La West-Eastern Divan Orchestra (en español Orquesta del Diván de Oriente y Occidente, nombre inspirado en un libro de poemas de Goethe) es un proyecto ideado por el músico Daniel Barenboim y el filósofo Edward Said en 1999 para reunir, con espíritu de concordia, a jóvenes talentos musicales palestinos, árabes e israelíes, así como un foro para el diálogo y la reflexión sobre el conflicto israelí-palestino. Este proyecto nació con el propósito de combinar el estudio y el desarrollo musical con compartir el conocimiento y la comprensión entre culturas que han sido tradicionalmente rivales. Sus primeras ediciones transcurrieron entre Weimar y Chicago hasta que, en 2002, se estableció definitivamente en Sevilla. Desde ese año también participan en la orquesta jóvenes músicos españoles.
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Es un milagro alumbrar estas maravillas que traspasan la percepción de los sentidos. Tanta acumulación de belleza llega a causar esa insoportable y dolorosa levedad del fatigado ser físico, que el alma convierte en nítida hermosura, con desprecio de los sentidos, ante el triunfo de la armonía.
Que de unas humildes notas, brote el torrencial manantial de la Novena ese es el milagro y el pecado es la sensual querella de la maestría de Barenboim.
Otro milagro es amparar en un mismo abrazo la enorme diversidad de ideologías políticas, físicas y religiosas que habitan las frentes y los pechos pletóricos de juventud de los componentes de la orquesta.
No puedo evitar, ni lo quiero, el sentir una profunda admiración por Barenboim y una devoción casi religiosa.
Mientras en nosotros quede capacidad para la maravilla y el mundo siga ofreciéndola , estamos salvados.
Santander (Cantabria), 6.III.1881 – París (Francia), 5.IV.1932.
Nació con un grave problema físico, padecía cifoscoliosis (doble desviación de la columna vertebral) y era jorobada. La mayoría de sus biógrafos recogen que el problema le sobrevino de una caída de su madre, estando embarazada de ella. Sin embargo, la propia María dirá que el problema le sobrevino al caer de los brazos de la niñera cuando contaba dos meses de edad. Sea cual fuere la explicación, lo cierto es que María Blanchard sufrió terribles burlas a lo largo de toda su vida por su defecto físico. El padre de María, Enrique Gutiérrez Cueto, secretario de la Junta de Obras del Puerto, era un hombre de gran cultura, aficionado a la pintura. Enseguida se percatará de la infelicidad que el defecto causará en su hija; por ello, proyectará inculcarle su amor al arte y pronto le regalará una caja de pinturas. Animará y alentará los primeros dibujos de María, no dejando jamás de incitarla a continuar por el camino del arte.
En su infancia y adolescencia tuvo que soportar las constantes burlas de otros niños, a pesar de poseer unas bellísimas manos, delicada tez y larga cabellera, alabada por Federico García Lorca. En 1904 muere el padre de María Blanchard y la familia queda en una mala situación económica, por lo que la madre, Concepción Blanchard Santisteban, decide trasladarse con todos sus hijos a Madrid. En 1906 estudia con Álvarez de Sotomayor, quien presumiblemente le anima a presentarse a la Exposición Nacional de Bellas Artes, con la obra Gitana, que actualmente se exhibe en el Museo de Bellas Artes de Santander. Dos años más tarde vuelve a presentarse a la Exposición Nacional con la obra Los primeros pasos, en esta ocasión conseguirá la tercera medalla. Ese mismo año entra en el taller de Manuel Benedito. Durante estos primeros años de su época de formación en Madrid, María realiza obras en la línea del academicismo de sus maestros, con un dibujo firme y tonos sobrios; los modelos elegidos por lo general son sus amigos y allegados, siendo más abundantes las figuras femeninas. Y será al finalizar el verano de 1908 cuando María se anime a escribir a la Diputación Provincial solicitando una beca para continuar sus estudios en París. La corporación provincial le concede la beca solicitada por espacio de tres años. Hacia esa fecha conoce a Diego Rivera; a partir de este momento les unirá una importante amistad. María permanecerá por espacio de catorce años cerca del muralista mexicano.
La belleza deseada
El escritor Ramón Gómez de la Serna comentó que era ‘’ […] una muchacha brujesca y genial’’. El pintor Diego Rivera afirmó una verdad en sus duras palabras y que puede demostrarse gracias al retrato fotográfico de Blanchard (1909): «[…] encima de su cuerpo deforme había una hermosa cabeza». Por otra parte, el poeta Federico García Lorca escribió su ‘Pequeña elegía a María Blanchard‘ (1932) con motivo de un acto para conmemorar su fallecimiento. Sobre la artista dijo «[…] hablo de tu cabellera y la elogio… Porque eras jorobada, ¿y qué?». La elegía fue recitada a la par que los discursos de otras personalidades que admiraron a Blanchard como la política Clara Campoamor.
Si bien estas afirmaciones no son agradables teniendo en cuenta la amabilidad y predisposición que caracterizaron a la pintora, la situación más penosa que vivió fue su relación comercial con el ambicioso y estafador marchante Léonce Rosenberg, el cual adquirió sus mejores lienzos por precios irrisorios.
Retrato de María Blanchard (1921). Tora Vega Holmström.
Aunque la artista rehusaba de su apariencia, se conservan unos pocos retratos fotográficos y pictóricos que llamativamente no dejan constancia de su fisonomía corporal. La pintora sueca Tora Vega Holmström logró hacerle varios retratos en pintura. Nuestra protagonista conoció a Holmström en una de sus estancias en París para aprender arte, al igual que a sus colegas los pintores Juan Gris y André Lothe.
El cubismo fue el movimiento que más caló en Blanchard. Se trata de una vanguardia que tiene como principio fundamental eliminar la perspectiva ilusionista que nace en el Renacimiento. Esto quiere decir que las pinturas anteriores a esta corriente intentan reproducir el espacio tridimensional mediante la perspectiva.
Sin embargo, el cubismo busca representar una nueva dimensión: el tiempo. Así, en la ciencia de la física existen la altura, anchura, profundidad, pero también el tiempo.
María Blanchard dando lecciones de pintura a su alumna Jacqueline Rivière. Michael Houseman.
A sus 46 años, María vivió un momento de profunda espiritualidad al acercarse a la fe católica de la mano de su buena amiga Isabelle Riviére. De esta época son una serie de obras dedicadas a la maternidad, faceta que, a pesar de no poder vivir en primera persona, plasmó con gran ternura y sensibilidad.
La vida de María Blanchard se apagó con tan sólo 51 años. Su condición física y su intenso trabajo, fruto de su talento e incansable esfuerzo, la debilitaron definitivamente. María pintó hasta el último momento. El 5 de abril de 1932 fallecía enferma de tuberculosis. A su entierro en el cementerio de Bagneux acudieron a darle el último adiós su familia, sus amigos y todos aquellos pobres desvalidos a los que no dejó de ayudar económicamente a lo largo de su vida.
Desaparecía aquella pequeña mujer, de apariencia desafortunada, pero con un gran corazón y un enorme talento. Regalaba al mundo del arte preciosas obras con las que recordarla.
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Hay algo especial en estas fechas. Cada año, en épocas decembrinas, sin falta, escuchamos los villancicos, una y otra vez, como un hermoso tapiz sonoro y musical que nos acompaña durante todas las celebraciones navideñas. ¿Pero de dónde vienen? ¿Quién los inventó? ¿O cuándo empezaron a ser tan populares?
El villancico es un antiguo género musical y poético, de origen español y de naturaleza popular. Sus inicios se pueden rastrear hasta los siglos XII y XIII, pero tuvo su auge entre los siglos XV y XVIII. En términos muy amplios, se trataba de lo que hoy llamamos genéricamente «canciones».
Se les llamó villancicos porque en un principio eran cantados y creados por la gente del campo, las aldeas, también llamados en aquel tiempo “villanos”, pues las “villas” era otra forma de referirse a estos entornos rurales. Por otra parte, el diminutivo se explica por el hecho de que se trataba de “cancioncillas”, composiciones sencillas y cortas.
No obstante, estos no se trataban exclusivamente de la Navidad. Había villancicos de prácticamente cualquier tema, como sucede hoy con las canciones. Entonces, ¿cuándo se empezaron a componer los villancicos navideños como tal?
Al parecer, el inicio de esa costumbre se cierne a las fechas de mayor auge del género. Entre XV y XVIII, como se dijo anteriormente. En ese periodo la Iglesia empezó a utilizarlos para celebrar motivos religiosos, como todo lo relacionado con la Natividad.
En ese lapso, durante más 300 años, de manera puntual, anualmente, no había catedral, convento o iglesia que no encargara el texto y la música de los villancicos que se cantarían durante las celebraciones navideñas.
Se cree que el primer villancico navideño fue compuesto en la ciudad española de Toledo, en el siglo XV, y se debe a un autor anónimo. Este se titula «Bien vengades, pastores» y aún se conserva.
A partir de entonces, la expansión del género se hizo imparable. Pronto esta costumbre de componer canciones con las cuales amenizar las fechas decembrinas encontró buena acogida en prácticamente todo el mundo.
VILLANCICOS NAVIDEÑOS EN MÉXICO
En nuestro lado, cuando México aún era llamado “Nueva España”, también se compusieron villancicos navideños. Unos de los ejemplares más antiguos son aquellos nombrados como «Angélicas milicias» y «Albricias mortales», compuestos por Miguel de Sumaya (1680-1755), hoy considerado el representante más prolífico del barroco musical en el Continente Americano.
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De hecho, en el México Novohispano se llegaron a componer, incluso, villancicos navideños en náhuatl.
Un claro ejemplo de ello son los villancicos en náhuatl compuestos por la máxima poetisa mexicana,
Sor Juana Inés de la Cruz, pero no fue la única. También hubo algunos otros como Gaspar Fernández,
organista en aquel ayer de la Catedral de Puebla, quien nos dejó en herencia el bello
«Xicochi Conetzintle», considerado el villancico en náhuatl más antiguo.
VILLANCICOS NAVIDEÑOS EN EL MUNDO
México, por supuesto, no fue el único país que adoptó con cariño estas bellas composiciones. Prácticamente, todos los países en el mundo tienen sus propios villancicos, aunque se utilicen diferentes nombres para referirse a ellos. En Ucrania y Rusia se los conoce como “Koliadki”, “Koleda” en Bulgaria y Polonia, “Pastorali” en Italia, “Weihnachtslieder” en Alemania, “Christmas Carols” en los países de habla inglesa y “Agüinado” en Venezuela.
En América del Norte, una de las naciones más productoras de clásicos navideños de los últimos años, destacan piezas como, «Oh Happy Day», «Jingle Bells», «Happy Christmas», «White Christmas». En Italia, en cambio, destacan «Tu scendi dalle stelle», «María lavava», «In notte placida», «Piva... piva...»
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De España, sobresalen «Esta noche es Nochebuena», «Rin, rin», «En el portal de Belén», «San José era carpintero», «Campanas de Belén» y «La Marimorena», por mencionar algunos. Mientras que en Francia se han popularizado el «Minuit, Chrétiens», «Entre le bœuf et l'âne gris», «Il est né le Divin Enfant» y «Douce nuit, sainte nuit».
En México son muy populares «Arre, borriquito» y «Los Peces en el río». En Austria es común escuchar «Les anges dans nos campagnes» y «Noche de Paz».
Por último, cabe mencionar el «En un burrito orejón» de Argentina; el «Arrurrú» de Chile; «De las montañas venimos» en Puerto Rico y «The first Nowel» de Inglaterra.
VILLANCICOS CLÁSICOS
A lo largo de toda la historia y a lo extenso de todo el mundo, algunos villancicos navideños han sobresalido entre todos, por su popularidad. Estos son algunos de ellos.
Jingle Bells: compuesto en 1850 por Pierre Pierpont, compite como una de las canciones navideñas más famosas en el mundo. Sin embargo, en un principio no fue pensada como un villancico navideño, sino como una especie de celebración a las carreras de trineos.
Noche de Paz: Obra de Joseph Mohr y su amigo Franz Xaver Gruber, fue estrenado en 1818 y hoy en día es otro de los que compiten por ser uno de los más famosos alrededor del mundo. Tan solo ha sido traducido a más de 300 idiomas. Y pensar que fue creado ante la urgencia de un órgano descompuesto. Si quieres saber más, hemos escrito sobre su bella historia en este otro blog.
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Rodolfo, el Reno de la Nariz Roja: Otro éxito mundial. Fue compuesto en 1939 por Robert L. May. En un principio, aunque no lo creas, fue creado con fines comerciales: la intención de L. May era promocionar una cadena de tiendas departamentales en Chicago.
Santa Claus is Coming to Town: Otro de los más conocidos. Fue escrito en 1932, aunque fue rechazado en un principio por las disqueras al considerarlo como una simple canción infantil. Hoy ha vendido millones de discos en el mundo entero.
Feliz Navidad: Uno más que no podía faltar en esta lista y uno de los más nuevos. Fue editado por primera vez en 1970. Hoy es un imprescindible.
Paseo en Trineo: Fue compuesta por Leroy Anderson en 1946. En México, llegó a ser un gran éxito gracias a la interpretación de Angélica María, en la década de los sesenta.
We Wish You a Merry Christmas: Una aportación de Inglaterra. Aunque se desconoce su autor, se cree que data del siglo XVI. Se dice que los antiguos vendedores ambulantes ingleses lograban mejores ventas si se hacían acompañar por esta y otras bellas canciones de Navidad.
Los Peces en el Río: Un clásico anónimo que en México ganó gran popularidad gracias a la interpretación del grupo musical Pandora a finales de la década de los ochenta.
Campana sobre Campana: Aunque se desconoce su origen y autor, se cree que es de origen andaluz, región de España, y se ha convertido en un clásico de la navidad en Iberoamérica.
Blanca Navidad: También el cine ha generado una gran cantidad de éxitos navideños. Este fue compuesto por el estadounidense Irving Berlin en 1942 para la película Holiday Inn.
O Holy Night: Fue compuesta en 1847, en francés, por Placide Chapeau. Además de ser un clásico de estas fechas, fue curiosamente la primera pieza musical transmitida por radio. Desde entonces, no ha dejado de acompañarnos en estas fechas.
DEL CANTO POPULAR A LA MÚSICA CLÁSICA
Ahora, hablando de clásicos, si bien es verdad que estas composiciones originalmente surgían del pueblo, la música culta la adoptó con rapidez, uniéndose a esta costumbre algunos de los más ilustres compositores de la música clásica.
Una de las piezas de esta naturaleza más conocidas es el «Oratorio de Navidad» compuesto Bach para las fiestas de la Natividad de 1734. Otro clásico es el «Aleluya» de Handel, perteneciente a su obra El Mesías, estrenada el 13 de abril de 1742. Por último, cabe mencionar otro infaltable de los conciertos decembrinos alrededor del mundo, como el «Adeste Fideles», una composición que tiene su origen en el esquema tradicional del rito religioso de la misa desde el siglo XVIII. Así mismo, cabe mencionar «Jesús, alegría de los hombres» de Bach, «Joy to the world» de Isaac Watts, «Gloria in Excelsis Deo» de remoto origen eclesiástico, entre muchas otras que año con año se interpretan en los tradicionales conciertos decembrinos que se celebran alrededor del planeta.
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LOS VILLANCICOS MODERNOS
Con el tiempo, el significado de “villancicos navideños” se ha difuminado. Hoy nos referimos libremente con esas palabras a cualquier composición con temática navideña. Lejos de ser una costumbre olvidada, todos los años surgen nuevos temas que diversifican y enriquecen y adorna musicalmente nuestras navidades, a la par que algunos de larga tradición se ven renovados con la interpretación de nuevos cantantes.
Algunos ejemplos de lo anterior son «All I Want For Christmas is You» interpretado por Mariah Carey, «Blanca Navidad» interpretado por La Oreja de Van Gogh, «Rockin’ Around The Christmas Tree» de Miley Cyrus, «Let it snow» de Frank Sinatra y «Siempre es Navidad junto a ti» de Edurne, «Thank God It's Christmas» de Queen, «I'll Be Home for Christmas» de Elvis Presley, «Un año más» de Mecano y «New Years Day» de U2, por mencionar algunos.
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Por último, cabe mencionar que, aunque estos villancicos se cantan durante todo diciembre, en ningún día se escuchan con más gusto que en la noche de Navidad. A propósito, en México, principalmente en el centro, se acostumbra, desde fechas muy remotas, que las familias tradicionales entonen villancicos para pedir “Posada”, como lo hicieron José y María cuando buscaban un lugar cálido y acogedor donde pudiera nacer en niño Jesús.
En fin, sabemos que, en ocasiones, los villancicos pueden estar demasiado presentes y llegar a fastidiar, pero, piénsalo un poco, imagina una Navidad sin ellos. Ninguna otra época del año está tan íntimamente ligada a la música como esta. Imaginar esta festividad sin música, definitivamente, es imposible. Lo cierto es que, sin ellos, no sería lo mismo.
FUENTES
Publicación: 22 Dec 2022 Disciplina: Música. J. M. Sadurní
La Sociedad Económica Amigos del País de Vejer, pone a disposición de los socios una edición digital restringida del original del Poemario-Catálogo "Campo Adentro" de Manuel Manzorro.
Durante el tiempo de Adviento, que es el primer periodo del año litúrgico cristiano, los creyentes tienen diversas costumbres y prácticas que giran en torno al nacimiento de Cristo. Una de ellas es escuchar el coro más insigne: el celebérrimo “Aleluya” de Händel, el cual hemos adoptado como un canto indisolublemente ligado a la Navidad.
El majestuoso coro marca la cumbre del drama coral, es la celebración de la soberanía suprema de Cristo sobre los reyes y señores terrenales y es, aparte de patrimonio de la humanidad, la obra navideña por excelencia.
Se trata de una obra eminentemente sacra, que narra el nacimiento, pasión, muerte y resurrección de Jesús, utilizando textos del Antiguo y Nuevo Testamento, capturando la profundidad de la narrativa bíblica a través de la música, en un estilo que combinaba el Barroco con la expresión emotiva del período clásico.
Pertenece a su oratorio El Mesías -Un oratorio es una sucesión de arias, coros y recitativos escrita para cantantes solistas, coro y orquesta-.
Según la tradición hebrea y cristiana, la palabra aleluya del coro de la canción remite a un canto o señal de júbilo. En las primeras estrofas de la canción se alude al rey David y, la simbología judeocristiana habla de la felicidad y el dolor que provoca el amor.
La mayor parte de los textos pertenecen al antiguo testamento. Haendel concibió el oratorio en tres partes, como los actos de una ópera barroca. La primera parte cubre la anunciación del nacimiento y la llegada de Cristo realizada por varios profetas, donde, tras una sinfonía musical, el tenor canta una pieza fundamental que expresa las buenas nuevas del futuro nacimiento del Mesías. Después comienza la segunda parte, que refleja los sufrimientos que pasó Jesús antes de su pasión y su muerte y, tras varias piezas, el segundo acto termina con el “Aleluya” que proclama la resurrección de Jesús. La tercera parte, la más breve de todas, celebra la redención y la promesa de la vida eterna, que concluye con un extenso “Amén”.
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Con la salud quebrantada, Haendel estaba a punto de dejar Inglaterra cuando el gobernador de Irlanda lo invitó a dar una serie de conciertos en Dublín. Mientras planeaba su viaje, escribió un nuevo oratorio: El Mesías, en sólo 23 días, a veces sin dormir ni comer. Esta rapidez en la composición era normal en su dinámica de trabajo.
Cuando terminó el coro de Aleluya, dijo a su asistente: "Creo que he visto el cielo delante de mí, y también a Dios." El estreno de este oratorio, que se llevó a cabo el 13 de abril de 1742 en Dublín, estuvo dedicado a obras de caridad y tuvo un éxito rotundo. Fue representado en el Covent Garden de Londres y dirigido por Haendel todos los años en la época de Pascua hasta el día de su muerte.
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El vídeo es una representación del Mesías completo en la Ópera de Sidney.
George Friederic Handel ,(Halle, Brandeburgo-Prusia; 23 de febrero de 1685 - Londres; 14 de abril de 1759) fue un compositor alemán, posteriormente nacionalizado británico, considerado una de las figuras cumbre de la historia de la música, especialmente la barroca, y uno de los más influyentes compositores de la música occidental y universal. En la historia de la música, es el primer compositor moderno en haber adaptado y enfocado su música para satisfacer los gustos y necesidades del público, en vez de los de la nobleza y de los mecenas, como era habitual.
Su legado musical, síntesis de los estilos alemán, italiano, francés e inglés de la primera mitad del siglo XVIII, incluye obras en prácticamente todos los géneros de su época, donde 42 óperas, 24 oratorios y un legado coral son lo más sobresaliente e importante de su producción musical.
Es esencial tener en cuenta el contexto histórico en el que Händel creó esta obra para comprender con exactitud la magnitud de la misma. El siglo XVIII fue una época de efervescencia cultural en Europa y la música desempeñaba un papel fundamental en la vida de la sociedad.
Está considerado uno de los compositores de música clásica más oídos hoy en día y el Mesías, una de las obras más famosas y difundidas de la música clásica.
El pasado miércoles, hablábamos en nuestra tertulia de la cultura árabe y surgió -por parte de José Luis- el tema del sabio y místico "Rumi". Tras una ardua investigación sobre asunto tan interesante, lo publicamos en el blog.
Jalál al-Dín Rümí, erudito islámico, teólogo maturidí y místico, una de las figuras más célebres del sufismo y uno de los más grandes maestros espirituales del Islam. Se le considera el mayor poeta místico musulmán y uno de los más grandes de toda la mística universal. Nació el 30 de septiembre de 1207 en Balj, en la actual Afganistán y murió en Konya (entonces parte del Sultanato de Rüm, de la dinastía de los turcos selyúcidas), el 17 de diciembre de 1273, razón por la cual se conmemora cada año el fallecimiento de este ilustre pensador y místico sufí del Islam en dicha ciudad de la Anatolia turca. Conocido popularmente como Rumí, que significa «originario de la Anatolia romana» ya que la Anatolia era denominada por los turcos selyúcidas como la «tierra de Rum (los romanos)», en referencia al Imperio romano de oriente más conocido como Imperio bizantino.
La importancia de Rumí trasciende lo puramente nacional y étnico: iranios, tayikos, turcos, griegos capadocios, pastunes, otros musulmanes de Asia central, así como musulmanes del subcontinente indio han apreciado enormemente su legado espiritual a lo largo de los últimos siete siglos. Después de su muerte, sus seguidores fundaron la orden sufí Mevleví, mejor conocidos como los «Derviches Giróvagos», ya que realizan una meditación en movimiento llamada «semá» donde hombres (y actualmente, mujeres) giran sobre sí mismos acompañados por flautas y tambores.
A través de los siglos ha tenido una significativa influencia en la literatura persa, urdú y turca. Sus poemas son diariamente leídos en los países de habla persa como Irán, Afganistán y Tayikistán y han sido ampliamente traducidos a varios idiomas alrededor del mundo. Rumi ha sido descrito como «el poeta más popular del mundo».
Las obras de Rumi están escritas principalmente en persa, pero usó ocasionalmente también el turco, árabe, y el griego capadocio en sus versos. Su poema Masnavi (Maznawi), escrito en Konya, es considerado uno de los más grandes poemas de la lengua persa. Sus obras son ampliamente leídas actualmente en su lengua original a lo largo del Gran Irán y el mundo de habla persa.Traducciones de sus obras son muy populares, de manera más notable en Turquía, Azerbaiyán, los Estados Unidos y el Sur de Asia. Su poesía ha influenciado no solo la literatura persa, sino también las tradiciones literarias de las lenguas turca otomana, chagatai, urdu, bengalí y pastún.
Sus textos son considerados obras fundamentales del sufismo. Sus poemas se han traducido a numerosos idiomas. En Estados Unidos de America, su obra, superior a cuatro mil versos y la reproducción de los mismos, se multiplica y disemina por el recibimiento tan apasionado de sus lectores, sobre todo desde de los años 60. Un interés que se mantiene vigente.
Página de un manuscrito de la obra de Mevlana (Rumi), datado en 1503.
El tema general de sus pensamientos, así como los de otros escritores sufíes, está esencialmente enfocada sobre el concepto de Tawheed (unidad) y la unión con su Amado (la fuente principal) de donde hemos sido cortados y del constante lamento por esta separación y su constante deseo de volver al "cañaveral" (la unidad):
Escucha el ney, (flauta de caña):
y la historia que cuenta,
cómo canta acerca de la separación:
Desde que me cortaron del cañaveral,
mi lamento ha hecho llorar a hombres y mujeres.
Deseo hallar un corazón desgarrado por la separación,
para hablarle del dolor del anhelo.
Todo el que se ha alejado de su origen,
añora el instante de la unión.
[...]
Cuando la rosa se haya ido y el jardín esté marchito,
no podrás escuchar más la canción del ruiseñor.
El Amado lo es todo; el amante apenas un velo.
El Amado está viviendo; el amante es una cosa muerta.
Ama las voluntades de lo que traen estas palabras.
[...]
Le pregunté al ney
¿de qué te lamentas?
¿cómo puedes gemir sin poseer lengua?
El ney respondió:
Me han separado del cañaveral
y ya no puedo vivir sin gemir y lamentarme
Una de las razones del renombre de Rumi es que puede verbalizar el confuso mundo del crecimiento personal/espiritual y místico de una manera muy concisa y directa. Él no ofende a nadie e incluye a todos en sus textos. El mundo de Rumi no es ni exclusivamente el mundo de un sufí, ni el mundo de un hindú, ni un judío, ni un cristiano; es el estado más alto de un ser humano, un ser humano completamente desarrollado, no encasillado por limitaciones culturales; él toca a cada uno de nosotros.
Ven, ven, quienquiera que seas;
Seas infiel, idólatra o pagano, ven
Este no es un lugar de desesperación
Incluso si has roto tus votos cientos de veces, aún ven!
Las visiones, las palabras, y la vida de Rumi enseñan cómo alcanzar la paz y felicidad interna, para poder, finalmente, parar la corriente continua de la hostilidad y el odio y alcanzar la paz y armonía globales verdaderas.
¿Qué puedo hacer, oh creyentes?, pues no me reconozco a mí mismo.
No soy cristiano, ni judío, ni mago, ni musulmán.
No soy del Este, ni del Oeste, ni de la tierra, ni del mar.
No soy de la mina de la Naturaleza, ni de los cielos giratorios.
No soy de la tierra, ni del agua, ni del aire, ni del fuego.
No soy del empíreo, ni del polvo, ni de la existencia, ni de la entidad.
No soy de India, ni de China, ni de Bulgaria, ni de Grecia.
No soy del reino de Irak, ni del país de Jurasán.
No soy de este mundo, ni del próximo, ni del Paraíso, ni del Infierno.
No soy de Adán, ni de Eva, ni del Edén, ni de Rizwán.
Mi lugar es el sinlugar, mi señal es la sinseñal.
No tengo cuerpo ni alma, pues pertenezco al alma del Amado.
He desechado la dualidad, he visto que los dos mundos son uno;
Uno busco, Uno conozco, Uno veo, Uno llamo.
Estoy embriagado con la copa del Amor, los dos mundos han desaparecido de mi vida;
no tengo otra cosa que hacer más que el jolgorio y la jarana.
Los restos mortales de Rumi descansan en su santuario de Konya, que se ha convertido un sitio de peregrinación fervorosa que recibe fieles de distintas partes del mundo. Es el lugar donde sus seguidores crearon la Orden Mevlevi de los derviches (Patrimonio de la Humanidad UNESCO desde 2008).
La danza de los derviches tiene amplio reconocimiento como un tesoro cultural en el mundo musulmán, y también en el occidente. Los derviches de Konya, seguidores directos de Mevlana Rumi, pertenecen a la congregación más reconocida de Turquía, danzan cada semana para el público que se calcula en 2 millones de personas al año, además de hacerlo cinco veces por día, como ritual del rezo con el que buscan ser parte de dios.
En el día de su aniversario luctuoso, se celebra la ceremonia de los derviches sobre el propio sepulcro de Mevlana, el museo resguarda los manuscritos de los libros de Rumi, así como otros bienes, el más preciado es una reliquia sagrada: un pelo de la barba del profeta Mahoma.
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Impresiona ver la belleza y el particular ritmo de esta danza,
y el dominio excepcional del equilibrio de estos Derviches.
(Maria Anna Sofia Cecilia Kalogeropoulos; Nueva York, 1923 - París, 1977) Soprano estadounidense de origen griego. Convertida en un mito que sobrepasa con mucho el estrecho círculo de los amantes de la ópera, a ello han contribuido, sin duda, su portentosa voz, capaz de los matices y colores más insospechados, y su personal forma de abordar la interpretación de los personajes en escena. Verista, sensual y moderno, su estilo revolucionó los usos y costumbres de los grandes divos y divas de su época, mucho más estáticos en sus movimientos. También ayudaron a la gestación del mito, en buena medida, su desdichada vida privada y su prematura muerte.
Su personificación de la protagonista acabó de consagrarla como la gran soprano de su generación y una de las mayores del siglo. La década de 1950 fue la de sus extraordinarios triunfos: en absoluta plenitud de sus medios vocales, protagonizó veladas inolvidables, muchas de ellas conservadas en documentos fonográficos de inestimable valor, en las que encarnó los grandes papeles del repertorio italiano belcantista(1)y romántico para soprano. María Callas fue la interprete que lo dio mayor transcendencia después de la Segunda Guerra Mundial.
Pertenece a la Ópera Norma. Tragedia lírica en dos actos, aria y cabaletta, con música de Vincenzo Bellini. Estrenada en Milán el 26 de diciembre de 1831.En España se estrenó en el Teatro del Príncipe (Madrid) en 1834.
Argumento. La trama gira en torno al amor que siente la sacerdotisa Norma por Polión, procónsul romano. Él, padre de sus hijos, ama a otra mujer, Adalgisa, también sacerdotisa. El enfrentamiento entre ambas se simboliza en el célebre dúo Mira O Norma. Antes de que se alce el telón, la sacerdotisa Norma, hija del jefe de los druidas Oroveso, es la amante secreta del procónsul Polión, del que ha tenido dos hijos, custodiados por la fiel Clotilde mientras el resto no lo sabe. El romance hace que Norma trate por todos los medios de acallar la rebelión contra Roma, esperando que se establezca la paz entre los dos pueblos y así no perder a su amado.
La acción se desarrolla en la Galia durante la ocupación romana, alrededor del año 50 a.C. Bosque sagrado de los druidas.
El aria Casta diva(Casta diosa) es el corazón de la ópera Norma. Se sucede inmediatamente después de la entrada de la sacerdotisa druida Norma en el primer acto, cuando corta una rama de muérdago como ofrenda. Es uno de los paradigmas del belcanto romántico. La canta su protagonista, una sacerdotisa celta, mientras realiza un ritual que definirá el futuro de su pueblo. Dicho ritual reside en conectarse con el lado femenino, simbolizado por la luna.
El
papel de Norma se considera como uno de los más difíciles del repertorio para soprano.
Exige un tremendo control vocal de rango, flexibilidad y dinámica. Contiene una
amplia variedad de emociones: conflicto entre la vida personal y la pública, la
vida romántica, el amor maternal, la amistad, los celos, el impulso asesino y
la resignación… siempre se debe cuidar la belleza de tono y la emisión correcta.
(1)Bel canto es un término musical que significa literalmente canto hermoso. Se refiere a la técnica vocal que se originó en Italia a principios del siglo XVI y que alcanzó su máxima expresión en la ópera de principios del siglo XIX. Los compositores que se asocian a este estilo son Rossini, Bellini y Donizetti.
Maria Callas: Norma/Bellini- Casta diva 13-12-1957 en directo y coloreada
Fue instituido por la Junta de Andalucía el 16 de diciembre, día del nacimiento del poeta Rafael Alberti (1902) y fecha del homenaje a Góngora celebrado en el Ateneo de Sevilla en 1927 que daría lugar a la Generación del 27, reunión en la que, además de Alberti, participaron Lorca, Bergamín, Cernuda, Gerardo Diego o Dámaso Alonso.
Por su belleza poética publicamos estos fragmentos de nuestro académico, Rafael Alberti.
En la ciudad gaditana del Puerto de Santa María, a la derecha de un camino, bordeado de chumberas, que caminaba hasta salir al mar, llevando a cuestas el nombre de un viejo matador de toros —Mazzantini—, había un melancólico lugar de retamas blancas y amarillas llamado la Arboleda Perdida.
Todo era allí como un recuerdo: los pájaros rondando alrededor de árboles ya idos, furiosos por cantar sobre ramas pretéritas; el viento, trajinando de una retama a otra, pidiendo largamente copas verdes y altas que agitar para sentirse sonoro; las bocas, las manos y las frentes, buscando donde sombrearse de frescura, de amoroso descanso. Todo sonaba allí a pasado, a viejo bosque sucedido.
Hasta la luz caía como una memoria de la luz, y nuestros juegos infantiles, durante las rabonas escolares, también sonaban a perdidos en aquella arboleda.
Ahora, según me voy adentrando, haciéndome cada vez más chico, más alejado punto por esa vía que va a dar al final, a ese «golfo de sombra» que me espera tan sólo para cerrarse, oigo detrás de mí los pasos, el avance callado, la inflexible invasión de aquella como recordada arboleda perdida de mis años.
Entonces es cuando escucho con los ojos, miro con los oídos, dándome vuelta al corazón con la cabeza, sin romper la obediente marcha. Pero ella viene ahí, sigue avanzando noche y día, conquistando mis huellas, mi goteado sueño, incorporándose desvanecida luz, finadas sombras de gritos y palabras.
Cuando por fin, allá, concluido el instante de la última tierra, cumplida su conquista, seamos uno en el hundirnos para siempre, preparado ese golfo de oscuridad abierta, irremediable, quién sabe si a la derecha de otro nuevo camino, que como aquél también caminará hacia el mar, me tumbaré bajo retamas blancas y amarillas a recordar, a ser ya todo yo la total arboleda perdida de mi sangre.
Y una larga memoria, de la que nunca nadie podrá tener noticia, errará escrita por los aires, definitivamente extraviada, definitivamente perdida.
Rafael Alberti 1910. Colegio de las Carmelitas
...Las hermanas carmelitas,
con delantales azules,
se parecen a los cielos
cuando se quitan las nubes.
De muchos azules está llena y hecha mi infancia en aquel Puerto de Santa María. Mas ya los repetí, hasta perder la voz, en las canciones de mis primeros libros. Pero ahora se me resucitan, bañándome de nuevo. Entre aquellos azules de delantales, blusas marineras, cielos, río, bahía, isla, barcas, aires, abrí los ojos y aprendí a leer. Yo no puedo precisar ahora en qué momento las letras se me juntan formando palabras, ni en qué instante estas palabras se asocian y encadenan revelándome un sentido. ¡Cuántas oscuras penas y desvelos, cuántas lágrimas contra el rincón de los castigos, cuántas tristes comidas sin postre siento hoy con espanto que se agolpan en mí desde aquella borrosa mañana del p-a, pa, hasta ese difícil y extraordinario día en que los ojos, redondos ante un libro cualquiera, concentran todo el impulso de la sangre en la lengua, haciéndola expeler vertiginosamente, como si la desprendieran de un cable que la imposibilitara, un párrafo seguido: «Salieron los soldados al combate y anduvieron nueve horas sin descansar...»! ¡Día de asombro, hora de maravilla en que el silencio rompe a hablar, del viento salen sílabas, uniéndose en palabras que ruedan de los montes a los valles y, del mar, himnos que se deshacen en arenas y espumas! Pero el niño, aquella misma tarde, llora y no sabe nada, sueña por la noche con inmensas letras panzudas que lo persiguen, pesadas, para emparedarlo o acorralarlo en el rincón de las arañas, grises, gruesas también como las mayúsculas que lo acosan...
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Alberti partió de un sentimiento lírico-popular andaluz plasmado en "Marinero en tierra" y "La amante" plenos de musicalidad y ágil desenvoltura:
No quiero barca, corazón barquero,
quiero ir andando por la mar al Puerto.
¡Qué dulce el agua salada
con su salitre hecho cielo!
¡No quiero sandalias, no!
Quiero ir descalzo, barquero.
No quiero barca, corazón barquero,
quiero ir andando por la mar al Puerto.
Los estudiosos distinguen una segunda etapa, la de su obra "Cal y canto", aquí su trabajo poético se gongoriza, y su expresión se oscurece. De ésta es su "Soledad Tercera" en homenaje a D. Luis de Góngora:
Conchas y verdes líquenes salados,
los dormidos cabellos todavía,
al de una piedra sueño,traje umbroso
vistiendo estaban, cuando desvelados,
cítaras ya, esparcidos,
por la del viento lengua larga y fría
templados y pulsados fueron y repetidos,
que el joven caminante su reposo
vio, música segura,
volar y, estrella pura,
diluirse en la Lira, perezoso.
La poesía es algo tan sutil como soñar, y soñar, caminos; estaba seguro que Antonio Machado también lo creía así.
Zarparé, al alba, del Puerto,
hacia Palos de Moguer,
sobre una barca sin remos.
De noche, solo, ¡a la mar!
y con el viento...
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Gonzalo Díaz Arbolí y M. Manzorro en su residencia de Santa Lucía
Breve crónica de la visita a nuestro amigo, Manolo Manzorro.
Hemos tomado la carretera, A-48 tan íntima y familiar autovía hacia Vejer de la Frontera y, temprano llegamos a su casa de campo en Santa Lucía. (Vejer). El día es azul con una luz que lo inunda todo.
Hemos disfrutado de una mañana deliciosa, comenzando por el jardín que franquea la entrada a la finca, junto a la casa, una majestuosa parra de más de dos metros de altura, que cubre por completo una enorme terraza no dejando pasar el sol, es como la placentera umbría de un bosque que refresca el ambiente dejando un olor intenso y perfumado, su aroma me traslada a la juventud, cuando iba a la casa de sus padres en Patria y también viene a mi memoria esta estrofa de uno de sus poemas:
Fuera los mojinetes del cortijo:
Sus palomas, la parra, el patio y la lluvia.
Enfrente las cañadas, sus verdeles, sus lindes.
Y ahí abajo, el cercado, los arroyos, los trampales, lo de siempre.
Aquí la temperatura es fresca y una suave brisa hace sonar las hojas, incluso en los días que sopla fuerte el viento de levante, apenas se nota el calor. Vemos solo una mesa y un sillón de mimbre para disfrutar de la serenidad y de la lectura.
Paisaje que se divisa desde el interior del estudio
Lindando con la terraza, quedamos sorprendidos al descubrir dos imponentes y centenarios olivos con sus troncos retorcidos y su antigüedad casi mística, que para Manzorro son algo más que árboles, son olivos que tienen fisonomía propias, personalidad, porque tiene historia, esto es alma; que le fueron regalados por las autoridades de Priego de Córdoba como recompensa por su contribución a la cultura de la sociedad prieguense cuando de profesor de la universidad sevillana pasaba cuatro intensas semanas en verano enseñando la difícil técnica del grabado.
Continuamos en el mismo jardín y nos describe, los naranjos, pomelos, granados, moreras y los frutales tropicales: papayas y chirimoyas.
Después hemos caminado hacia la parte baja de la finca, ¡qué maravilla de paisaje! al contemplar allí en lo alto, el grandioso panorama de Vejer, la ciudad blanca como una paloma reposada sobre los aleros del tiempo, como vejeriegos la miramos con los ojos del corazón y del recuerdo y, la visión quiere permanecer eterna, pero es una visión cambiante, cambia la silueta de la blancura, como cambia la blancura misma, y de esa blancura y esa luz nos hablaba de su proyecto de pintarla con la luz de la mañana y al oriscan (neologismo inventado por Manzorro para describir la tarde de oro). También podría derivar de "lubricán". (crepúsculo)
Todo quedó en su sitio al despuntar el alba.
Abandonamos el patio al clarear el día
y olía la silente luz difusa por los carriles,
igual que un tomillar recién cortado,
o un socaire de orégano y colmenas.
Óleo de Manzorro. Vejer, la ciudad blanca como una paloma
Hemos recorrido todo el perímetro de la finca, por suerte no le falta el agua, a lo largo de la cerca baja un arroyo caudaloso que proviene del manantial de la Muela haciendo posible el crecimiento de unos altos álamos y también alimentando la arboleda que durante el trayecto nos ha ido citando los nombre de los árboles: ciruelos, almendros, higueras, melocotoneros, membrillos, perales, uno en especial silvestre al que los hortelanos llaman pergüetano, su nombre en realidad es piruétano, (en la mitología el peral silvestre es a menudo el árbol que atrae a dragones, demonios y brujas) y nos contaba sus recuerdos infantiles en la casa paterna de Patría, cuando sus padres no lo dejaban comerlos porque se podrían atragantar, ya que su fruto, aunque carnoso, es seco y áspero; la higuera, ese bonito árbol por su forma de copa y su follaje, de dulce pulpa que es una delicia comerlos recién cogidos del árbol al amanecer, de cómo un ciruelo que, como consecuencia de un injerto se había comido a su hijo, cuando nos lo contaba, se refería a una leyenda mitológica. He de decir que todos los árboles han sido plantados por él.
Regresamos a la casa por la atarjea seca, apenas un regajo, como corresponde al mes de mayo, donde las copas de los frondosos árboles
que la limitan, forman un dosel que se asemeja a un almizcate. Y siempre acompañado de la música del canto de los ruiseñores….
En el centro el abono preparado para la siembra de tomates, pimientos, patatas, cebollas, nos dice que la compra en el supermercado está carísima y debe autoabastecerse, yo le recuerdo que en su vida de profesor migrante ya los cultivaba en Ottawa.
Subimos de nuevo a su estudio y contemplamos los cuadros colgados y otros en los que está trabajando…
En este vídeo pueden ver parte de su obra
Poema de Manuel Manzorro: Elegía a la muerte de su padre, Voz: gda.
Hay dos etapas de la vida que determinan el paso del tiempo: la juventud y la vejez y en esta última estamos.
En la despedida nos abrazamos con la promesa de vernos pronto. Trato de retener todo lo que hemos vivido y aprendido.
Cuando la oscuridad se adueñaba del cielo, regresamos a nuestra casa en El Puerto de Santa María desandando la misma carretera, a medio camino, me comentaba Inma, mi mujer, la soledad en la que se quedaba nuestro amigo, entonces recordé la oda a la vida solitaria de Fray Luis de León.
¡Qué descansada vida
la del que huye del mundanal ruïdo,
y sigue la escondida
senda, por donde han ido
los pocos sabios que en el mundo han sido;
Que no le enturbia el pecho
de los soberbios grandes el estado,
ni del dorado techo
se admira, fabricado
del sabio Moro, en jaspe sustentado!
También me vino a la memoria el poeta latino Horacio que, en su famoso poema “Beatus ille” (“Dichoso aquel…”) expresó su ideal de una vida sencilla y retirada, en contacto con la naturaleza y alejada de los ruidos y preocupaciones de la ciudad.
"La soledad es el paraíso de los artistas".
Hagamos posible que estos recuerdos idílicos permanezcan en el lugar más soleado de nuestros corazones.
Gonzalo Díaz-Arbolí
Académico de Santa Cecilia
El Puerto de Santa María 5 de septiembre 2023
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