colores, luces y sombras le bastan para sentirse eterno. 

Se cuenta que en esta calle, en la que nos encontramos, vivía y ejercía sus labores un zapatero que conforme a las costumbres del lugar, las primeras luces lo encontraban enfrascados en sus quehaceres cotidianos. 

Casado y con hijos, ese hombre dejaba transcurrir los días dedicado a la monotonía de sus labores y a la cotidianidad parsimoniosa y cansina de la relaciones familiares. 

Pero, un día, observa que una cobijada al pasar por delante de su pequeño taller, mira hacia adentro, y le inclina levemente la cabeza a modo de saludo, creyendo él, percibir una especial brillo en el único ojo que deja ver el atuendo que portaba. Rejuvenece, se ilusiona, y espera impaciente la llegada del nuevo amanecer. Al día siguiente vuelve a ocurrir y, al otro y al otro. Imagínense a este hombre, en el contexto social de principios del pasado siglo, recreándose en mil ensoñaciones. 

Exultante por lo que aquello significaba e ilusionado por lo que pudiera significar vivía el zapatero, aunque atormentado por la idea de que pudiera trascender a sus convecinos. 

Detalle de la parte superior del traje de cobijada.

Cierto día, armándose de valor decide seguirla y con mucho sigilo parte tras ella y recorre el camino que dista desde su casa hasta la Iglesia. Al llegar allí y, como era preceptivo, la mujer se descubre la cabeza y observa con enorme estupor y asombro que era su mujer la que al pasar por delante del taller, le dedicaba un saludo afectuoso todos los días. 

Con el mismo sigilo vuelve a su zapatería y reflexionando sobre lo ocurrido llega a la conclusión que la vida en Vejer, debe hacerse hacia adentro, que es donde está la auténtica belleza. 

Javier Díaz Arbolí

Ópera: Fidelio o el amor conyugal. Un canto a la libertad

 

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Introducción a Fidelio de Beethoven (1805/14)

Fidelio es la única ópera compuesta por Beethoven. Estrenó dos versiones, una fallida en 1805 y una reformada en 1814. La acción tiene lugar en una prisión en la España del siglo XVII, cerca de Sevilla, gobernada por Pizarro, un funcionario corrupto que utiliza su poder de forma ilegal contra sus enemigos. 

Esquema: La obra relata el intento de Leonore, disfrazada como Fidelio, de entrar en la prisión para poder salvar a su marido o al menos llevarle consuelo. Tras una serie de escenas, Fidelio encontrará a su amado y lo salvará. Es por tanto un argumento no solo a la lealtad o a la fidelidad, sino también a la libertad.

La novelesca acción se desarrolla en una cárcel donde Leonora, mujer del preso Florestán (arrestado injustamente dos años atrás por enfrentarse a un noble, Pizarro, alcaide de la cárcel) se ha introducido, disfrazada de hombre y haciéndose llamar Fidelio (nombre muy apropiado para los sentimientos de la protagonista) como ayudante del guardián de la prisión, Rocco. Éste, por orden de Pizarro, está matando de hambre a Florestán. Pero ante una inminente inspección, Pizarro conmina a Rocco a cavar una tumba en las mazmorras, pues quiere matar personalmente al prisionero. Leonora, aunque no conoce el plan, intenta por todos los medios ayudar a Rocco y así poder a ver a Florestán. Ya en el segundo acto, Rocco y Leonora bajan a lo más profundo de la prisión pero, antes de que aparezca Pizarro, Leonora se esconde y cuando el tirano quiere matar a su marido con una daga se interpone esgrimiendo una pistola. En ese momento se anuncia la llegada del ministro, Don Fernando, y el plan de Pizarro es descubierto y él arrestado. También Fidelio revela su auténtica identidad y todos cantan la valentía de la esposa mientras libra de las cadenas a su marido.

En cuanto a los momentos más destacados están el coro de los prisioneros, el cuarteto y el final del acto primero, y el impresionante concertante con el que acaba la obra. Pero en toda la ópera veremos la inspiración magistral de Beethoven que hace de Fidelio una obra imprescindible del repertorio operístico.

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O Welche lust (Fidelio) - Coro de Prisioneros

Coro final de la ópera Fidelio. Los finales de Beethoven siempre nos elevan a un nivel superior

En la ópera se dan cabida las emociones con que cada uno de nosotros convivimos en nuestra propia vida (celos, amor imposible, traición, amistad, conflicto deber-amor…) Eso hace que, identificándonos en los personajes y en las situaciones que estos atraviesan, podamos reconocer en ellos parte de nuestro yo más íntimo.

Fuente: Wikipedia.

Gonzalo Díaz-Arbolí